複製技術時代の芸術

出版者:晶文社

作者:ヴァルター ベンヤミン

页数:187

出版时间:1999-11-5

价格:1,995

装帧:B6判

isbn号码:9784794912664

具体描述

２０世紀は映像の世紀である。

映画や写真などの複製芸術はどんな可能性をはらんでいるのか。

巨大な思想家ベンヤミンの刺激あふれる先駆的映像芸術論。

複製技術の時代における芸術作品

ロシア映画芸術の現状

写真小史

エードゥアルト・フックス―収集家と歴史家

读后感

1、1839年达盖尔发明了银版摄影术。但由于没有申请专利，摄影术被法国政府公开，摄影诞生十年后出现第一个兴盛期——工业化前的十年。代表摄影家：希尔（hill）卡梅隆（Cameron）纳达尔（Nadar）雨果。 2、摄影首先以名片形式的肖像照片占据市场，摄影家牟利丰厚。摄影侵犯了...  

听闻一个故事，一个学艺术的学生因为专业关系经常去博物馆，每次去都能看到一个老太太坐在一幅画前，一坐就是几个小时。有一天那个学生终于忍不住问她：“您为什么每天都来呢？”老太太指着画说，“不知道为什么，这幅画怎么也看不腻。” 之前听完总是觉得有些疑惑，为什么非...  

本雅明写作这篇理论性散文的出发点在于，用再生产的概念来看上层建筑中文化再生产的变化。而再生产在此前是用于讨论经济基础的，来源于马克思。所以本雅明的立场也常被称为是马克思主义文化批判。 这篇文章的独特性在于它敏锐地捕捉了某种技术的革新带给人们认知的转型，这种认...  

本雅明写作这篇理论性散文的出发点在于，用再生产的概念来看上层建筑中文化再生产的变化。而再生产在此前是用于讨论经济基础的，来源于马克思。所以本雅明的立场也常被称为是马克思主义文化批判。 这篇文章的独特性在于它敏锐地捕捉了某种技术的革新带给人们认知的转型，这种认...  

用户评价

这本书在“创新”与“守旧”的边界上，为我打开了一个全新的视角。我一直认为，艺术的魅力在于不断突破，在于颠覆传统。但这本书让我意识到，“复制”本身也可以是一种创新，而对传统的“复制”与“借鉴”，也并非一定是守旧的。我好奇书中是否会探讨，艺术家如何通过对既有元素的“复制”和“重组”，来创造出具有颠覆性的新作品？它是否会展示一些例子，比如蒙太克的电影剪辑技巧，就是一种“复制”和“再组合”的创新？或者，艺术家们如何通过对经典作品的“致敬”，但同时注入自己独特的观念和风格，从而实现一种“创新性复制”？我期待这本书能够深入剖析，那些看似简单的“复制”行为背后，蕴含着的艺术家高超的创造力和深刻的思想。它让我意识到，创新并非总是从零开始，有时候，巧妙地运用和转化“复制”过的元素，也能达到令人惊叹的艺术效果。这本书让我对“创新”有了更广阔的理解，不再局限于“独创”，而是看到了“转化”与“重塑”的强大力量。

这本书给我带来了一场关于“身份”与“复制”的深刻思考，它让我重新审视了艺术家在复制时代所扮演的角色。我一直好奇，在这样一个信息唾手可得，复制几乎是零成本的时代，艺术家如何才能在海量的“副本”中，确立自己的独特身份？这本书是否会探讨，当技术允许任何人以极低的门槛进行“复制”时，艺术家所独有的价值究竟体现在哪里？是创作的“初衷”？是“工艺”的精湛？还是作品所传达的“情感”？我猜想，书中会引用一些艺术家，他们可能有意地去挑战“复制”的界限，比如通过极度精细的手工复制，来反衬工业复制的冰冷，或者通过对复制过程的强调，来引发观众对“真迹”的思考。这些艺术家的实践，无疑为我们在“复制技术时代”寻找艺术的意义提供了宝贵的线索。我期待它能给出一些令人信服的论证，让我们理解，即使在复制如此便捷的今天，艺术的“个性化”和“独特性”依然能够通过各种方式得以展现，甚至被放大。它让我意识到，艺术家的价值，或许更多地体现在他们如何驾驭和转化“复制”这个工具，赋予其独特的艺术生命。

