Draw and Color

出版者:Walter Foster

作者:The Creative Team at Walter Foster Publishing

页数:40

出版时间:2004-1-1

价格:USD 4.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781560108191

具体描述

- Offers an exciting selection of drawing projects for kids- Shows kids how to draw step by step, starting with simple shapes and progressing to lifelike finished drawings- Is carefully designed to contain a variety of shapes, sizes, breeds, or species--all drawn with accurate proportions and realistic coloring- Features fascinating information about the subjects, from cat-breed history to vehicle trivia

用户评价

我买这本书的初衷其实是想找点睡前放松的东西，你知道，那种随便翻翻，看看漂亮的图画就能进入梦乡的那种。我希望它能提供一些简单、直接的着色练习，也许是可爱的动物或者漂亮的风景线稿。结果，这本书的内容简直是反其道而行之。它几乎没有提供任何可以直接描摹的“成品”图样，取而代之的是大量关于“意象”和“符号学”的探讨。有一章专门分析了中世纪插画中对色彩的宗教象征意义，什么蓝色代表神圣，红色代表殉道，那分析得深入到我需要查阅好几本词典才能勉强跟上作者的思路。我尝试按照书中的建议去“感受”一幅画的内在结构，而不是去看它的表面，这对我这个习惯了模仿和复制的业余爱好者来说，简直是一场灾难。我花了整整一个晚上试图理解作者关于“留白即是声音”的论点，感觉自己像是在啃一块非常坚硬的哲学石头。虽然过程中充满了挫败感，但不可否认的是，它让我对那些看似简单的艺术作品产生了敬畏之心。现在看任何一幅画，我都会不自觉地去探究作者隐藏在笔触之下的意图，而不是仅仅停留在表面的美观上。这本书完全颠覆了我对“放松阅读”的期望，它更像是一部需要带着笔记本和研究生思维去研读的学术专著。

说实话，这本书的作者似乎对“如何清晰地传达信息”这件事抱有一种近乎蔑视的态度。我购买这本书时，希望得到的是对某种艺术理念的深入阐释，但我得到的却是一场关于“什么是阐释”的循环论证。书中充满了大量的引用，但这些引用往往没有给出明确的出处或上下文，读者必须依靠自己已有的知识储备去构建这些碎片化的信息链。比如，作者在讨论某个特定时期的媒介影响时，会突然抛出一个晦涩的德语术语，然后用一整段话来“描述”这个术语的感觉，而不是直接给出定义。我经常需要停下来，去Google搜索那些不熟悉的艺术史家名字，或者去查阅那些被作者当作“常识”的理论基础。这使得我的阅读进度慢得令人发指，每读十页，可能需要花费一小时来做背景研究。它更像是一本给专业研究人员的“内部参考资料”，而不是面向普通爱好者的科普读物。如果你没有扎实的艺术理论基础，这本书的阅读门槛高到令人望而却步。它没有试图降低理解的难度，反而将所有的晦涩和复杂性原封不动地呈现在你面前，仿佛在说：“如果你能理解这一切，那你才配读下去。”这种“精英化”的写作风格，虽然保证了内容的深度，却极大地损害了其可及性。

这本厚厚的精装书拿在手里沉甸甸的，光是封面那油墨的香气就让人心情舒畅。我原本是冲着一个非常具体的绘画技巧去的，想着能快速提升一下我的素描功底。然而，当我翻开第一页，才发现这根本不是一本那种手把手的教学手册。它更像是一本艺术史的漫游指南，带着你穿越不同的时代和流派。作者的叙事风格极其跳跃，前一页还在探讨文艺复兴时期光影的运用，下一页就直接跳到了印象派对于瞬间色彩的捕捉。我特别喜欢其中有一段关于立体主义如何解构了我们对三维空间的固有认知，作者用了一种近乎诗意的语言来描述毕加索和布拉克如何将时间维度强行塞进二维画布中。虽然我期待的那些关于“如何握笔”或者“透视线如何拉”的干货内容寥寥无几，但它极大地拓宽了我对“绘画”这个行为的理解边界。它让我意识到，艺术不仅仅是技巧的堆砌，更是一种哲学思考的物化。读完这部分，我反而停下了手中的铅笔，开始对着窗外发呆，思考着光线是如何被感知的，而不是急着去模仿它。这本书的价值在于，它为你提供了思考的原料，而不是直接喂给你的成品。对我来说，这算是一次意料之外的精神洗礼，虽然没有解决我具体的绘画难题，却让我对未来的学习方向有了更宏大和深刻的认识。

从工具书的角度来看，这本书的实用性几乎为零，但从某种形而上的角度来看，它却提供了一种极为独特的视角。我原本期待的是一本能指导我如何通过线条来描绘出更强烈的动态感的书，比如关于如何运用粗细变化、节奏感等技巧的细致讲解。然而，这本书里完全没有这类“干货”。它讨论的更多是“运动”本身的概念，例如“时间在画布上的凝固点”、“视觉的惯性”等。作者用了一种近乎哲学家的口吻，来探讨艺术家如何通过静止的图像来暗示或捕捉时间流逝的主题。我记得有一章专门分析了某些古代雕塑的姿态，作者认为那不是单纯的摆拍，而是一种对未来动作的预设，充满了张力。我花了很久才消化掉这种“预设”的概念。这本书没有教我如何画得更好看，它教我如何“看待”绘画中的运动。它迫使我去质疑自己对“完成度”的标准，让我意识到很多时候，未完成的草图可能比精心打磨的作品更能体现艺术家的原始冲动和内在力量。它不是一本教你技巧的书，它是一本让你重新审视创作本质的书，尽管这种审视过程异常艰难和反直觉。

这本书的排版设计简直是挑战读者的极限。我是一个视觉驱动型的人，我买书，尤其这种类型的书，很大程度上是看重视觉的愉悦性。然而，这本书的内页设计采用了大量的留白，而且很多页面的图文比例极度不协调。有那么几页，只有中间一小块地方印着几行非常晦涩难懂的文字，周围是巨大的白色空间，让人感觉像是误入了某种极简主义艺术展览的说明牌。更让人抓狂的是，它对“插图”的定义非常宽泛。我以为会看到各种精美的素描或水彩范例，结果看到的更多是一些模糊的、高对比度的摄影作品，或者是一些结构极其抽象的几何图形，它们被用来佐证作者关于“形式语言的演变”的观点。我本来想找一些可以激发我创作热情的“灵感火花”，结果这本书给我的感觉像是被扔进了一个冷峻的、充满了哲学思辨的黑白世界。每一次翻页，我都需要重新调整我的阅读状态，从一种轻松欣赏的模式，瞬间切换到一种需要高度集中注意力去破译密码的状态。坦白说，如果不是我对作者的某些理论有强烈的求知欲，我可能早就因为视觉上的疲劳而放弃了。这本书的“阅读体验”无疑是反大众化的，它更偏向于对内容进行纯粹的、不加修饰的呈现，代价就是牺牲了阅读的流畅性和愉悦感。