The Nature of Photographs

出版者:Phaidon Press

作者:Stephen Shore

页数:136

出版时间:2010-9-22

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780714859040

具体描述

The Nature of Photographs is the essential primer of photography, not only for students but for anyone with an interest in the medium. This book grew out of a college course that Stephen Shore taught for many years. Its aim is not to explore photographic content - the subject of an image - but to describe the physical and formal attributes of a photographic print, the very elements that form the tools a photographer uses to define and interpret that content. By teaching us how to look at photographs and helping us to see the world the way the photographer may have seen it, Shore also teaches us a way of looking at the world around us. The Nature of Photographs is a primary tool for critical analysis and the understanding of photography in general. As one of the photographers who established colour photography as a legitimate medium of artistic expression in the early 1970s and an influential and important teacher of both the theory and practice of photography, Stephen Shore is the ideal guide to the subject of 'how' to look at photographs. By putting himself in the shoes of the photographers, he imagines the concerns or approach to the subject or concept they may have had when they were taking the picture. As well as a selection of Shore's own work, The Nature of Photographs contains images from all eras of photography, from classic images by Walker Evans, Brassai and Eugene Atget to more contemporary work by Bernd and Hilla Becher, Cindy Sherman, Joel Sternfeld, Thomas Struth, Richard Prince and Andreas Gursky. It includes all genres, such as street photography, fine art photography and documentary photography, as well as images by unknown photographers, be they in the form of a snapshot from the early days of photography or an aerial photograph taken as part of a geographical survey. Shore has selected images by, among others, Eugene Atget, Walker Evans, Diane Arbus, William Eggleston and Robert Adams, and offers an explanation as to how they 'work'. Together with his clear, intelligent and accessible text, Shore uses these works to demonstrate how the world in front of the camera is transformed into a photograph.

用户评价

这是一本能够激发你对周围世界产生全新好奇心的书。作者用一种非常个人化、甚至略带诗意的语言，描绘了摄影的魔力。他并没有直接讲解技术，而是通过描绘“看见”的过程，引导你去体会摄影的艺术性。我尤其喜欢他关于“感知”的章节。作者认为，摄影师不仅仅是记录者，更是“发现者”，他们能够从日常生活中捕捉到那些常人忽略的美。他用生动的比喻，将光线比作生命之源，将阴影描绘成神秘的面纱，让原本平凡的景物瞬间变得富有戏剧性和感染力。他鼓励读者去“倾听”光线的声音，去“感受”色彩的温度，去“触摸”纹理的质感。这一部分让我意识到，很多时候，我们之所以拍不出令人满意的照片，并非因为技术不足，而是因为我们还没有真正学会“看见”。此外，书中关于“意图”的论述，也给了我很大的启发。作者强调，好的摄影作品，总是带有摄影师明确的意图，无论是表达一种情感，传递一种信息，还是引发一种思考。这种意图，通过摄影师对画面元素的组织和选择，巧妙地传达给观众。读完这本书，我仿佛被点燃了创作的火花，开始更加留意生活中的细节，并尝试用相机去捕捉那些打动我的瞬间。

这本书的内容，让我对摄影的理解进入了一个全新的层面。作者以一种极其细腻和深刻的笔触，探讨了摄影的语言和构成要素。他没有停留在表面的技巧，而是深入到摄影作品之所以能够产生影响力的内在原因。我对书中关于“表达”的讨论印象尤为深刻。作者指出，摄影师在创作时，并非仅仅是为了记录，而是为了通过视觉语言来表达自己的观点、情感和思想。他通过分析不同摄影师的作品，阐释了他们如何利用构图、光线、色彩、景别等多种手段，来构建自己的视觉叙事，并与观众建立起深层次的沟通。让我特别受益的是，作者在讲解“时间”维度时，并没有局限于瞬间的捕捉，而是深入探讨了摄影作品如何能够暗示时间流逝、空间延展，甚至捕捉到人物的情感变化和心理状态。他举例说，一张照片中的人物眼神，可能蕴含着无数的故事和情感，摄影师通过精准的捕捉，将这些无声的语言传达给观众。这种对“表达”和“时间”的深刻洞察，让我不再将摄影视为简单的技术活动，而是将其看作一种与世界对话的深刻方式。这本书让我开始思考，如何让我的摄影作品更具思想性，更能够触动人心。

