Computer Graphics for Artists II

出版者:Springer London Ltd

作者:Paquette, Andrew

页数:364

出版时间:2009-6

价格:$ 79.04

isbn号码:9781848824690

具体描述

In this second volume of "Computer Graphics for Artists" the author, Andrew Paquette, guides the reader through the creation of realistic computer-generated backgrounds and characters. Rather than teach using a specific program, the author focuses on the theory required to ensure that the artist can create a convincing landscape, building, person or whatever they turn their attention to. Part one covers the core areas of background generation, such as CG terrain, plant life and architecture, but also deals with specific concepts such as photo-texturing and lighting, explaining all the advantages and pitfalls involved. Part two introduces the reader to the study of the body-shape and movement and their consequent effects upon successful digital-recreation, as well as addressing some of the fundamental elements of appearance; hair, skin and fat. It is assumed that readers will be familiar with the terms and concepts described in the first volume of this work.

用户评价

这本《计算机图形学对艺术家 II》的厚度着实让我有些望而生畏，它占据了我书架上相当大的一部分空间，沉甸甸的质感仿佛预示着其中蕴含的知识密度。初次翻开时，我被那些极其严谨的数学公式和晦涩的算法描述所震撼。坦白说，我并不是科班出身的计算机科学家，我更侧重于视觉表达和艺术创作。因此，我期待的更多是关于色彩理论在数字空间中的精妙应用、光影模拟如何更贴近人眼感知，以及如何利用现有软件的强大功能来提升作品的感染力。然而，这本书似乎将大量的篇幅投入到了底层渲染管线的深度剖析，例如，关于布料模拟中的有限元分析、高级粒子系统的随机数生成机制，以及光线追踪算法中对非均匀有理B样条曲面（NURBS）的精确处理。我理解这些是图形学领域的核心，但对于一个以“艺术家”为导向的读者来说，这些内容显得过于理论化和抽象。我更希望看到的是，如何将这些复杂的数学模型转化为可以直接在软件中调用的参数或直观的节点设置，而不是仅仅停留在理论层面。我花费了大量时间去理解那些关于线性代数在3D变换中扮演的角色，虽然这无可避免，但书中的案例大多是关于纯粹的几何体操作，缺乏与实际艺术项目（比如角色动画的面部表情捕捉、环境光照的氛围营造）的紧密结合。总的来说，它更像是一本面向图形引擎开发者的教科书，而非艺术家的实用指南。

章节之间的逻辑跳转，对我这个非科班读者来说，常常显得不够平顺。读到后面部分时，我发现作者似乎预设了读者已经完全掌握了前几章的内容，并且对图形学领域的某些标准术语习以为常，无需额外解释。比如，在讨论到纹理映射的高级技术时，书中突然引入了“各向异性过滤”和“MIP贴图”的优化策略，但对于它们的实际作用和何时应该禁用它们的艺术考量，叙述得非常简略。我感觉自己像是在攀登一座阶梯很高的楼梯，每一步都要求我必须具备前一步的全部知识储备，一旦某个基础概念没有完全吸收，后续的学习就会变得异常艰难。此外，书中对软件和硬件的依赖性讨论也显得有些过时或过于理想化。例如，它详尽描述了一种需要特定GPU流水线才能高效执行的计算方法，但对于如何在主流、更普及的硬件上实现类似效果的“妥协方案”或“替代路径”，却没有提供足够的指导。这使得我们这些没有顶级计算资源的独立开发者或小型工作室，很难将书中的“最优解”转化为可行的日常工作流程。

这本书的排版和图示，也让我的阅读体验大打折扣。大量的公式挤占了本应留给视觉范例的空间，使得整个版面显得异常拥挤和冰冷。作为艺术领域的学习者，视觉反馈至关重要。我期待的是那些能激发灵感的、高质量的渲染结果对比图，用以佐证某个渲染技巧的优越性。然而，书中展示的图像大多是结构清晰但缺乏美感的线框图或简单的基础几何体渲染，这些图例的目的是为了验证算法的正确性，而非展示艺术潜力。例如，在讲解高级阴影算法时，作者提供的测试场景是一堆并排放置的立方体，这能完美展示阴影的硬度和抗锯齿效果，但它完全无法体现出在复杂场景中，例如森林深处或霓虹闪烁的都市夜景中，这些算法是如何影响整体氛围和戏剧性的。我尝试将书中的某些概念套用到我正在处理的富有情感的角色场景中，却发现书中缺乏关于如何处理“风格化渲染”或“非写实渲染”的章节。这使得这本书的受众定位显得非常单一，似乎完全排除了那些不追求绝对物理真实感，而是更偏爱夸张、卡通化或表现主义风格的创作者。

这本书的“应用”部分，与我作为艺术家所理解的应用之间存在着显著的鸿沟。它用很大篇幅讨论了如何高效地进行几何体的实例化和批处理，这对于提升游戏引擎的渲染帧率是至关重要的技术细节。但我阅读这本书的初衷，更多是想深入理解如何通过精确的光照模型来塑造角色的情感深度，或者如何通过程序化手段生成具有自然生长规律的植被系统。书中确实提到了程序化生成，但更多是围绕着如何生成数学上完美的随机分形结构，而非如何将这种随机性融入到具有叙事性的环境中。例如，我期待看到的是关于如何利用噪声函数来模拟水波的细微涟漪、如何通过程序化方法控制一张风景画中云层的层次感和运动趋势，而不是专注于如何用最短的代码行数实现一个光滑的球体。这种对“效率”和“底层优化”的过度关注，使得书的整体基调偏向于工程实现，而疏忽了艺术创作中至关重要的“意图性”和“审美选择”。对于一个希望用技术来解放创作力的艺术家来说，这本书提供的工具箱虽然强大，但说明书却过于晦涩难懂，导致工具的潜力未能完全被发掘出来。

当我尝试在实际项目中应用书中学到的一些概念时，发现过程比我想象的要曲折得多。书中详尽地介绍了基于物理的渲染（PBR）流程，从微表面散射到各向异性高光的数学模型，内容非常详尽，简直可以当作标准来参考。问题在于，书中对“如何快速实现”的指导明显不足。例如，在谈到次表面散射（SSS）时，它提供了一个复杂的体积渲染方程，并解释了光线如何在半透明物体内部散射和吸收。这无疑是教科书级别的严谨，但当我转头去看我常用的渲染器时，我发现软件已经提供了一个看似简单的SSS滑块。我试图从书中找到如何根据不同材质（如蜡、皮肤、玉石）来校准这些滑块背后的物理意义，但书中对软件层面的桥接点着墨甚少。更多的是对底层模型的证明和推导，这让我感觉像是在学习如何自己亲手建造一台发动机，而不是如何学会驾驶一辆高性能跑车。我真正需要的是一个“艺术家友好型”的章节，阐述如何解读和调整这些复杂的物理参数，以达到特定的艺术效果，而不是仅仅理解它们是如何被计算出来的。这种知识上的“信息差”让我感到一丝挫败，因为书中的高深理论并未能立即转化为我工作流程中的效率提升。