Schenker's Argument and the Claims of Music Theory

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出版者:
作者:Blasius, Leslie David
出品人:
页数:176
译者:
出版时间:2006-11
价格:$ 48.59
装帧:
isbn号码:9780521030090
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐理论
  • Schenker
  • 分析
  • 音乐分析
  • 和声学
  • 音乐哲学
  • 结构分析
  • 音乐认知
  • 20世纪音乐
  • 理论音乐学
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具体描述

Heinrich Schenker's theoretical and analytical works claim to resubstantiate the unique artistic presence of the canonic work, and thus reject those musical disciplines such as psychoacoustics and systematic musicology which derive from the natural sciences. In this respect his writing reflects the counter-positivism endemic to the German academic discourse of the first decades of the twentieth century. The rhetoric of this stance, however, conceals a sophisticated programme wherein Schenker situates his project in relation to these sciences, arguing his reading of the musical text as a synthesis of a descriptive psychology and an explanatory historiography (which itself embeds both paleographic and philological assumptions). This book rereads Schenker's project as an attempt to reconstruct music theory as a discipline against the background of the empirical musical sciences of the later nineteenth century.

乐理的疆域:结构、语境与新视域 本书旨在对音乐理论的基石进行一次深入而批判性的审视,关注其在面对不断演变的音乐实践和日益多元化的理论范式时所展现出的适应性与局限性。我们不再固守单一的分析框架,而是将目光投向那些经常被主流理论话语所忽略或边缘化的领域,探讨结构主义分析方法在处理复杂音乐现象时的内在张力,以及如何将历史语境、社会文化因素和听觉感知经验重新整合回对音乐文本的理解之中。 全书的叙事主线围绕着“结构与意义”这一核心命题展开,但其切入点是反思性而非教条式的。我们首先从对传统和声分析的局限性入手。面对20世纪以来调性复杂性和非功能性和声的广泛出现,仅仅依靠基于功能和声的功能性标签(如T-S-D)已显得捉襟见肘。本书提出了一种“广义张力场理论”,它超越了传统的调性中心概念,而是将和声视为一种动态的、在听觉中不断被建构和解构的能量场。我们通过分析德彪西、巴托克以及后来的极简主义音乐中的和声色彩,展示了“功能”如何退居二线,而“关系性密度”和“音响颗粒度”如何成为更具解释力的工具。 接下来的部分聚焦于节奏与时间组织的理论探讨。传统的节拍理论(meter theory)往往依赖于一种线性的、可被量化的度量单位。然而,面对如斯特拉文斯基的复节奏、科莱吉特拉的非对称韵律,以及当代电子音乐中基于循环和算法的时间结构,这种线性模型暴露出其不足。本书引入了“多层级时间耦合模型”,借鉴了非线性动力学和相变理论的概念,用以描述不同节奏层级之间如何相互渗透、同步或脱钩。我们深入分析了非对称节拍结构如何产生一种“预期-落空”的听觉张力,并探讨了这种张力在不同文化背景下的心理学意义。 本书对动机分析(Motivic Analysis)的传统方法提出了挑战。长期以来,动机分析倾向于将音乐材料还原为可识别、可追踪的最小单位,并基于这些单位的重复、变异和组合来构建宏大结构。这种方法在处理高度聚合的、碎片化的或高度重复的音乐材料时,往往会陷入循环论证或过度解读的风险。我们主张采用“语境化生成”的视角,认为动机的意义并非内在于其音高和节奏轮廓本身,而是由其在特定乐段的出现位置、音域的分布、以及它与周围和声背景的对比关系所共同“生成”的。这要求我们将动机分析与特定的演奏实践和声学环境联系起来考量。 在对形式分析的讨论中,我们转向了对“过程”而非“静态结构”的关注。传统的奏鸣曲式、回旋曲式等描述性标签,虽然在特定历史时期具有指导意义,但难以概括20世纪音乐在形式构建上的激进探索。本书着重探讨了“演化型形式”,即音乐的结构不是预先设定的蓝图,而是在演奏或聆听过程中不断自我生成和重组的动态过程。我们分析了如布列兹和凯奇作品中对随机性、非决定性和过程的依赖,并提出了如何用一套不依赖于传统主题-发展-再现模式的术语来描述这些“涌现结构”。 理论的反思自然导向方法论的拓宽。本书坚定地认为,音乐理论不能脱离美学和本体论的探讨。因此,我们花了大量篇幅讨论如何将现象学方法引入音乐分析。这不仅仅是记录“我听到了什么”,而是要严谨地描绘“我如何体验到这个结构在时间中展开”,关注听者在构建音乐意义时的能动作用。通过分析拉威尔和斯特拉文斯基作品中的听觉错觉和空间感,我们试图建立一种更具身体性和在场感的分析路径,挑战仅依赖于符号学或数学抽象的理论倾向。 此外,本书也关注非西方音乐理论与西方理论的对话。我们审视了印度古典音乐中的拉格理论、非洲复节奏中的本体论假设,以及对这些体系的简单“映射”或“归类”的危险性。重点不在于“如何用西方理论解释非西方音乐”,而在于探索这些不同的理论框架如何对音乐的本质(如音高、时间、装饰)持有根本不同的本体论立场,以及西方理论如何能从这些差异中汲取养分,超越其自身的历史局限性。 总而言之,本书是一次对音乐理论学科边界的探险。它不提供一套新的、放之四海皆准的分析工具,而是致力于揭示现有工具的“使用说明书”背后隐藏的哲学预设和历史偶然性。它鼓励研究者以更加审慎、开放和跨学科的态度,去面对音乐无限的复杂性和阐释的持续可能性。通过这种批判性的重估,我们得以更清晰地洞察理论分析如何在不扼杀音乐生命力的前提下,继续为我们理解声音的组织提供必要的认知框架。

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