和声学专题六讲 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:桑桐

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1980年

价格:2.15元

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丛书系列:

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和声学
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具体描述

《乐理新探：调性与和声的演进》内容简介：本书并非对某一既定课程或既有教材的重复阐述，而是以一种全新的视角，系统性地梳理和探讨了西方音乐调性与和声在漫长发展历程中所经历的演变脉络、内在逻辑及其艺术表现。我们旨在提供一个深入理解和声色彩、调性布局以及音乐结构生成机制的框架，鼓励读者超越单纯的理论规则记忆，触及和声语言背后更深层次的音乐思维。全书围绕“调性与和声的演进”这一主线，将复杂的音乐理论问题分解为若干逻辑清晰、相互关联的专题。本书的独特性在于，它避免了按年代顺序简单罗列史实，而是更侧重于揭示不同历史时期和声发展背后的驱动力，以及这些发展如何深刻影响了音乐的审美取向与创作手法。我们将审视那些在音乐史上具有里程碑意义的和声实践，分析它们是如何挑战并重塑了当时的音乐语汇，又如何为后世的和声创新奠定了基础。第一章：调性的根基——从模进到调性中心的形成本章我们将回溯至早期教会音乐的模进（Modal）体系。与其说模进是一种“调性”，不如说它是一种基于特定音阶模式的旋律组织方式。我们将探讨模进如何通过其独特的音高关系和旋律走向，孕育出初步的和声意识。随后，我们将深入分析多声部音乐早期发展中，和声如何从简单的平行进行，逐渐演化出对位与垂直音响的考量。一个关键的转变在于“功能和声”的萌芽——音与音之间、和弦与和弦之间开始产生相互指向、相互依赖的“功能”关系，而这种关系正是调性得以建立的基石。我们还会探讨，是什么样的音乐需求和审美变化，促使了二度、三度音程的合法化，以及它们在构建更丰富和声织体中的作用。本章的重点在于理解，调性并非凭空出现，而是音乐实践中一系列渐进性探索的产物，是解决多声部织体中音响统一性与逻辑性的重要手段。第二章：三和弦的统治与功能和声的成熟本章将聚焦于古典主义时期三和弦（Triad）作为最基本、最稳定的和声单位的地位确立。我们将详细解析大调与小调体系下，主、属、下属三和弦（Tonic, Dominant, Subdominant）及其转位在构建稳定调性框架中的核心作用。功能和声理论在这里得到充分阐释，我们将深入理解“稳定”与“不稳定”和弦之间的张力如何驱动音乐的进行，以及“解决”（Resolution）的概念在调性音乐中不可或缺的意义。本章还将探讨属七和弦（Dominant Seventh Chord）的出现及其在强化属功能、增加和声色彩方面的革命性意义。我们将分析它如何通过不协和音程（三度音程内的三全音）制造强烈的解决倾向，从而推动音乐的流动。此外，我们还会审视其他一些重要的功能性三和弦，如导（Leading-tone）和弦、中音（Mediant）和弦等，以及它们在丰富调性色彩和连接主要功能和弦方面的策略。本章旨在让读者透彻理解，在功能和声的体系下，和弦的意义不再仅仅是孤立的音响组合，而是承载着特定“功能”，共同服务于调性中心的“生命周期”。第三章：和声的色彩化与调性的扩展随着音乐实践的发展，单纯的三和弦体系逐渐显得不足以满足日益增长的创作需求。本章将探讨和声色彩的丰富化过程，尤其关注那些在三和弦基础上发展起来的、能够带来更丰富情感表达与空间感的和弦。我们将重点分析“挂留”（Suspension）等织体音型如何转化为和弦中的附加音，以及这些附加音（如挂四、挂二）如何丰富了和弦的色彩。同时，我们将深入研究九和弦（Ninth Chord）、十一和弦（Eleventh Chord）和十三和弦（Thirteenth Chord）的构成及其在爵士乐、印象派音乐等领域中的广泛应用。这些多音和弦不仅增加了音响的密度与厚度，更重要的是，它们带来了新的不协和音程组合，为音乐家提供了前所未有的调性色彩选择。本章还将探讨“离调”（Modulation）的策略，从古典时期相对“安全”的近关系调离调，到浪漫主义时期更加大胆、频繁的远关系调离调，分析这些离调如何拓展了音乐的表现空间，制造出更强烈的戏剧性效果。我们将审视那些“非和弦音”（Non-chord Tones）的运用，如经过音（Passing Tone）、辅助音（Neighbor Tone）、倚音（Appoggiatura）等，它们如何巧妙地在和弦进行中制造流动感与色彩变化，成为和声语言不可分割的一部分。