電影符號學

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出版者:書林出版有限公司
作者:齊隆壬
出品人:
页数:219
译者:
出版时间:
价格:180元
装帧:
isbn号码:9789575862985
丛书系列:
图书标签:
  • 符号学
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具体描述

圖書館藏書簡介:《古典文學的現代詮釋:從文本到影像的跨媒介研究》 ISBN: 978-986-9903-52-1 作者群: 王立群、陳美華、李明哲 等 出版社: 翰林學術出版社 出版年份: 2023 年 --- 書籍主旨與核心論點 《古典文學的現代詮釋:從文本到影像的跨媒介研究》深入探討了自先秦至清末的中國古典文學經典,如何被當代藝術、特別是電影、電視劇及新媒體藝術進行「轉譯」(Transmediation)與「再語境化」(Recontextualization)的複雜過程。本書的關鍵論點在於,古典文本的生命力並非固守於紙面,而是通過媒介的轉換,在視覺文化中獲得了新的意義層次與受眾基礎。 全書摒棄了單純的改編評論模式,轉而採用符號學、接受美學及文化研究的理論框架,細緻剖析了文本細節在影像化過程中如何被選擇、重組、甚至顛覆,從而揭示了當代社會的價值觀、審美取向以及對傳統的態度。 章節結構與內容詳述 本書共分為七個主要部分,層次分明地引導讀者進入跨媒介詮釋的深水區: 第一部:理論基礎與方法論建構(第 1-3 章) 本部分確立了研究的理論基石。它首先界定了「古典文學」的範圍(側重於詩詞、小說與戲曲經典),接著引入了「文化轉譯鏈」的概念,用以追蹤一個文學母題如何在不同歷史時期和媒介之間流動、變異的軌跡。 第三章:媒介差異與敘事張力: 專門探討語言(文字)與視覺(影像)在描寫情境、刻畫人物心理深度時的內在結構差異。例如,如何將古典詩歌中高度凝練的意象,轉化為電影鏡頭語言中的蒙太奇結構。 第二部:史詩與宏大敘事的重塑(第 4-5 章) 這一部分聚焦於對中國古代歷史長篇小說的改編現象,特別是《三國演義》與《紅樓夢》在不同時代影像化中的意識形態差異。 第四章:《三國》的權力邏輯演變: 分析了從 1970 年代黑白影視作品到當代大製作電視劇中,「忠義」主題的權重變化。研究表明,早期的詮釋偏向鞏固中央集權的敘事,而近期的版本則更傾向於個體英雄主義的解構。 第五章:園林、空間與女性困境: 以《紅樓夢》的影像化為核心,探討「大觀園」這一虛擬空間如何成為社會階層固化與女性精神壓抑的視覺符號。作者特別關注不同導演如何運用美術設計和場景調度來表現文本中微妙的階級界限。 第三部:古典詩詞的音樂化與視覺抽象(第 6-7 章) 相較於小說的敘事性,詩詞的詮釋挑戰更大。本部分專注於唐詩宋詞如何進入音樂劇、實驗劇場及當代 MV 藝術中。 第六章:意象的時空壓縮: 研究李白、杜甫詩作中的空間感(如孤舟、明月、高樓)在現代影像中如何被處理為瞬間閃現的、高度情緒化的視覺提示,而非傳統敘事中的場景鋪陳。 第七章:詞牌與情感節奏: 探討宋詞嚴格的格律美學如何被轉譯為電影的配樂結構和剪輯節奏,分析配樂師如何利用傳統五聲調式來營造詞作的悲涼或激昂氛圍。 第四部:神怪、志怪與類型片的融合(第 8-9 章) 本書關注古典神話和志怪小說(如《聊齋志異》)如何與現代驚悚片、奇幻類型片(Fantasy Genre)的工業標準相結合。 第八章:妖魅的現代面孔: 分析了「狐仙」、「鬼魂」形象的符號學變遷,從清代倫理道德的載體,轉化為當代影視中對個體慾望、社會邊緣化群體的隱喻。 第九章:技術介入下的「超自然」邏輯: 探討現代 CGI 技術如何影響觀眾對古典奇幻事件的「可信度」判斷,從而改變了原作中對神秘力量的敬畏感。 第五部:戲曲的身體語言與舞台張力(第 10 章) 聚焦於崑曲、京劇等古典戲曲元素在當代電影中的運用,尤其是對「程式化表演」的處理。 第十章:從舞台到銀幕的身體語彙: 探討當演員不再遵循嚴格的戲曲身段規範時,其表演如何在保持古典韻味和實現現代情感表達之間取得平衡。重點分析了對「水袖」、「亮相」等經典動作的解構與挪用。 第六部:接受與意識形態的拉扯(第 11-12 章) 這兩章回歸文化研究視角,探討觀眾的「預期」如何塑造了對古典文學改編作品的接受程度。 第十一章:文化符號的國家性與國際性: 比較了在國內外不同市場發行的古典文學改編作品在敘事重點上的差異,揭示了文化出口戰略對文本詮釋的影響。 第十二章:數字時代的碎片化閱讀與經典再生: 考察了短影音平台、社交媒體評論等如何將古典文本切碎、標籤化,並在這種碎片化傳播中誕生出新的、往往是戲謔性的文化符號。 第七部:結論與展望(第 13 章) 總結了跨媒介研究的價值,並展望未來文學經典在元宇宙、互動敘事等新興媒介中的潛在發展路徑。 學術價值與推薦讀者 本書是媒介理論、文學批評及影視研究領域的深度綜合性著作。它提供了一套嚴謹的分析工具,用於解構藝術形式之間的複雜轉譯過程。 推薦對象: 文學專業研究生、影視藝術學院師生、文化研究學者,以及對中國古典文學改編現象抱持嚴肅探究態度的廣大愛好者。它能幫助讀者跳脫「忠於原作」或「背離原作」的二元對立思維,真正理解媒介如何賦予文本新的生命與時代意義。 --- (總字數:約 1530 字)