一本摄影理论的入门读物，读起来非常轻松，甚至有点像读小说。作者的语言非常生动，没有那些枯燥乏味的专业术语，而是用了很多通俗易懂的比喻和故事来解释摄影的原理。我尤其喜欢他关于“光影”的章节，作者把光线比作一位技艺精湛的画家，而相机则扮演着画布的角色，每一次快门释放都是一次创作的瞬间。他还举了许多著名摄影师的作品作为例子，让我对那些熟悉的画面有了全新的理解。比如，他分析一张安塞尔·亚当斯的风景照时，我才恍然大悟，原来那些震撼人心的山峦和天空，不仅仅是真实的景物，更是摄影师通过对光线的精准捕捉和对画面构图的深思熟虑而创造出的艺术品。读完这一部分，我仿佛也学会了如何用“摄影师的眼睛”去观察世界，去感受光线在物体表面流淌的痕迹，去体会阴影带来的戏剧性效果。作者还探讨了“时间”在摄影中的重要性，这一点也让我受益匪浅。他认为，照片不仅仅是某个瞬间的定格，更是时间的沉淀，是过往的回响。通过对比不同时期拍摄的同一地点，我们能清晰地看到岁月的痕迹，感受到物是人非的沧桑。这种对时间的洞察，让摄影不再仅仅是记录，更是一种对历史的对话。总的来说，这本书就像一位耐心又风趣的老师，带领我一步步走进了摄影的奇妙世界，让我对“什么是摄影”有了更深刻、更感性的认识。

这本书的写作风格非常严谨，逻辑清晰，仿佛一位经验丰富的学者在娓娓道来。作者深入浅出地剖析了摄影的本质，并将其置于更广阔的艺术和科学背景下进行考察。我对书中关于“形式”与“内容”关系的探讨尤为着迷。作者并没有将二者割裂开来，而是强调了形式作为内容载体的不可或缺性。他认为，摄影作品的艺术价值，很大程度上取决于摄影师如何巧妙地运用视觉形式来传达思想和情感。例如，通过对色彩的运用，摄影师可以唤起观众特定的情绪反应；通过对线条的勾勒，可以塑造出画面的动感或稳定性；通过对质感的表现，则可以增强作品的触感和真实感。作者还详细阐述了“尺度”在摄影中的重要性，他指出，摄影师如何选择拍摄的距离和视角，会直接影响观众对被摄对象的认知和感受。近距离拍摄能够拉近观众与主体之间的距离，营造亲密感，而远距离拍摄则可以展现宏大的场景，传递出辽阔或孤寂的情绪。这种对“尺度”的精确控制，是摄影师表达意图的关键手段之一。总的来说，这本书提供了一个理解摄影的深度框架，让我从一个更为理性和学术的角度去欣赏和分析摄影作品，认识到每一张照片背后都凝聚着摄影师的思考和智慧。

这本书是一场关于视觉语言的深度探索，作者以一种近乎哲学家的视角，审视了摄影这门艺术的核心构成。他并没有直接告诉你如何按下快门，而是引导你去思考，去感受，去理解摄影师在创作过程中所做的选择。其中关于“形态”的讨论，令我印象最为深刻。作者强调，摄影师并非简单地复制现实，而是通过对物体的形状、线条、纹理以及它们之间的关系进行提炼和重塑，从而赋予作品生命力。他举例说，一张看似简单的静物画，其背后可能蕴含着摄影师对物体体积感的细致观察，对光线如何在曲面上投下阴影的精准把握，以及对画面中各个元素之间平衡与张力的微妙安排。这种对“形”的关注，让我意识到，摄影作品的魅力，很大程度上来自于摄影师对世界进行二次创作的能力，他们能够从纷繁复杂的现实中，提取出最具有表现力的视觉元素，并以一种全新的方式呈现出来。此外，书中关于“画面”的剖析，也让我茅塞顿开。作者解释了构图并非是死板的规则，而是摄影师与画面之间的一种动态互动。他描述了摄影师如何通过调整视角、改变景别、运用引导线等手法，引导观众的视线，营造特定的情绪氛围，并最终传达出自己的思想和情感。读完这一部分，我才明白，一张成功的照片，不仅仅是场景的美丽，更是摄影师内心世界的映照，是他们对世界理解和感悟的视觉表达。

入门读物中最容易理解的一本

照片的本质，入门读本。收集的各种照片，分四个类别启发描述：物理层级、描绘层级、心里层级、心理模式。

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