Fundamentals of Music

作者:Henry, Earl

页数:0

出版时间:2003-8

价格:$ 121.28

isbn号码:9780131067165

用户评价

关于《即兴表演的艺术与科学》，这本书给我的启发是跨学科的，它远远超出了音乐本身。我原本以为这只是教我如何快速编配和弦进行，如何更流畅地进行五声音阶的即兴演奏。但出乎意料的是，作者将即兴视为一种“心流状态”（Flow State）的体现，并用神经科学的语言来解释大脑在高度即兴状态下的运作模式——前额叶皮层活动的减弱，使演奏者能够绕过自我审查机制，直接从潜意识中提取音乐灵感。书中花了很大篇幅去分析爵士乐、布鲁斯以及世界各地民间音乐中即兴的社会功能和文化背景，比如即兴如何作为一种口头传统的延续，如何成为乐手之间非语言交流的工具。我尤其欣赏其中关于“倾听的深度”的探讨，作者强调，成功的即兴并非单方面的表达，而是与乐队其他成员乃至听众之间进行实时、动态的反馈循环。读完这本书，我感觉自己不再是“试图在乐器上找出正确的音符”，而是学会了如何“更自然地在音乐中存在”。它极大地降低了即兴演奏带来的焦虑感，转而强调了探索和交流的乐趣，对于任何希望在音乐中获得更多自由和表达欲的人来说，都是一本必读的指南。

《管弦乐配器精要》这本书，简直是配器爱好者的“圣经”与“武功秘籍”的完美结合体。我过去在给自己的作品进行配器时，总是小心翼翼地，生怕把小提琴写得太厚重，或者让圆号的声音被低音提琴完全淹没。这本书的价值在于，它不只是告诉你“某个乐器能做什么”，而是深入探讨了“为什么”这个乐器在这个特定的音区、搭配这个特定的乐器时会产生特定的音响效果。作者对木管组、铜管组、弦乐组乃至打击乐组的音色混合（timbral blending）和对比（contrast）的论述，细致到了令人发指的地步。比如，书中关于长笛高音区与双簧管中音区的“丝绒般的融合”的描述，让我立刻想到了德彪西的一些配器手法。更实用的是，它还提供了大量针对不同乐器组合的“陷阱”提示，比如某些弦乐的弓法在快速演奏时容易产生噪音，或者铜管乐器在最大力度时可能出现的气流声控制。对于一个想写交响乐、或者仅仅是想让自己的室内乐听起来更“专业”的人来说，这本书的参考价值是无价的。它让你从一个“写音符”的层面，提升到“雕刻声音”的境界，读完之后，面对管弦乐总谱，你不再感到畏惧，而是充满了掌控感和创造欲。

这本《音阶的奥秘》简直是音乐理论学习的“救星”！我以前总觉得和声进行是玄学，那些复杂的七和弦、九和弦简直像天书一样。但是这本书，它用一种非常直观且富有逻辑性的方式，把这些抽象的概念掰开了揉碎了讲。作者似乎有一种魔力，能把枯燥的规则转化为清晰的图像。比如，在讲解调式转换时，它没有简单地罗列公式，而是通过历史背景和不同音乐流派中的实际应用来引导我们理解，这让我瞬间明白了“为什么”要这样做，而不是仅仅记住“怎么”做。特别是关于转调技巧的那几章，简直是“神来之笔”。它不仅仅是教你如何从C大调转到G大调，而是深入探讨了在不同情感色彩下，哪种转调方式最为恰当，这一点对于想要进行音乐创作的人来说，价值无可估量。我记得有一次在处理一段比较忧郁的乐段时，卡住了，就是因为找不到合适的色彩过渡，翻阅这本书后，作者关于“次属和弦的色彩延展性”的阐述，给了我一个全新的视角，一下子就找到了突破口。这本书的排版也十分精良，图表清晰，实例丰富，读起来毫不费力，完全不像一本教科书，更像一位经验丰富的大师在身旁耐心指导。它真正做到了让复杂的世界变得简单易懂，强烈推荐给所有希望提升音乐内涵的演奏者和创作者。

坦白说，我刚拿到《节奏的脉搏》这本书时，有点不以为然，觉得节奏无非就是数拍子嘛，有什么好深入研究的？结果，我大错特错！这本书彻底颠覆了我对节奏的认知，它不仅仅关注节拍器的“嘀嗒”声，而是将节奏提升到了哲学和运动学的层面来探讨。作者对不同文化背景下复杂节奏型的梳理，简直是目瞪口呆的工程量。从非洲鼓点的复杂复节奏（polyrhythm）到巴洛克时期对附点音符的细微处理，再到二十世纪现代音乐中对时间感知的解构，每一个章节都像是一次时空旅行。最让我震撼的是它探讨“自由节奏”的部分，书中通过对指挥家如何处理“自由拍子”的案例分析，揭示了音乐中“弹性”的重要性——那是机器永远无法复制的人性之光。这本书的语言风格非常富有感染力，充满了一种探索未知领域的热情，读着读着，我感觉自己的身体都在不自觉地随着文字的起伏而律动。它逼迫你走出传统的四四拍舒适区，去倾听那些隐藏在表面之下的复杂律动。如果你弹奏乐器已经有一段时间，总觉得自己的音乐“缺少生气”，那么这本书绝对是唤醒你内在律动感的最佳良药。它不仅仅是理论，它是一种活生生的、呼吸着的音乐感知力。

我必须承认，在翻开《二十世纪音乐的革新之路》之前，我对勋伯格、巴托克乃至后来的极简主义音乐，都抱有一种敬而远之的态度，觉得那是“为先锋而先锋”的晦涩之作。然而，这本书，就像一把精巧的钥匙，为我打开了那扇紧锁的现代音乐之门。作者的叙事能力极其出色，他没有直接跳入十二音体系的复杂公式中，而是从第一次世界大战后欧洲社会、哲学思潮的剧变入手，解释了为什么作曲家们必须抛弃掉听起来“太过和谐、太过美好”的浪漫主义语言。这种“情境优先”的讲解方式，让那些看似突兀的无调性音乐突然变得合理且具有历史必然性。书中对“音色作为结构元素”的讨论，尤其让我醍醐灌顶，它揭示了布列泽斯基是如何将声音的“质地”本身作为组织音乐材料的核心。此外，书中对斯克里亚宾和梅西安的深入分析，也让我看到了从晚期浪漫主义向现代过渡的微妙路径。阅读这本书的过程，更像是一场智力上的探险，它挑战你固有的审美习惯，但最终给予你的回报，是更广阔的音乐视野和对“什么是音乐”的更深刻理解。这是一本真正能够拓宽听觉边界的力作。