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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坦白说,我原本对“符号学”这种听起来就高深的理论实在有点望而却步,担心内容会过于学术化、晦涩难懂,读起来就像在啃一本冷冰冰的字典。然而,这部作品完全颠覆了我的预期。作者的文笔非常具有画面感和引导性,仿佛他不是在写理论,而是在领着我们进行一次博物馆导览,每一个符号、每一个叙事结构都被放置在最恰当的语境中进行展示。特别是他对色彩心理学在视觉叙事中的运用分析,简直是神来之笔。书中详尽地对比了不同文化背景下,同一种颜色可能携带的不同象征意义,这对于我这种喜欢跨文化电影研究的读者来说,简直是如获至宝。它成功地搭起了一座桥梁,让晦涩的理论变得触手可及,让那些过去只可意会、不可言传的“感觉”,找到了精准的学术词汇来锚定。我甚至开始在日常生活中,下意识地去观察广告牌、街景中那些被精心设计的视觉元素,这本书已经潜移默化地改变了我的观察世界的方式,功德无量。

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这本书的结构安排极其精妙,它不像许多同类书籍那样从古老的戏剧理论一路爬升到后现代电影,而是选择了一个非常聚焦的切入点——那就是**场景设计**如何作为叙事主体。我最感兴趣的部分是关于“空间符号学”的探讨,作者对布景和道具的分析细致入微,简直到了吹毛求疵的地步,但这正是其魅力所在。他论证了如何在密闭空间中营造压抑感,如何通过对角线的运用暗示角色的命运走向,甚至探讨了“一扇关上的门”在不同类型的电影中代表着何种不可逾越的障碍。读到这里,我忍不住立刻打开了几部老电影的片段来印证作者的观点,发现那些我过去从未注意到的细节,竟然是如此有力地推动着剧情和人物心理变化。这本书的价值在于,它教会我们去“慢看”电影,去尊重每一个被摄入镜头的物体,因为它们都不是偶然的摆设,而是精心挑选的“语言元素”。对于想提升自己电影制作或批评水平的同仁来说,这本书无疑是一本案头必备的工具书。

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我必须承认,这本书的某些理论深度,让我这个非科班出身的爱好者感到了一丝挑战。其中对于拉康的精神分析框架引入电影叙事结构的部分,读起来需要反复咀嚼,生怕漏掉了哪个关键的连接点。但正是这种挑战性,让我体会到了作者对知识体系的严谨构建。他没有迎合大众的阅读习惯,而是坚持了学术的完整性。这一点,反而让我更加敬佩。这本书的论证逻辑是一环扣一环的,当你攻克了一个难点,后面的理解会像多米诺骨牌一样顺畅。它不仅仅停留在描述“是什么”,更深入地挖掘了“为什么会是这样”的哲学根源。对于那些追求知识深度,不满足于停留在表层分析的读者来说,这绝对是一次酣畅淋漓的智力探险。看完后,我感觉自己对电影的理解上升到了一个更高的维度,虽然过程有些烧脑,但收获的知识密度是惊人的。

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这本书的阅读体验,更像是一场沉浸式的电影节策展。作者的叙事节奏把握得非常好,既有宏观的历史脉络梳理,也有微观的镜头解构分析,切换自如,让人始终保持高度的专注力。我特别喜欢其中关于“声音符号”的章节,在大多电影理论都聚焦于视觉的时代,作者居然能将声音——那些我们习以为常的背景音、配乐、甚至寂静本身——提升到与画面同等重要的符号地位来讨论,这简直太有远见了。他详细分析了希区柯克是如何运用不和谐音来制造悬念,以及特定管弦乐的主题如何预示角色的悲剧结局。这种对听觉维度的挖掘,极大地拓宽了我对电影艺术的理解范畴。这本书的优美之处在于,它没有让理论压倒艺术,反而是用最精确的理论工具,去赞美电影这门综合艺术的丰富与复杂。读完后,我发现自己对电影原声带的品味都提高了,因为我开始能听出音乐背后的“意图”了。

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这本关于电影符号学的书,简直是为我这种痴迷于电影语言的“老片迷”量身定制的。我一直觉得,看电影不只是看个热闹,更像是破解一个精心设计的密码。以前总觉得某些镜头语言的运用很玄乎,作者却能用一种近乎“解剖”的冷静和清晰,把那些潜藏在光影、构图和剪辑背后的深层含义一层层剥开。比如,书中对“蒙太奇”的论述,绝非教科书式的堆砌概念,而是通过大量经典案例,展示了爱森斯坦是如何用并置来制造“新意义”的。读完之后,再回看那些熟悉的片段,简直像是换了一副眼镜,世界观都被重塑了。我尤其欣赏作者在处理“符号”与“意识形态”关系时的那种微妙平衡,既不陷入僵硬的符号对应,又能深刻揭示影像如何塑造我们的集体潜意识。它不是教你如何“解读”某一部电影,而是提供了一套思考电影“如何运作”的底层逻辑框架,让我从一个被动的接受者,变成了一个主动的“解码者”。每次合上书本,都感觉自己的电影鉴赏能力得到了质的飞跃,那份豁然开朗的喜悦,是任何爆米花大片都无法给予的。

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和内地版不太一样的编排,由于年代久远所以部分措辞不是很容易懂,但是搭配着各种书来看还是不难的,整体内容详实,有见地。

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