音楽業界ウラわざ

出版者:青弓社

作者:落合真司

页数:209

出版时间:2003/05/21

价格:1,680

装帧:B6判

isbn号码:9784787271693

具体描述

第１章　業界マップ―音楽は本当に売れないのか（音楽市場二兆円の内訳；まるわかり音楽業界マップＣＤ篇；まるわかり音楽業界マップ：コンサート篇　ほか）

第２章　音楽シーンの経済学（流通価格のしくみ；マネージメント・オフィスが原盤権をもつ理由；アーティストのギャラ構造はこうなっている　ほか）

第３章　音楽シーンの処方箋（音楽雑誌が売れなくなった理由；カバー＆トリビュート・ブームを考察する；加速するライヴ熱　ほか）

第４章　音楽用語辞典＆音楽業界記録データ集

音楽業界が地殻変動を起こしている！　ＣＤや音楽雑誌の売り上げが減少している一方、インディーズが健闘しライブも盛んだ。──生活に溶け込んだ音楽シーンのからくりとウラ事情、その経済学と再生するための処方箋を、データを駆使して解説する業界ガイド。

最高の音楽だけに囲まれて生きていたい

豊かな人生には良質の音楽が必要

第１章　業界マップ――音楽は本当に売れないのか

音楽市場二兆円の内訳／まるわかり音楽業界マップ：ＣＤ篇／まるわかり音楽業界マップ：コンサート篇／ＣＤ全売り上げに占める各レコード会社のシェア・ランキング／エイベックス赤字転落が物語るもの／なぜＣＤが売れなくなったのか／ＣＣＣＤが登場した背景：海賊版ＣＤの実態／私的録音補償制度とは

第２章　音楽シーンの経済学

流通価格のしくみ／マネージメント・オフィスが原盤権をもつ理由／アーティストのギャラ構造はこうなっている／コンサートは本当に赤字なのか／大型ライヴハウスがはやる理由／アーティストは本当に使い捨てなのか／詰め替え商法とは／ヒットの法則／レコード会社制作部Ａ＆Ｒという職業とは／インディーズが音楽シーンを変える／レーベルが増える理由／バブル崩壊後の９０年代の音楽シーンを検証する／レコーディングのウラ事情／

第３章　音楽シーンの処方箋

音楽雑誌が売れなくなった理由／カバー＆トリビュート・ブームを考察する／加速するライヴ熱／野外イベントが盛況な理由／マネージ

用户评价

这是一本非常具有个人化色彩的回忆录性质的著作，讲述者似乎是一位曾长期在国际大型音乐节担任行政高层的女性。她的视角非常独特，充满了对体制的讽刺和对艺术纯粹性的怀念。她对音乐节的运营模式进行了颠覆性的批判，特别是关于赞助商的“绑架”行为，以及如何为了迎合旅游经济而牺牲了艺术节的学术水准。她的语言风格犀利、刻薄，充满了英式的冷幽默，读起来像是在听一个经验丰富、看透世事的长辈在吐槽。她提到了一次在北欧某音乐节上，因为一个赞助商坚持要求将一个严肃的当代音乐首演挪到下午三点，以便腾出黄金时段播放企业宣传片的故事，这个细节被她描述得栩栩如生，充满了荒谬感。这本书的价值在于，它展示了宏大艺术活动背后，那些琐碎的、与金钱和政治紧密相关的博弈，让人深思：我们所热爱的“艺术盛会”，究竟有多少比例是纯粹的艺术？

