艺术终结论

出版者:中国社会科学出版社

作者:吴子林

页数:281

出版时间:2011-1

价格:28.00元

isbn号码:9787500494324

具体描述

《艺术终结论》内容简介：黑格尔、阿瑟·C.丹托等人提出的“艺术终结论”、J.希利斯·米勒提出的“文学终结论”，是当代艺术理论研究、文学研究和文化研究中的前沿学术话题。《艺术终结论》选编了十余篇论文，对“艺术终结论”与“文学终结论”的内涵予以条分缕析的论述，分别探讨了图像社会或数字化时代文学艺术的生存方式、现代艺术的意义或真谛所在，“艺术世界”与“日常生活世界”的边界，以及如何重建并坚守艺术(文学)对于现实的精神联系等系列命题，并在此基础上对“艺术终结论”进行哲学-历史纵深度的反思与批判。《艺术终结论》对于

作者简介

吴子林，1969年9月生，福建连城人，文学博士，《文学评论》副编审，中国社会科学院研究生院硕士研究生导师。主要研究方向为文学基本理论和中西比较诗学等，已发表七十余篇学术论文，著有《经典再生产——金圣叹小说评点的文化透视》《自律与他律——中国现当代文学论争中的理论问题》(合著)，另有编著六部。

目录信息

导读
艺术的终结
——一种现代性危机
艺术的终结与重生
哲学对艺术的剥夺：阿瑟·丹托的艺术哲学观
哲学如何剥夺艺术?
——当代“艺术终结论”的哲学反思
终结?还是复活
——对黑格尔与海德格尔之艺术终结论的比较研究
艺术终结论的三阶段反思
认识与智识：跨语境视阈下的艺术终结论
文学的终结与文学性蔓延
——兼谈后现代文学研究的任务
文学独特审美场域与文学人口
——和文学终结论者对话
趋零距离与文学的当前危机
——“第二媒介时代”的文学和文学研究
文学研究：终结还是再生?
——米勒文学研究“终结论”解读
“文学
· · · · · · (收起)

读后感

导读………………………………………………………吴子林(1) 艺术的终结 ——一种现代性危机 ………………………………周计武(26) 艺术的终结与重生 ……………………………………彭 锋(45) 哲学对艺术的剥夺：阿瑟·丹托的艺术哲学观………沈语冰(62) 哲学如何剥夺艺术? ...

导读………………………………………………………吴子林(1) 艺术的终结 ——一种现代性危机 ………………………………周计武(26) 艺术的终结与重生 ……………………………………彭 锋(45) 哲学对艺术的剥夺：阿瑟·丹托的艺术哲学观………沈语冰(62) 哲学如何剥夺艺术? ...

导读………………………………………………………吴子林(1) 艺术的终结 ——一种现代性危机 ………………………………周计武(26) 艺术的终结与重生 ……………………………………彭 锋(45) 哲学对艺术的剥夺：阿瑟·丹托的艺术哲学观………沈语冰(62) 哲学如何剥夺艺术? ...

导读………………………………………………………吴子林(1) 艺术的终结 ——一种现代性危机 ………………………………周计武(26) 艺术的终结与重生 ……………………………………彭 锋(45) 哲学对艺术的剥夺：阿瑟·丹托的艺术哲学观………沈语冰(62) 哲学如何剥夺艺术? ...

导读………………………………………………………吴子林(1) 艺术的终结 ——一种现代性危机 ………………………………周计武(26) 艺术的终结与重生 ……………………………………彭 锋(45) 哲学对艺术的剥夺：阿瑟·丹托的艺术哲学观………沈语冰(62) 哲学如何剥夺艺术? ...