第四章：不协和音的解放与现代和声的曙光本章将聚焦于20世纪初开始的和声革命，这是对传统调性与和声观念的一次颠覆性挑战。我们将探讨一些前奏曲、奏鸣曲以及印象派作品中，作曲家如何开始探索和利用不协和音程，它们不再仅仅被视为需要解决的“错误”，而是被赋予了独立的审美价值。本章将详细分析“印象主义和声”的特点，例如使用平行五度、平行四度，以及模糊调性中心的“色彩和弦”（Color Chords）等手法，分析它们如何营造出朦胧、飘渺的音乐意境。我们将审视“十二音技法”（Twelve-Tone Technique）的出现，探讨勋伯格（Schoenberg）如何通过“音列”（Tone Row）这一严谨的创作规则，试图构建一种“无调性”（Atonality）的音乐体系。我们将分析音列的排列、逆行、倒影、倒影逆行等基本操作，以及它们如何打破传统和声的功能性与调性中心。此外，本章还将触及一些早期“序列音乐”（Serial Music）的萌芽，以及作曲家们如何尝试将音高、时值、力度等音乐元素进行序列化处理，为后来的实验音乐奠定基础。本章的意义在于展现，当传统调性框架被打破后，音乐家们是如何积极探索新的音响可能性，并为现代音乐的多样化发展开辟了道路。第五章：爵士和声的活力与跨界影响爵士乐作为一种充满活力的音乐形式，在和声发展史上占据着举足轻重的地位。本章将深入剖析爵士和声的独特魅力，重点分析其在传统和声基础上的创新与发展。我们将详细讲解爵士乐中常见的“属功能延伸”（Extended Dominant Function）和“替代和弦”（Substitution Chord）等概念。例如，我们将会分析降九、降五属七和弦（Altered Dominant Seventh Chords）如何为爵士乐增添了丰富的色彩和张力。此外，本章还将探讨“蓝色音阶”（Blues Scale）在爵士和声中的重要作用，以及它如何与传统的调性框架融合，形成独特的“布鲁斯进行”（Blues Progression）。我们还将考察爵士乐中常见的“插入音”（Passing Tones）和“滑音”（Slides）等装饰性音符如何丰富了和声的口感。更重要的是，本章将探讨爵士和声如何反过来影响了古典音乐的创作，许多20世纪及之后的古典作曲家在他们的作品中融入了爵士和声的元素，从而丰富了古典音乐的表现力。我们将通过分析一些具体的乐曲片段，来展示爵士和声如何为音乐带来更强的节奏感、律动感和即兴色彩。第六章：和声的未来展望——探索与融合本章将站在前人的肩膀上，对和声的未来发展进行展望。我们将探讨新世纪以来，音乐家们在和声领域的进一步探索与实践。这包括但不限于：对“非线性”（Non-linear）和声结构的研究，例如那些不遵循传统进行逻辑的音响组合；对“微音程”（Microtonal）音乐的尝试，以及微音程如何为和声带来前所未有的细腻与丰富；对“电子音乐”与“计算机音乐”中和声生成机制的分析，探讨算法与人工智能在和声创作中的可能性。我们将考察不同文化背景下的音乐元素如何与西方和声体系发生碰撞与融合，形成具有全球化视野的音乐语言。本章还将反思，在后现代主义语境下，和声理论的意义与边界正在被重新定义。或许，未来的和声将不再局限于固定的音高与音程关系，而是更加关注音响的质感、空间感以及情感的瞬间触动。我们鼓励读者在掌握现有和声知识的基础上，保持开放的心态，积极参与到对音乐未来形态的探索之中。《乐理新探：调性与和声的演进》致力于为音乐爱好者、学习者和创作者提供一个全面、深入且富有启发性的理论框架。我们相信，通过对调性与和声的深刻理解，读者将能更自由地遨游于音乐的海洋，更准确地表达内心的情感，并最终创造出属于自己的独特音乐篇章。本书不提供具体的曲目分析，但其所涵盖的理论原理，将是理解任何音乐作品和进行音乐创作的坚实基础。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷，其实是希望找到一本能系统梳理西方和声发展脉络的参考书，毕竟市面上的很多教材都是碎片化的，要么只讲巴赫，要么只谈爵士。这套书的结构安排非常巧妙，它采用了“专题式”的讲解，每一讲都聚焦于一个核心问题，但这些专题之间又有着内在的逻辑联系，形成了一个完整的知识体系。我特别欣赏作者在处理一些有争议性的理论观点时所采取的审慎态度，他不会武断地下结论，而是会呈现不同学派的观点及其论据，让读者自己去思辨。这种开放式的探讨方式，极大地激发了我的批判性思维。比如，在谈到调性瓦解时，书中对“自由无调性”和“新调性”的区分，以及对它们各自内部逻辑的剖析，清晰明了，极具洞察力。这本书让我意识到，和声学并非一成不变的教条，而是一个充满活力、持续演变的艺术与科学的交汇点。

