Essential Songs for Viola

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出版者:
作者:Hal Leonard Publishing Corporation (COR)
出品人:
页数:144
译者:
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价格:$ 16.89
装帧:
isbn号码:9781423455394
丛书系列:
图书标签:
  • 中提琴
  • 乐谱
  • 古典音乐
  • 练习曲
  • 技巧
  • 音乐教材
  • 器乐
  • 弦乐
  • 独奏
  • 进阶
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具体描述

A huge, jam-packed collection of 130 rock, pop, Broadway, country and folk songs from the past and present.

好的,这是一本假设的名为《管弦乐队配器指南》的图书简介,字数约1500字,内容详尽,旨在全面介绍管弦乐队的各个声部、配器技巧与历史演变,绝不提及您提供的“Essential Songs for Viola”。 --- 管弦乐队配器指南:从巴洛克到现代的色彩构建与逻辑部署 作者:[此处留空或填写虚构资深音乐学家姓名] 出版时间:[此处留空或填写虚构出版年份] 页数:约 850 页 装帧:精装附带乐谱范例集 --- 导言:听觉的建筑学 《管弦乐队配器指南》是一部深度探索管弦乐队这一复杂而迷人音响实体的权威性著作。它不仅仅是简单的乐器音域和性能手册的集合,更是一部关于“声音的建筑学”的理论与实践的综合指南。本书旨在为音乐专业的学生、作曲家、指挥家以及所有对管弦乐织体抱有深厚兴趣的音乐爱好者,提供一套系统、严谨且富有洞察力的配器方法论。 管弦乐队,作为西方音乐传统中最具表现力的乐器组合,其魅力不仅在于各声部独立音色的光辉,更在于作曲家如何巧妙地编织、融合、对比这些音色,从而构建出宏大而细腻的听觉景观。本书将从历史演进的脉络出发,剖析不同时代对乐队编制与配器手法的需求变化,最终落脚于当代作曲家在面对电子技术与传统乐器兼容性时的实践策略。 第一部分:乐器的解剖学与声学基础 本部分是理解配器的基石,对乐队中的每一个关键乐器进行了细致的、面向实践的分析。 第一章:弓弦乐组——乐队的灵魂与骨架 弦乐组(小提琴I、小提琴II、中提琴、大提琴、低音提琴)是管弦乐队的心脏,其配器策略的微妙性决定了整体音响的质感与流动性。 音色与演奏技巧的深度解析: 详细探讨了换弓法(如:détaché, spiccato, sautillé)对音色密度和清晰度的影响。对揉弦(Vibrato)的力度和速度如何服务于情感表达进行了声学层面的论述。 复调与织体布局: 分析了如何在五个弦乐声部中实现复调的清晰度。例如,如何通过声部交错(Interlocking)来增强低音的连续性,以及如何利用高音区的小提琴来绘制纤细的轮廓。 特殊技法与现代用法: 涵盖了无指奏法(sul tasto, sul ponticello)带来的音色极端变化,以及对弱奏(pppp)与强奏(ffff)时,不同乐器在物理限制下的表现差异。 第二章:木管乐组——色彩的调色板 木管乐组以其高度的灵活性和鲜明的个体重建了色彩的层次。 单簧管家族的中心地位: 深入研究了降B调、降E调单簧管以及低音单簧管的音区衔接问题,强调了木管组中“簧片共鸣”的特性。 长笛与短笛的穿透力: 探讨了长笛高音区(Piccolo Register)的爆发力,以及在弱奏时如何通过气流控制来保持音色的“光泽”而非“嘶哑”。 双簧管与英国管的特性: 重点分析了双簧管尖锐、略带鼻音的音色如何在厚重的弦乐背景中保持清晰,以及英国管那内省、略带忧郁的“中音之歌”的配器语境。 