读完这本书，我的大脑依然在高速运转，仿佛刚刚经历了一场思想的盛宴。它并没有给我一个标准答案，而是像一个智慧的长者，用一种温和而又极具穿透力的方式，引导我进行更深层次的自我审视。我印象最深刻的是它关于“意图”与“结果”的辩证法。当艺术家运用复制技术时，他的意图是什么？是为了模仿，是为了致敬，还是为了在模仿中注入新的生命力？而最终呈现出的作品，又给观众带来了怎样的感受？这种“意图”与“结果”之间的张力，往往是艺术作品最具魅力的地方。书中可能用了很多具体的例子来阐释这一点，例如毕加索对古希腊雕塑的“挪用”，或是波普艺术对大众消费品的“复制”，这些看似是对现有事物的简单复刻，实则蕴含了艺术家独特的视角和批判。我甚至开始反思，我们当下所处的时代，信息传播的速度如此之快，我们每天都在接触海量的“信息复制品”，我们是否还能从中辨别出真正的“原创”？或者说，“原创”的定义本身是否已经因为“复制技术”的泛滥而发生了根本性的改变？这本书给了我一个全新的视角去审视这个问题，让我意识到，艺术的价值并非仅仅在于其独一无二的“起源”，更在于其在传播和演变过程中所产生的意义和影响。它像一面镜子，照出了我们对艺术理解的局限性，同时也开启了新的可能性。

这本书就像一扇窗，让我看到了艺术创作背后那些被我们忽略的、却又至关重要的“连接”。我一直对“影响”和“传承”在艺术史上的作用感到好奇，而“复制技术”正是实现这些连接的重要载体。这本书是否会深入探讨，从古代的石刻复制到现代的数字打印，这些复制技术的演进是如何促进了艺术的传播和交流？它是否会展示出，正是因为有了复制，才使得不同地域、不同时代的艺术风格得以相互借鉴，从而推动了艺术的整体发展？我特别期待它能分析一些具体的历史案例，比如文艺复兴时期，复制技术如何将古典艺术的精华传播到欧洲各地，激发了新的艺术浪潮？或者在东方艺术中，复制品如何成为文化交流的桥梁，将中国的绘画技艺传播到日本、韩国等地？这本书让我意识到，艺术并非孤立的存在，而是通过“复制”这一形式，将无数的创作连接在一起，形成一个庞大的、相互影响的艺术网络。它让我对艺术史的理解，从一个线性的发展过程，变成了一个充满交织和反馈的复杂系统。

我一直认为，技术与艺术的关系是一种微妙而又复杂的存在，这本书恰恰深入剖析了这一点。“复制技术”，这个词本身就带着一种工业化的冷峻，但作者却能从中挖掘出艺术的脉络，这本身就是一种非凡的洞察力。我猜想，书中可能并没有回避技术本身的进步，比如从早期的印刷术、摄影术，到后来的数字复制、3D打印等等，这些技术如何一步步改变了艺术的生产方式和传播方式。但是，它更重要的价值在于，它不是在歌颂技术本身，而是在探讨技术如何成为艺术家表达思想、情感和创造力的工具。我记得书中可能提到过，当一种新的复制技术出现时，总是会伴随着关于“原创性”的争论，这种争论往往是艺术史上的重要转折点。比如摄影的出现，曾经一度被认为是“机械复制”，是对绘画艺术的威胁，但最终摄影艺术本身也发展出了独特的审美价值。这本书是否会探讨这种“威胁论”与“融合论”之间的辩证关系？它是否会展示出，正是通过对复制技术的掌握和创新运用，艺术家们才能突破既有的樊篱，创造出前所未有的艺术形式？我非常期待它能提供一些具体的、具有启发性的论述，让我看到技术如何被艺术化的过程，以及这种艺术化过程又如何反过来影响和重塑技术的未来。

