The National Gallery

作者:Saumarez Smith, Charles

页数:192

出版时间:2009-7

价格:$ 28.19

isbn号码:9780711230439

具体描述

Charles Saumarez Smith recounts the history of arguably the most important and most beloved public art collection in the world, the National Gallery, of which he was Director from 2002 to 2007. His insider's perspective gives him an invaluable insight into the challenges faced by his predecessors as they managed the collection from its very modest origins through to its status as a world class institution and a major tourist destination that welcomes more than five million visitors per year. This erudite yet movingly personal book reveals the contentious issues surrounding how a national collection is to be acquired, preserved, restored and displayed, the often fraught relationship between Director, Trustees and government, architectural and aesthetic controversies, and addresses the future of the Gallery in an increasingly uncertain and commercialized art marketplace.

用户评价

这本书的阅读体验，与其说是阅读，不如说是一种沉浸式的“导览”。我发现自己常常会拿起放大镜，对着那些微小的笔触和纹理反复揣摩。它对巴洛克时期那些戏剧性场景的处理尤其到位，光线仿佛真的能从画面的某一角射出来，打在人物的盔甲或丝绸上，那种强烈的明暗对比被纸张完美地捕捉住了。最令我惊喜的是，书中对一些“非主流”艺术家的介绍并没有敷衍了事，而是给予了相当的篇幅，这让我认识到艺术史的广阔性远超我们的想象。我过去总觉得，了解这些艺术品就得去博物馆现场，但有了这本书，我感觉自己仿佛拥有了一个私人的、世界级的艺术馆，可以随时随地进行深度欣赏。那些对画作材质的描述，比如使用的木板的来源、颜料中矿物质的成分，都让作品的“物质性”得到了尊重。

这部画册简直是视觉的盛宴，每一次翻阅都像是一次穿越时空的旅程。封面那张不知名艺术家的静物写生，那种光影处理的细腻程度，简直让人屏息。我特别喜欢它对洛可可时期作品的编排，那种轻盈、那种对贵族生活的描绘，通过高质量的印刷，色彩的还原度极高，甚至能感受到油彩堆叠的肌理感。不仅仅是那些耳熟能详的大师名作，书中收录了大量鲜为人知的珍品，每幅画作旁都有简短但信息量十足的解读，没有冗长乏味的学术腔调，而是用一种非常亲近读者的语言，勾勒出创作的时代背景和艺术家的心境。我曾在某个周末的午后，泡上一杯浓茶，沉浸在这些古典美学的海洋中，忘记了外界的喧嚣。尤其对那些早期文艺复兴的湿壁画复制品印象深刻，那些深深的蓝色和厚重的金色，在纸张上依然保有惊人的深度。这本书的装帧也十分讲究，纸张的厚度和韧性都体现了出版方的诚意，这绝对不是那种随随便便翻阅一下就会被束之高阁的普通图册，它值得被放在书架上最显眼的位置，随时准备被再次打开。

这本书的重量和厚度，让我感觉拿到了一块沉甸甸的知识和美学基石。我最欣赏的是它在处理早期现代主义作品时的那种克制与精准。例如，对于那些早期立体主义的解构与重组，文字部分的阐述非常到位，它没有过度解读，而是引导读者去关注线条的张力、平面的并置是如何在二维空间中创造出新的三维错觉。书中的版式设计极其简洁，留白恰到好处，让每一幅图像都有足够的“呼吸空间”，不至于让读者产生视觉疲劳。这对于长时间的欣赏至关重要。我特别喜欢它的索引和附录部分，信息密度非常高，便于快速查阅和交叉比对。这本书不是那种看完就束之高阁的快餐读物，它更像是一部可以伴随我多年艺术探索的参考书，每次重读，都会因心境的变化而发掘出新的解读层次。它让我对艺术的“观看”行为本身，都有了一种新的理解和尊重。

坦白说，我最初是被它的名声吸引的，但拿到实物后，发现它的价值远超预期。这本书的开本设计非常人性化，足够大以展现细节，但又不会大到让人在膝上阅读时感到笨重。我特别喜欢它收录的那些中世纪宗教题材的作品，它们那种近乎虔诚的、对称的构图，以及那种略带神秘感的面部表情，在高质量的印刷下，那种肃穆感扑面而来。与其他一些同类书籍相比，这部作品的摄影质量明显高出一筹，没有出现那种常见的光斑或者色彩失真，特别是对于那些需要精准还原色彩的油画，这本书做到了极致的忠诚。它不仅仅是一本“看图”的书，更像是一本“学画”的宝典，里面对一些绘画技法的讨论，比如“斯福马托”的运用，描述得鞭辟入里，让我对那些陈旧的技法又有了全新的认识。它成功地弥合了学术研究与大众欣赏之间的鸿沟。

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的优秀，它并没有简单地按照时间顺序堆砌作品，而是巧妙地设置了几个主题性的章节，比如“光线的魔术师”、“人物的情感光谱”乃至“色彩的哲学思辨”。这种结构让我能从不同的角度去审视艺术史的演变。我记得有一个章节专门探讨了十九世纪末期印象派画家对户外光影的痴迷，通过对比几位大师在不同天气条件下对同一场景的描绘，那种观察入微的专业性令人赞叹。对于像我这样不是科班出身的艺术爱好者来说，这种清晰的脉络梳理极大地帮助了我理解艺术流派之间的承袭与颠覆。而且，它对每件作品的注释，不仅仅停留在“谁在哪一年画了什么”，更深入到颜料的稀有性、画框的工艺，乃至作品在历史长河中经历的修复过程，这种全方位的考察，让每一幅画作都变得“有血有肉”起来。我甚至发现了一些过去被我忽略的细节，比如某幅肖像画中人物衣领处那近乎透明的蕾丝处理，简直是鬼斧神工。