Classic Guitar Instrumentals

作者:Wolfsohn, M

页数:160

出版时间:2012-5

价格:$ 22.59

isbn号码:9780793509904

具体描述

A big collection of 29 songs that have become classics because of their guitar riffs, including: (Ghost) Riders in the Sky * Hawaii Five-O * Pipeline * Scuttle Buttin' * Sleepwalk * Wipe Out * and more.

用户评价

这本书的封面设计得非常雅致，那种深沉的木纹背景配上优雅的衬线字体，一下子就抓住了我的眼球。我原以为这会是一本关于古典吉他历史的厚重著作，毕竟“Classic”这个词总带着一种学院派的气息。然而，翻开目录后，我发现它更像是一本精选曲目集，但又不止于此。它似乎更注重的是“乐器”本身在音乐表达中的角色，而非仅仅是作曲家的生平或某个特定流派的演变。我特别期待它能深入探讨不同时期制琴工艺对演奏风格的影响，比如斯特拉迪瓦里对音色的微妙改变，或者西班牙传统手工制作与现代工业化生产在音质上的差异对比。如果它能收录一些关于如何维护贵重乐器的专业建议，那就更完美了。我手里那本旧的吉他维护手册内容已经有些过时了，急需一本与时俱进的指南来照看我的宝贝乐器。我希望能看到一些关于弦的材料科学在新技术下的发展，以及这些发展如何影响了演奏者对音色的掌控。总体来说，这本书的视觉呈现给了我一个很高的期望值，希望内容能支撑起这份期待。

这本书的装帧质量非常精良，纸张的厚度适中，拿在手里有一种沉甸甸的踏实感，这对于一本需要反复翻阅的参考书来说至关重要。然而，我发现它在某些技术细节的阐述上似乎有些含糊其辞，这让我这个有着多年演奏经验的人感到略微的困惑。例如，它在讨论到“共鸣箱的张力分布”时，只是简单地提到了其对泛音的影响，但没有深入探讨现代的有限元分析（FEA）是如何帮助制琴师优化这一参数的。我期待看到更具量化数据支持的讨论，哪怕是一张简单的应力图，也能大大增强说服力。另外，关于对不同品牌吉他历史的梳理，我希望它能更加详尽地介绍那些虽然不那么出名但对吉他发展做出过独特贡献的小作坊或家族传承。那些往往是隐藏在聚光灯背后的真正创新者，他们的故事和技术往往比那些被过度神化的品牌更有启发性。这本书的视角似乎过于宏大，以至于略微牺牲了对这些“微小而关键”的创新点的关注。

阅读这本书的过程，就像是进行一次漫长的、充满惊喜的文化漫步，它不仅停留在对乐器的物理构造的描述上，更深入到了乐器与演奏者之间那种近乎共生的情感联系。我特别欣赏作者在探讨“拾音技术”这一现代议题时所展现出的审慎态度。他没有一味地推崇最新的电子设备，而是花了大量篇幅去对比不同的麦克风类型——电容式、动圈式，以及它们在捕捉古典吉他微妙动态范围上的各自优缺点。这让我对如何在录音棚中还原现场的“空气感”有了更深刻的理解。如果书中能加入一些对不同录音环境（例如，小型音乐厅、录音室、自然声场）的声学特性分析，并指导读者如何根据环境调整麦克风的位置，那就太完美了。目前的篇幅似乎将重点放在了器材的选择上，而对“环境优化”这一关键环节的讨论略显不足。我期待的不仅仅是知道“用什么”，更是理解“为什么用它”。

我花了整整一个下午的时间来研究这本书的编排逻辑，不得不说，它的结构组织得非常巧妙，尽管我对于某些章节的侧重点略有保留。它似乎采用了某种非线性的叙事方式来介绍乐器，更像是通过一系列的“瞬间快照”来构建一幅完整的画面。我特别留意了其中一章，它似乎在讨论如何将巴洛克时期的指法融入到二十世纪的现代演绎中，这无疑是一个极具挑战性的课题。我希望书中能提供大量具体的乐谱片段和详细的指法标记作为佐证，而不是仅仅停留在理论层面上的探讨。毕竟，古典吉他演奏的精髓在于指尖的触感和音符的呼吸感，这些是抽象的文字很难完全传达的。如果能附带二维码链接到一个在线资源库，里面收录了不同大师对同一乐章的录音对比，那就太棒了。这样，读者就可以直观地听到“材料”、“结构”和“演奏者意图”是如何相互作用，最终塑造出不同的艺术表达。我对那些关于“音色雕塑”的深入分析特别感兴趣，那种将每一个音符视为一个独立微小雕塑来对待的哲学。

这本书的文字风格非常具有个人色彩，带着一种沉静而又充满热情的语调，读起来丝毫没有传统技术手册的枯燥感。作者似乎擅长将复杂的物理概念用生活化的比喻来解释，这一点非常值得称赞。我尤其关注到其中关于“琴颈弧度与手感匹配”的章节，这对我个人而言是一个长期困扰我的问题。作者提出了一个非常有趣的观点，即理想的琴颈不应被视为一个固定不变的几何形状，而应被视为一个随演奏者手型和演奏习惯动态适应的“界面”。他似乎暗示，最好的吉他调整方案是个性化的、非标准化的。我渴望看到更多关于此的实际案例，比如记录了几位不同演奏家（例如，一位手指修长、一位手指粗短）是如何与他们的乐器进行“定制化磨合”的过程。如果书中能包含一些手工测量和调整的详细步骤图解，特别是关于桁线（fret）的细微调整如何影响高把位的清晰度，那将是这本书最大的亮点之一。这本书的文学性和技术性的平衡掌握得不错，但在实践指导的深度上，仍有更进一步的空间。