Orchestra Expressions, Book Two Student Edition

作者:Brungard, Kathleen DeBerry/ Alexander, Michael L./ Anderson, Gerald E./ Dackow, Sandra/ Witt, Anne C

页数:56

出版时间:2006-8

价格:$ 12.42

isbn号码:9780757920684

具体描述

Orchestra Expressionsa provides music educators at all levels with easy-to-use, exciting tools to meet daily classroom challenges and bring new vibrancy and depth to teaching music. The lessons were written based on the National Standards for the Arts in Music -- not retro-fitted to the Standards. The program is music literacy-based and satisfies reading and writing mandates in orchestra class. Unique Features of Orchestra Expressionsa : * "Four-fingers-down" start for every instrument * Separate but simultaneous development of both hands * Bass begins in III position developing early shifting * Orchestra arrangements by Sandra Dackow * Final full orchestra concert piece

用户评价

我对这本书的实用性感到非常满意，它完美地平衡了技术挑战与音乐性培养。我的乐团老师通常对教材的选择非常挑剔，但自从我们开始使用这套材料以来，他几乎没有提出过异议，反而经常在课上引用其中的范例来讲解乐团的整体音色控制。我们之前在处理一些快速的十六分音符段落时，常常出现节奏不齐、声音发“散”的问题，但这本书里对这些段落的处理方式非常巧妙，它通过将节奏型在不同声部间进行交错呼应，迫使演奏者必须高度集中于整体的脉动，而不是仅仅关注自己的部分。这种互动性在学习中是极其宝贵的。而且，从排版上看，这本书的清晰度也值得称赞，即便是大开本，乐谱上的标记也干净利落，不会让人在快速翻页时产生视觉疲劳。我注意到，一些难度较高的乐段后面，通常会紧跟着一段相对舒缓、注重长音保持和声部平衡的练习，这种张弛有度的编排，极大地保护了我们作为学生乐团的听力和专注力，避免了过度训练带来的疲劳感和抵触情绪。它真正做到了循序渐进，每一步的跨越都是有准备的、有逻辑支撑的。

作为一名对管弦乐历史发展略有涉猎的乐迷，我必须说，这本书在选材的广度和深度上都做得非常出色，它没有局限于某一个特定时期或风格的窠臼。我惊喜地发现，其中融合了从古典主义的清晰结构到浪漫主义的丰富和声，甚至还隐约可见一些现代复调织体的影子。这种跨越时代的音乐体验，极大地拓宽了我们的音乐视野。特别是其中几首带有明确戏剧色彩的片段，其配器色彩的切换极其大胆和富有想象力，让人仿佛能看到不同的乐器组在舞台上进行一场精彩的对话。我曾拿着其中的一个片段去和我的长笛老师讨论，她也对其中对木管声部的处理方式表达了赞赏，认为它既保留了木管本身的灵动，又巧妙地增强了其在整体织体中的支撑作用。这本书不是那种一成不变的练习册，它更像是一个微缩的管弦乐团曲目集，让你在有限的练习时间内，体验到无限的音乐可能性和色彩变化。它的价值远超出了单纯的技术训练范畴，它是在进行一次全面的音乐审美教育。

我必须强调这本书在教学应用上的灵活性。我们学校的管弦乐队规模时大时小，乐器配置也经常出现变动，但这本书的编排似乎预见到了这种不确定性。很多段落的设计，即便缺少了一两个声部，整体的音乐骨架依然稳固，不至于让整首曲子听起来像“瘸腿”。这对于我们这种资源有限的学校社团来说，简直是救星。老师可以根据现有人员情况，灵活地调整侧重点，比如，如果圆号组缺席，老师可以要求小提琴高声部承担起旋律的延伸，或者让低音提琴在特定的和声段落加强和弦的支撑力度，而不会破坏原有的音乐意图。这种“可塑性”是很多固定配器的教材所不具备的。此外，书中对“清晰度”的强调贯穿始终，无论是复杂的赋格段落还是简单的齐奏，它都在要求我们：每一个音符都必须有目的性地发出，每一个乐句都必须有呼吸和方向。这使得我们的练习效率大大提高，因为我们不再浪费时间在那些模糊不清、音响效果不佳的段落上反复打转，而是能更快地达到令人满意的音乐效果。

这本书给我的最大感受是它对“管弦乐思维”的培养非常到位。我们很多时候在练习时，习惯于把乐器组独立看待，小提琴就是小提琴，大提琴就是大提琴。但这本书中的作品，明显鼓励演奏者去想象整个交响乐团的声音图景。举例来说，书中有一段模仿巴洛克时期室内乐的段落，要求木管乐器在保持音色的穿透力的同时，必须融入弦乐的连绵感，这对我来说是一个全新的挑战，它迫使我不再局限于自己乐器的传统音色边界去思考演奏。更重要的是，它似乎在潜移默化中教会我们如何倾听“空间”。在处理那些需要快速进入的强奏或弱奏时，乐谱上的休止符不仅仅是休息，而是为下一个声音的出现做声学准备。我开始尝试在演奏前几秒钟就“听见”接下来的声音，这让我们的合奏效果变得更加精准和富有戏剧性。这本书无疑是为那些渴望超越“演奏乐器”层面，真正理解和驾驭管弦乐合奏艺术的音乐学生量身打造的，它需要投入时间去消化，但回报是巨大的。

这部乐谱集真是太棒了，尤其是对于我们这种正在努力提升管弦乐队合奏技巧的学习者来说，简直是雪中送炭。我记得我第一次翻开它的时候，就被那些精心编排的乐段深深吸引住了。编者显然对管弦乐的配器和声响有着深刻的理解，每首曲子都不是那种为了凑数而堆砌音符的简单练习，而是真正能让人感受到“交响乐”的魅力。比如，在处理弦乐组的连奏时，那些细微的力度变化和弓法的指示简直是教科书级别的示范，让我一下子明白了以往演奏中缺失的那种“流动感”。当然，对于初学者来说，某些复杂对位可能会显得有些吃力，但我发现，即便如此，作者也巧妙地设计了清晰的声部线条，使得即便是较弱的声部也能找到自己的发力点，不至于完全被其他声部淹没。我特别喜欢其中几段低音部分的写作，它们不再是简单的和声支撑，而是有了自己独立且富有表情的旋律线，这极大地激发了低音组成员的演奏热情。总的来说，这本书不仅是一本教材，更像是一位经验丰富的指挥家在你身边耳提面命，引导你走向更成熟、更具表现力的演奏境界。它要求我们不仅仅是“奏响”音符，而是要真正去“表达”音乐，去体会作曲家想要传达的情感和色彩。每一次合奏练习，都像是一次小型的音乐会彩排，充满了发现和进步的喜悦。