评分☆☆☆☆☆

这套书，说实话，拿到手的时候我还有点犹豫。封面设计得相当朴素，甚至有些过时，让人很难将其与现代的音乐理论研究联系起来。我原本以为这是一本枯燥的学术专著，可能充满了晦涩难懂的公式和生僻的术语，读起来会非常吃力。然而，一旦翻开，我立刻被那种娓娓道来的叙述方式所吸引。作者似乎非常擅长将复杂的概念拆解成一个个易于理解的小块，用非常生活化的语言进行阐述，就像一位经验丰富的老教授在跟学生进行一对一的辅导。他没有一上来就抛出那些令人望而生畏的理论框架，而是从听觉经验入手，引导我们去感受声音的微妙变化。特别是他对和声进行历史溯源的章节，引人入胜，让人仿佛穿越回了巴洛克时期，亲身见证了调性体系是如何一步步建立和成熟起来的。这本书的价值在于，它成功地架起了理论与实践之间的桥梁，读完后，我感觉自己对古典音乐的欣赏水平有了质的飞跃，不再是单纯地“觉得好听”，而是能清晰地分辨出作曲家在特定情境下所采用的和声手法及其带来的情感张力。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐理论的学习一直停留在比较基础的阶段，总觉得那些关于“功能和声”的探讨太过僵硬，无法解释现代音乐中那些令人惊艳的色彩变化。这本书的出现，彻底颠覆了我的认知。它的深度远超我的预期，尤其是在探讨“非功能性和声”以及“音高集合理论”的部分，展现出了一种极为开阔的视野。作者对二十世纪及以后作曲家的和声语言进行了细致入微的分析，比如德彪西的平行五度运用，或是勋伯格十二音体系背后的逻辑。最让我感到震撼的是，书中不仅罗列了这些“规则”，更深入探讨了这些规则是如何服务于作曲家内心世界的表达，探讨了声音的本体论意义。阅读过程虽然需要集中精力，甚至需要反复回味某些段落，但每攻克一个难点，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。这本书绝对不是给初学者准备的“入门读物”，它更像是一本为有志于深入研究声音结构的音乐人准备的“工具箱”和“思想指南”。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的排版和装帧实在是让人提不起精神，那种密密麻麻的文字，间或夹杂着手绘般的五线谱示例，初看之下确实有点劝退。如果仅从视觉体验上评价，它绝对称不上“精美”。然而，一旦你专注于内容本身，就会发现文字的力量是多么强大。这本书的精髓在于它对“听觉感知”的深入挖掘。作者没有将和声仅仅视为音符的机械组合，而是深入到听者大脑如何处理这些声音信息层面进行探讨。特别是关于“和声张力与解决”的心理学基础分析，颠覆了我过去对“好听”的简单理解，让我明白了音乐之所以动人，是因为它精确地调动了我们潜意识中的期待与满足机制。这本书更像是一本深度访谈录，邀请你进入声音的深层结构，去探究那些潜藏在音符背后的情感密码，读完之后，我感觉自己的耳朵被“重新校准”了，对任何音乐作品的聆听都多了一层可以穿透表象的深度滤镜。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，我必须说，非常具有“学术的幽默感”。它在保持严谨性的同时，时不时会冒出一些让人会心一笑的评论，仿佛作者在用一种非常轻松的状态与你交流，这极大地缓解了阅读厚重理论时产生的疲惫感。作者似乎深谙读者在面对抽象概念时的困惑，总能找到最恰当的比喻来阐释那些抽象的关系。比如，他用建筑学的概念来解释声部进行中的“结构支撑”，生动形象，让人过目不忘。另外，书中引用的例证极其丰富，不仅限于大家耳熟能详的德奥古典作品，还穿插了大量的二十世纪乃至当代音乐片段进行分析，这对于拓宽我的音乐视野非常有帮助。每次读完一个专题，我都会立刻去寻找相应的乐谱进行印证，这种“读—听—想”的循环学习模式，使得书中的知识真正内化成了我自己的理解力。

评分☆☆☆☆☆

好书！

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