Hermeneutics and Music Criticism

作者:Savage, Roger W.H.

页数:216

出版时间:2009-7

价格:$ 141.25

isbn号码:9780415998598

具体描述

Hermeneutics and Music Criticism forges new perspectives on aesthetics, politics and contemporary interpretive strategies. By advancing new insights into the roles judgment and imagination play both in our experiences of music and its critical interpretation, this book reevaluates our current understandings of music's transformative power. The engagement with critical musicologists and philosophers, including Adorno, Gadamer, and Ricoeur, provides a nuanced analysis of the crucial issues affecting the theory and practice of music criticism. By challenging musical hermeneutics' deployment as a means of deciphering social values and meanings, Hermeneutics and Music Criticism offers an answer to the long-standing question of how music's expression of moods and feelings affects us and our relation to the world.

用户评价

我购买这本书的初衷，是希望找到一套更坚实的理论工具来分析当代电子音乐的复杂性，而《Hermeneutics and Music Criticism》在很大程度上满足了我的期望，尽管它的主要案例集中于西方艺术音乐的“正典”。最令我感到惊喜的是，作者在讨论诠释的限制性时，对于“意图阐明”（Intentional Fallacy）的讨论非常透彻。书中细致地拆解了“作曲家意图”这个概念在进入数字时代和媒介多元化后所面临的困境，这为我们分析那些没有明确“作者”或“文本”边界的当代声音艺术提供了绝佳的理论参照点。作者的论述风格非常克制且严谨，即便是在阐述最为激进的观点时，也始终保持着对逻辑连贯性的高度关注，避免了陷入纯粹的思辨游戏。全书读下来，感觉就像进行了一次高强度的智力训练，虽然时有困惑，但每一次“顿悟”都伴随着对音乐现象更深刻的洞察。这是一部值得反复阅读、并在不同人生阶段能读出不同层次意味的著作，是现象学与音乐理论交汇处一座不可忽视的灯塔。

这部作品的出版无疑为音乐学和哲学研究领域投下了一颗重磅炸弹。我是在一个偶然的机会中接触到这本书的，当时我对文本诠释的理论框架如何应用于艺术批评领域抱有浓厚的兴趣。这本书的叙事方式极为引人入胜，它没有采用那种刻板的、教科书式的论证结构，而是通过一系列精心编排的案例研究，将看似抽象的哲学概念与具体的音乐文本分析紧密地结合在一起。作者在引言部分就确立了一个大胆的论点：音乐的意义并非仅仅存在于音符的物理结构之中，而是在于听者与文本之间持续不断的“对话”过程中涌现出来的。这种将海德格尔的现象学思想与李欧塔的后结构主义观点进行融合的尝试，本身就充满了学术上的张力与创造力。尤其值得称赞的是，书中对特定作曲家（例如，对于德彪西后期作品的分析）的处理方式，展现了一种超越传统“风格分析”的深度。它迫使读者重新审视自己以往对“理解”音乐的预设，让人在合上书卷后，依然能感受到思维被强烈地拨动，仿佛每一个熟悉的乐章都披上了一层全新的解读外衣。这本书绝非轻松的读物，它要求读者具备一定的哲学基础和聆听的耐心，但其回报是极其丰厚的——它为你提供了理解复杂艺术现象的全新工具箱。

对于那些厌倦了千篇一律的唱片评论和学院派的风格划分的人来说，这本书简直是一剂强心针。它的语言充满了活力和挑战性，不像某些学术著作那样，仿佛被石膏封住了一般缺乏生命力。这本书的叙事节奏感极强，仿佛作者本人就在你身边，兴致勃勃地与你探讨贝多芬晚期弦乐四重奏中的一个和弦进行究竟暗示了何种存在论上的困境。我个人对作者如何处理“时间性”在音乐诠释中的作用印象尤为深刻。书中提出，音乐的意义并非固定在某一个时间点上被“捕获”的，而是在每一次新的聆听过程中被“重新生成”的。这种动态的、流动的观点，极大地解放了我对古典音乐僵化理解的束缚。当然，初读时，书中引用的德语和法语术语的密度确实很高，需要读者具备一定的跨语言学术背景，但这似乎也是作者刻意为之，用以筛选出真正愿意深入探索这一领域的核心读者群。这本书的价值不在于提供答案，而在于提出更精妙、更有挑战性的问题。

这本书的结构设计本身就是一种对传统音乐批评范式的颠覆。它没有采用传统的“导论-主体-结论”的线性结构，而更像是一系列围绕核心主题展开的、互相参照的论证模块。这种“拼贴式”的写作手法，巧妙地呼应了它在内容上所倡导的“多重意义并存”的观点。我特别关注了书中关于“聆听伦理”的章节，作者在这里提出了一个非常尖锐的观点：每一次批评性的判断，都内含着一种将其他可能的听觉体验边缘化的权力行为。这种对批评家自我反思的强调，是当前音乐评论界非常稀缺的元素。书中对19世纪浪漫主义晚期音乐的分析，尤其令人耳目一新，它成功地将叔本华的悲观主义哲学与瓦格纳乐剧中的和声语言，建立起一种强有力的、非传统的对应关系，而不是简单地进行概念移植。这本书无疑会引起一些音乐史学家的不满，因为它挑战了他们长期以来建立的文本权威，但正是这种挑战性，才体现了其重要的学术价值。

我必须承认，这本书的密度之高，差点让我望而却步。我通常习惯于那种清晰、线性的学术写作风格，但《Hermeneutics and Music Criticism》的行文更像是一张精密的、多维度的织锦，需要时不时地停下来，回溯前文，才能真正捕捉到作者试图编织的核心脉络。这本书最让人震撼的地方，在于其对“权威性诠释”的瓦解。作者并没有急于给出一个“标准答案”去解释某个复杂的交响曲，反而着重探讨了“诠释的伦理”——即批评家在权力结构中扮演的角色，以及这种角色如何不自觉地限制了音乐文本的开放性。书中对后维也纳乐派作品的分析部分尤其精彩，它没有陷入到纯粹的十二音体系的机械描述中，而是深入挖掘了声音序列背后的“意图性”与“可接受性”之间的辩证关系。我特别欣赏作者引入的关于“听觉经验的身体性”的讨论，这使得原本冰冷的理论框架立刻获得了触感和温度。这本书对于那些希望提升自己批判性思维的音乐爱好者来说，是一次极佳的“智力健行”，虽然过程崎岖，但登顶后视野之开阔，绝对值得付出努力。它成功地将一个相对边缘化的哲学分支，提升到了音乐评论的核心地位。