木管的组合与融合: 提供了关于如何使用长笛、双簧管、单簧管的“三件套”来模拟人声合唱效果的实用案例。 第三章:铜管乐组——力量与庄严的象征 铜管乐组提供了管弦乐队中最强大的动态范围和最厚重的和声支撑。 圆号的整合艺术: 深入分析了圆号在配器中的双重角色:既能无缝融入木管,又能以其圆润的音色支撑起小号和长号的尖锐。重点剖析了圆号的弱奏技术(stopped horn)在现代音乐中的运用。 小号的清晰度与冲击力: 区分了不同调性小号(C调、降B调、F调)在特定和声中的音色差异,以及如何通过排列(排练)来控制其高音区的压力。 长号与大号的低音区构建: 探讨了长号如何通过滑管的特性来连接不谐和音程,以及大号在提供基础支撑与偶尔作为独奏声部时的配器策略。 第四章:打击乐组——节奏、质感与不可预测性 打击乐不再是简单的节奏点缀,而是构建声音质感的关键元素。 有固定音高的乐器: 详细分析了定音鼓的音高切换速度与音准控制,马林巴、颤音琴的音色叠加与衰减特性。 无固定音高的乐器: 强调了对音色纹理的把握,如军鼓的“嘶哑”、钹的“爆发”与“余音”。 第二部分:历史语境中的配器演变 本书追溯了管弦乐队配器法从功能性到艺术表现力的发展历程。 第五章:前古典主义时期的功能性配器 探究巴洛克时期(如巴赫、亨德尔)的乐队编制,重点分析了通奏低音(Basso Continuo)在确定和声框架中的核心地位,以及管弦乐团作为歌剧伴奏和协奏曲载体的原始形态。 第六章:古典主义的清晰与平衡 分析海顿和莫扎特时期,乐队成员数量的稳定化,以及配器法如何服务于“清晰的线条”和“对称的结构”。此时,木管乐器开始从纯粹的“替代”角色转变为独立的色彩贡献者。 第七章:浪漫主义的扩张与声部饱和 贝多芬、柏辽兹直至瓦格纳的时代,是乐队规模和配器复杂性爆炸性增长的时期。本章深入研究了如何利用更大的和声张力、更多的乐器声部来表达宏大的叙事和个体情感的极端状态。重点分析了柏辽兹在《幻想交响曲》中对乐器音色功能的革命性定义。 第八章:印象主义与二十世纪的音色探索 德彪西和拉威尔如何将配器提升至纯粹的色彩层面,不再依赖旋律驱动。探讨了如何利用弦乐的泛音和木管的特定注册区来描绘光影和氛围。 第三部分:配器的核心原则与实践技巧 本部分是面向作曲家读者的实用指南,侧重于如何解决实际的配器难题。 第九章:平衡与穿透力的几何学 动态平衡的科学: 讨论了不同声部在特定动态等级下的听觉强度曲线。例如,一个中音区的单簧管在 mf 时,可能被一个高音区的小提琴 p 所压制。提供了一套实用的“强度系数”参考表。 声部交织与清晰度: 如何确保即使在复杂的复调织体中,听众也能清晰辨识主要声部。这包括声部间距(Register Spacing)、对位法的应用以及弱化不必要的背景噪音。 第十章:和声的承载与色彩的渗透 厚度与透明度控制: 阐述了如何通过使用和弦的八度配置(Voicing)来控制声音的“密度”。是使用密集的三度堆叠,还是稀疏的跨度配置,直接决定了和声听起来是“沉重”还是“飘逸”。 色彩的混合模式: 提出了“声部融合”(Blending)与“声部对比”(Contrasting)两大策略。融合案例:长笛与小提琴高音区的微妙结合;对比案例:铜管齐奏与拨弦弦乐的突然对置。 第十一章:织体的布局与动态的流动 动机的传递: 如何在不同声部间流畅地传递音乐动机,以保持音乐的连贯性。这涉及到对呼吸(木管)和换弓(弦乐)的精确标记与预判。 动态的梯度设计: 详细解释了“梯度变化”(Gradient Shifts)的重要性,即从 p 到 f 的过程中,应由哪个声部率先启动,哪个声部最后加入,以实现平滑或尖锐的动态过渡。 结语:面向未来的配器视野 本书最后展望了现代配器所面临的新挑战,包括如何将电子音效、采样技术与传统管弦乐团进行逻辑统一,以及当代作曲家如何处理越来越大的乐队编制带来的排练和演出的实际难题。 --- 附录 A:常用术语与缩写对照表 附录 B:特殊演奏技法(Extended Techniques)的符号标准 附录 C:管弦乐队编制的历史里程碑列表(1600-2000年)