这本书的章节结构，让我感觉作者是一位非常善于引导的向导，他能够循序渐进地带领读者深入“复制技术时代”的艺术景观。我一直对“意义”是如何在艺术品中生成和流转感到好奇，而“复制”无疑是其中重要的环节。我猜想，书中会从“复制”的物理属性出发，探讨其对艺术品“真迹”概念的挑战，然后逐步深入到“复制”所带来的观念上的变化。它是否会探讨，当一件艺术品被大量复制后，它的“价值”是否会因此被稀释，还是反而会因为更广泛的传播而获得更深远的意义？我非常期待它能够提供一些具有说服力的论证，让我理解，在“复制时代”，艺术的价值是否已经从“独特性”转向了“可及性”和“传播性”？它是否会触及到当下数字媒体，如何让“复制”变得更加便捷和普遍，以及这会对艺术的未来产生怎样的影响？这本书让我对“价值”的理解，不再局限于物质层面，而是看到了其背后所蕴含的文化、观念和社会意义。

这本书给我最大的感受是，它打破了我对“原创”的固有认知，让我看到了“复制”在艺术创作中更为广阔的维度。我原来一直以为，艺术的价值在于其独一无二的原创性，是艺术家个人创造力的结晶。但这本书让我明白，在很多时候，“复制”本身就可以是一种艺术行为，它能够承载着观念、情感，甚至引发新的思考。我特别欣赏书中可能对“致敬”与“抄袭”的边界探讨，这是一个非常敏感但也极具价值的话题。艺术家如何在借鉴前人的基础上，不落俗套，反而能创造出更具个性的作品？这其中的分寸感和创造力，正是艺术的魅力所在。书中是否会详细分析一些案例，比如在音乐领域，采样是如何被运用得炉火纯青，并且成为一种新的音乐风格？或者在文学领域，那些对经典作品的化用和重写，如何赋予了作品新的生命？我期待它能提供一些深刻的解读，让我理解“复制”并非简单的模仿，而是艺术家与历史、与文化进行对话的一种方式。它不仅仅是技术的应用，更是观念的传承和创新。这本书让我对艺术的理解，从一个狭隘的“原创中心主义”，扩展到一个更为开放和包容的“意义生成中心主义”。

这本书的封面设计就足够吸引人了，那种疏离而又带着某种疏解的线条，在复古的纸张质感上缓缓铺陈开来，仿佛在诉说着一个关于“复制”与“原创”的古老寓言，又像是对当下信息爆炸时代的一种隐喻。我拿到它的时候，就有一种忍不住想深入探索的冲动。我知道它的主题并非简单地罗列技术，更不是一份枯燥的技术手册，而是试图在“复制”这个行为本身中，去挖掘其背后所蕴含的艺术精神，以及艺术家们如何在这样一个充斥着无数“副本”的世界里，依然能够寻找到并创造出独特的价值。我特别期待它能探讨那些我们司空见惯的复制行为，比如音乐的采样、电影的致敬、文学的化用，在艺术史的长河中，这些“复制”究竟扮演了怎样的角色？它们是对经典的致敬，还是对原创的颠覆？抑或是两者兼而有之？更进一步，这本书是否会触及到当下数字时代，AI生成艺术的出现，是如何重新定义“复制”与“原创”的边界？这些疑问在我脑海中盘旋，就像等待被解锁的密码，迫切希望这本书能给我答案。我甚至设想，书中可能会引用大量具体的艺术案例，从古典到现代，从绘画到雕塑，从音乐到文学，甚至是摄影和电影，来证明“复制”在艺术发展中的重要性。或许，它还会探讨不同文化背景下，对“复制”的理解和运用差异，这会让整个论述更加丰富和立体。我非常期待它能够展现出一种宏大的视野，将“复制技术”这个相对具体的技术概念，升华到一种对艺术创作本质的思考。