翻开这本书的时候，我本以为会看到一些关于现代电子音乐制作的“内幕揭秘”，毕竟书名听起来颇具现代感和神秘色彩。结果，它却是一部关于十九世纪末期巴黎咖啡馆沙龙文化的深度考察录。作者的笔触极其细腻，充满了印象派的色彩和碎片化的叙事风格。他没有聚焦于任何一个宏大的叙事线索，而是通过记录那些频频出入特定沙龙的诗人、画家、早期摄影师以及业余音乐家之间的对话和争论，勾勒出那个时代知识分子焦虑与创新的复杂图景。书中对“氛围”的捕捉令人惊叹，比如，描述一杯浓缩咖啡冒出的蒸汽如何反射出煤气灯的微光，以及那些即兴的钢琴演奏是如何在烟雾缭绕中消散的。这本书更像是一部文学作品，而非实用的行业指南。它探讨的更多是“感知”的革命，而不是“操作”的技巧。我尤其喜欢其中关于声音与空间几何学的一章，作者引用了大量的哲学论述来解释为什么当时的艺术家们突然对“非正式”的音乐体验产生了浓厚的兴趣，这完全出乎我的意料，也让我对那个时代有了全新的理解。

这本书的排版简直是一场灾难。我是在Kindle上阅读的，但即便是重印的纸质版，那些图表和注释的引用逻辑也混乱不堪。内容本身倒是挺有意思，它聚焦于上世纪七十年代美国乡村音乐（Country Music）从纳什维尔的传统桎梏中挣脱出来，向更具摇滚精神的“Outlaw Country”流派过渡的过程。作者似乎对田纳西州当地的唱片工业生态有着第一手的观察，他详细记录了几位关键制作人和歌手在面对主流电台审查和保守听众压力时的挣扎。然而，叙事总是被过多的技术细节打断——比如某台录音棚磁带机的技术参数，或者某个特定时期录音室混响室的声学特性。虽然这些细节对于硬核发烧友或许有吸引力，但对于想了解文化变革的普通读者来说，就显得冗长且晦涩了。整体感觉，这本书像是作者在不同时间点写下的研究笔记的简单汇编，缺乏一个强有力的编辑来梳理脉络，让故事的张力大打折扣。

读完这本书，我最大的感受是“学到了，但没完全学会”。这本书似乎是为那些已经拥有深厚音乐理论基础的从业者准备的“高级进阶读本”。它避开了所有关于版权、营销或艺人管理的常识性讨论，而是直接深入到“声音的哲学”和“听觉的美学”层面。作者用大量的篇幅去解析不同文化背景下对“和谐”和“不和谐”的定义是如何随着技术进步而演变的。比如，书中对比了日本雅乐的五音阶体系与西方十二平均律在心理声学上的差异，并试图建立一个跨文化的听觉感知模型。阅读过程中，我常常感到自己像是被拉着去攀登一座陡峭的山峰，虽然风景壮丽，但每一步都需要巨大的精神消耗。这本书的章节结构非常松散，更像是一系列相互关联的论文合集，结论往往需要读者自己去推导和整合。对于那些想寻找行业“秘籍”的人来说，这本书可能会让人失望，因为它提供的是“思考的工具”，而不是“现成的答案”。

这本厚重的精装书，光是掂在手里就有一种沉甸甸的历史感，封面设计朴实无华，仿佛是对内容本身最自信的宣告。我花了整整一个月的时间才读完它，它讲述的是二十世纪上半叶欧洲歌剧院体系的兴衰与转型，尤其是瓦格纳主义在柏林和维也纳的传播路径，简直是一部社会学和艺术史的交叉报告。作者对当时的剧院管理者、赞助人阶层以及作曲家之间的微妙权力游戏进行了细致入微的描绘，丝毫不避讳那些丑闻、财政黑幕以及政治干预。比如，书中详细分析了某一时期，某位公爵对歌剧选角的隐秘影响，以及这种影响如何波及到整个德语世界的音乐审美风向。阅读过程中，我不得不频繁查阅附录中的人物年表和剧目首演记录，因为信息密度实在太大了，每一个引用的信件和日记片段都仿佛带着那个时代的尘土味。它不是一本轻松的消遣读物，而是一次需要全神贯注、甚至需要做笔记的学术探险。对于研究欧洲近现代文化史的人来说，这本书无疑是极具价值的参考资料，它揭示了艺术机构在国家意识形态塑造中的核心作用，远超出了单纯的艺术鉴赏范畴。