アンビエント・ミュージック １９６９‐２００９

出版者:ＩＮＦＡＳパブリケーションズ

页数:256

出版时间:2009-8

价格:1,800円

装帧:21cm

isbn号码:9784900785885

具体描述

完全ディスク・ガイド５５０枚

目录信息

ＰＲＥ‐ＡＭＢＩＥＮＴ１９６９‐１９７７（１９６９＿ＳＩＧＮＳ　ＯＦ　ＺＯＤＩＡＣ
１９７０＿ＢＥＡＶＥＲ＆ＫＲＡＵＳＥ　ほか）
ＦＩＲＳＴ　ＤＥＣＡＤＥ１９７８‐１９８７（１９７８＿ＢＲＩＡＮ　ＥＮＯ
ＯＴＨＥＲ　ＷＯＲＫＳ＿ＢＲＩＡＮ　ＥＮＯ　ほか）
ＳＥＣＯＮＤ　ＤＥＣＡＤＥ１９８８‐１９９７（１９８８＿ＤＯＵＧＬＡＳ　ＢＥＮＦＯＲＤ
１９８９＿ＭＡＴＥＲＩＡＬ　ほか）
ＴＨＩＲＤ　ＤＥＣＡＤＥ１９９８‐２００９（１９９８＿ＢＯＡＲＤＳ　ＯＦ　ＣＡＮＡＤＡ
１９９９＿ＳＡＣＫ＆ＢＬＵＭＭ　ほか）
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的广度令人咋舌，深度也同样惊人。我最欣赏的一点是，它没有仅仅停留在对“氛围感”这种模糊概念的描述上，而是深入挖掘了技术——无论是模拟合成器、数字采样还是空间混响技术——是如何成为塑造这种音乐形态的关键驱动力。阅读过程中，我反复暂停下来，去重新聆听那些被提及的作品，对比书中的分析和我的实际听感，这种互动体验极大地丰富了我的音乐鉴赏过程。作者在探讨不同地域的音乐家如何接收和改造概念时，也展现了超越西方中心论的视野，这一点在同类研究中是相当少见的。它不仅仅是关于音乐，更是关于文化在全球化进程中如何碰撞、融合与再创造的精彩案例。

对于我这样习惯于碎片化接收信息的听众来说，这本书强迫我慢了下来，去体会那些需要时间的沉淀才能真正理解的音乐美学。书中的时间轴构建得非常巧妙，它清晰地展示了音乐潮流是如何螺旋上升、互相致敬和反叛的。尤其是后半部分对跨界合作的讨论，比如音乐如何渗透到装置艺术、建筑设计乃至冥想实践中，展现了环境音乐远超传统音乐范畴的影响力。作者的论证逻辑严密，每一个观点都有坚实的音乐实例作为支撑，这使得整本书的论述极具说服力。它成功地将一个常被误解为“简单”或“无聊”的音乐类型，提升到了一个需要严肃对待的艺术范畴，功不可没。

老实说，我本来以为这是一本会让人昏昏欲睡的“理论大部头”，但事实完全出乎我的意料。作者的叙事功力实在太高明了。他没有将“环境音乐”塑造成一个僵硬的、被学术界限定的教条，而是把它描绘成一个不断呼吸、不断接纳新元素的有机生命体。书中对那些标志性专辑的分析，简直像是给每首歌做了一次精准的“手术”，每一个和弦、每一个音色的选择背后，都蕴含着创作者对空间、时间乃至人类心理状态的深刻思考。特别是一些早期先驱者的章节，作者的文字充满了画面感，仿佛我能亲眼看到他们是如何在录音室里搭建起那些令人神往的声音景观的。对于普通乐迷来说，这本书提供了一张绝佳的地图，指引我们去发现那些在主流视野中被忽略的宝藏。

这本书简直是音乐迷的福音，尤其对于那些热衷于探索声音边界的听众来说，它提供了一个无与伦比的深度视角。我从头到尾都被作者那种近乎痴迷的研究精神所打动。书里对不同流派的交织、技术革新的影响，以及艺术家们在特定历史背景下的创作动机，都有着极其细腻的剖析。它不仅仅是罗列事实，更像是一部音乐社会学的研究报告，用非常严谨的框架去解构了环境音乐在半个世纪里的演变轨迹。读完后，我感觉自己对那些看似“背景音”的音乐，有了一种全新的、充满敬意的理解。作者在引用大量一手资料和音乐人访谈时，展现出的专业性令人称赞，文字节奏张弛有度，既有学术的厚重感，又不失文学的流畅性，让人在沉浸式阅读中不知不觉就走完了这四十年。

如果你想找一本能帮你构建完整知识体系的工具书，那么这本书可能不是最直接的选择，但如果你渴望一场精神上的漫游，它绝对是最佳伴侣。它的语言风格非常个人化，充满了作者对所研究对象的深沉热爱，这种热情是会感染读者的。有些段落的描述简直是诗意的，比如对某个特定频率带的描绘，完全脱离了技术术语，转而诉诸于感官和情感的层面。虽然全书信息量巨大，但得益于清晰的章节划分和脉络梳理，即便是初次接触这个领域的人也不会感到迷失。它成功地做到了学术的严谨与艺术的浪漫之间的完美平衡，让人在知识汲取的同时，也能享受到阅读的愉悦。

就靠著mida和KW發功了！~

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