这本书的语言风格，让我感觉作者是一位充满热情和洞察力的艺术家本人，他用真诚的笔触，为我们揭示了“复制技术”与艺术之间千丝万缕的联系。我一直对那些“被模仿”的作品是如何演变为新的艺术风格感到着迷，而“复制”正是这种演变的关键。我猜想，书中会用一种非常诗意和富有感染力的方式，来描绘艺术家们如何运用复制技术，来表达他们独特的视角和情感。它是否会展示那些艺术家，如何在模仿大师的过程中，逐渐找到了自己的声音？或者，艺术家们如何通过对大众文化的“复制”，来引发人们对社会现实的思考？我期待它能提供一些充满智慧和启发的解读，让我看到，即使在“复制”看似廉价的时代，艺术依然能够通过精妙的运用，焕发出勃勃生机。它让我对艺术创作的理解，不再仅仅是“从无到有”，而是看到了“从有到更”，看到了“复制”作为一种桥梁，连接着过去与未来，连接着个体与大众。

这本书的叙述方式，让我感觉就像是在进行一场跨越时空的艺术对话，它将“复制技术”这个看似冰冷的主题，赋予了鲜活的生命力。我一直对那些伟大的艺术作品是如何被后人理解和传承感到好奇，而“复制”无疑是其中最关键的一环。我猜想，书中会通过大量生动具体的艺术实例，来阐释“复制技术”在艺术发展中的历史作用。例如，古希腊雕塑的石膏翻模，如何让后世艺术家得以学习其精湛的技艺？中世纪的手抄本，又如何将知识和艺术理念得以保存和传播？这些具体的案例，能够让我更直观地感受到“复制”的力量。我期待它能不仅仅停留在技术层面的描述，更重要的是，它能深入挖掘这些复制行为背后所蕴含的文化意义和思想价值。它让我看到了，艺术的生命力，并不仅仅存在于那件“原作”之中，更存在于它被无数次复制、传播、解读和再创造的过程中。这本书让我对艺术史的理解，变得更加立体和生动，它让我看到了那些看似微不足道的“复制品”，如何共同构成了我们今天所见的辉煌的艺术世界。

将核心概念“アウラ”定义为「空間と時間とが織りなす、ひとつの特異な織物であり、どんなに近くてもなおかつ遠い、一回限りの現象である。」的浪漫。接下来是「ある夏の真昼、地平によこたわる山脈だとか、ひとの上に影を投げてくる木の枝だとかを、瞬間ないし時間がそれらの現象にかかわってくるまで、眼で追ってゆくことーーこのことが、この山脈なり木の枝なりのアウラを、呼吸することなのだ。」想起了超现实主义的至高点和ドマール的《类推的山》。

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将核心概念“アウラ”定义为「空間と時間とが織りなす、ひとつの特異な織物であり、どんなに近くてもなおかつ遠い、一回限りの現象である。」的浪漫。接下来是「ある夏の真昼、地平によこたわる山脈だとか、ひとの上に影を投げてくる木の枝だとかを、瞬間ないし時間がそれらの現象にかかわってくるまで、眼で追ってゆくことーーこのことが、この山脈なり木の枝なりのアウラを、呼吸することなのだ。」想起了超现实主义的至高点和ドマール的《类推的山》。

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将核心概念“アウラ”定义为「空間と時間とが織りなす、ひとつの特異な織物であり、どんなに近くてもなおかつ遠い、一回限りの現象である。」的浪漫。接下来是「ある夏の真昼、地平によこたわる山脈だとか、ひとの上に影を投げてくる木の枝だとかを、瞬間ないし時間がそれらの現象にかかわってくるまで、眼で追ってゆくことーーこのことが、この山脈なり木の枝なりのアウラを、呼吸することなのだ。」想起了超现实主义的至高点和ドマール的《类推的山》。