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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从技术的角度剖析,这本书在不同声部处理上的平衡性做得非常差劲。高音区的处理明显比中低音区要草率得多,很多需要精细揉弦和换把的段落,谱面上的标记非常敷衍,让人感觉编者似乎更侧重于把旋律“写下来”,而非“演奏出来”。特别是需要深度音乐表达的乐句,连基本的力度记号都显得敷衍了事,使得演奏者必须完全依赖自身的经验去“脑补”出作曲家想要的情感色彩,这对于仍在摸索阶段的学生来说,无疑增加了巨大的理解门槛。我尝试着用它来准备一场小型室内乐合奏,结果发现,由于缺乏清晰的层次感指导,我们花了很长时间才统一了对乐曲情感起伏的理解,这本乐谱在引导合作方面完全失职,它更像是一份给独奏者的草稿,而不是一本成熟的演奏指南。

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我怀着极大的期待打开了这本所谓的“精选集”,结果发现曲目的选择品味实在称不上“精良”。里面充斥着一些在我看来非常平庸、甚至有些过时的曲目,而那些真正能够展现中提琴音色魅力、技术含量又适中的经典作品,却被寥寥无几地收录了。挑选练习曲目就像在沙砾中淘金,耗费了我大量精力去筛选出几首值得一试的,剩下的很多我可能永远也不会碰触。这让我严重怀疑编者对于中提琴曲目库的理解深度和广度,一个好的选集应当是兼顾了技术发展和音乐审美的平衡点,而不是简单地堆砌数量。我更希望看到一些近现代作曲家为中提琴创作的、更具时代感的作品,而不是这些老掉牙的、在其他任何教材里都能轻易找到的曲目组合。这次购买的体验,让我对未来的选择更加谨慎,毕竟时间成本也是一种投资。

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这张乐谱的排版简直是灾难,完全不考虑演奏者的实际需求。音符之间的间距混乱不堪,有时挤在一起,有时又空旷得让人摸不着头脑,这在高难度的乐段尤其明显,我需要花费大量时间去重新整理和标注,才能勉强进行练习。更要命的是,有些指法提示含糊不清,对于初学者来说,这简直就是误导,我不得不反复和我的老师确认,才能避免养成坏习惯。装订质量也极其粗糙,翻页的时候总感觉下一秒就要散架,这对于一本需要频繁使用的学习资料来说,是不可接受的缺陷。我本以为这会是一次高效的学习体验,结果却陷入了无休止的“排版阅读”中,极大地影响了我的学习效率和心情,说实话,我对这个版本的印刷质量感到非常失望,如果能提供一个更清晰、更专业的版本,我会毫不犹豫地更换。

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这份曲集给我的感觉更像是一个未经打磨的“素材库”,而非一本经过精心编辑和鉴定的“精选集”。它的难度跨度大得有些离谱,有的段落简单到我三分钟就能完整演奏,而紧随其后的部分却突然跳跃到需要多年训练才能驾驭的复杂技巧,这种突兀的难度变化,使得连续练习的流畅性被完全打断。我无法将它系统地纳入我的日常练习计划中,因为我必须为每一个段落重新设定学习目标和时间预期。一个好的教材系列应该提供平滑的学习路径,引导学生稳步前进,而不是像这样,把一些零散的、不成体系的曲子随意拼凑在一起。如果它只是作为一些零散片段的收藏集或许尚可,但以“Essential Songs”的名义出版,我期待的是一种经过时间检验、结构合理的音乐学习阶梯,显然,这份出版物未能达到这个基本要求。

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这本书的装帧设计完全脱离了实用性考量,简直像是给博物馆陈列准备的。厚重的纸张虽然手感不错,但放在谱架上时,它会非常不服帖地往中间卷曲,尤其是在演奏需要大幅度翻页的慢速乐章时,我甚至需要用夹子来固定它,以免它遮挡住视线。更别提封面上的那层反光材质,在舞台灯光下简直就是灾难,直接造成了视觉干扰。我需要的不是一本可以炫耀的艺术品,而是一本可以经受住汗水、快速翻页和频繁携带而不变形的工具书。这种对实用美学的漠视,体现出出版方可能根本没有深入了解专业演奏者对乐谱的基本使用习惯和环境要求,这是一次对便利性的彻底妥协,让人每次拿起它都感到一丝不便。

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