用户评价

这本书的文字力量强大到足以重新塑造读者的认知图景。我被其中对“感知力的退化”这一议题的描述深深震撼了。作者没有使用任何夸张的辞藻，而是通过冷静、近乎田野调查式的观察，揭示了我们如何在不知不觉中将“观看”的深度换取了“浏览”的速度。那种“被动接受”和“主动创造”之间界限的模糊化，被剖析得入木三分。全书的论证节奏把握得极其老练，高潮迭起，却从不流于情绪宣泄。它更像是一位经验丰富的外科医生，冷静地切开病灶，展示给读者看，而不是急于开出药方。我个人认为，这本书最伟大的贡献在于它提供了一种“抵抗平庸”的智识工具。它教导我们如何从信息的海洋中打捞出真正的价值，如何保持对“慢艺术”的尊重与期待。这是一本值得反复研读，并在人生的不同阶段都能读出新意的深度文本。

这本书真是一部令人深思的杰作，它以一种极其细腻和富有洞察力的方式，剖析了我们这个时代艺术的困境与未来。作者的笔触如同手术刀一般精准，直指当下文化现象的核心，却又不像某些评论那样生硬刻板，反而充满了对人类创造力的深深关怀。我尤其欣赏作者在探讨“审美疲劳”这一议题时所展现出的那种近乎哲学的思辨深度。他没有简单地归咎于市场机制或是大众品味的低俗化，而是深入挖掘了技术进步对我们感知系统产生的结构性影响。举例来说，书中对“图像洪流”的描述，简直就是我们日常生活的写照——我们被海量、同质化的视觉信息淹没，反而丧失了对真正独特之物的辨识能力。那种将每一次新“风格”的出现视为对既有秩序的短暂颠覆，最终又迅速被消化、复制、直至消解为背景噪音的过程，描绘得淋漓尽致，让人读后感到一种既清醒又无可奈何的悲凉。这本书成功地挑战了许多关于“什么是艺术”的既有前提，迫使读者重新审视自己与美、与原创性之间的关系。它不是一本提供轻松答案的书，而是一盏照亮迷宫的灯，虽然光线微弱，但方向明确。

这本书给我带来的冲击是结构性的，它彻底颠覆了我过去对“进步”这一概念的线性理解。作者似乎在暗示，艺术的发展并非一条持续攀升的阶梯，而更像是在一个有限的空间内进行的复杂折叠和旋转。书中对“风格的饱和”这一观点的论述尤其发人深省。我们总以为技术创新会带来全新的审美领域，但作者却通过一系列精彩的案例分析指出，许多所谓的“创新”不过是对既有形式的重新排列组合，或者说，是对某一极端可能性的过度挖掘，最终导致了整体审美维度的停滞。我尤其欣赏作者对待“怀旧”这一主题的态度——它并非简单的复古情结，而是对一种缺失的、可能永远无法重现的“本真性”的无意识追寻。这种深刻的社会心理洞察，使得全书的论述充满了人性的温度，避免了纯粹的理论空谈。读完此书，我发现自己看待艺术展览、电影甚至是日常设计时，都会不自觉地带上作者提供的那个“分析框架”，这无疑是阅读最宝贵的收获。

读完后感觉像经历了一场精神上的马拉松，那种酣畅淋漓的智力挑战感实在太棒了。这本书的叙事结构设计得极为巧妙，它不是线性的论证，更像是一个多声部的交响乐，不同的观点和历史片段相互交织、碰撞、最终形成一个宏大的图景。我特别佩服作者在引用古代思想家观点来佐证当代现象时的那种信手拈来，毫无斧凿之痕。例如，他对康德美学理论在后现代语境下被“挪用”和“扭曲”的分析，深入浅出，让人立刻领悟到经典理论在时代变迁中的复杂命运。更难能可贵的是，这本书的语言风格充满了古典的韵律感，即便是探讨最前沿的媒介理论，也保有了一种沉稳而有力的节奏感。它不像某些学术著作那样充斥着晦涩的术语黑话，而是致力于将复杂的概念用清晰、富有画面感的语言表达出来，使得即便是跨学科的读者也能跟上作者的思绪。这种雅俗共赏却又不失深度的平衡把握，是这本书最吸引我的地方之一。

坦率地说，这本书的阅读体验是需要耐心的，它不是那种可以边喝咖啡边轻松翻阅的读物，更像是一场需要全神贯注的思维探险。作者在构建其核心论点时，采用了一种非常精密的“碎片化”证据链条，每一步论证都建立在前一步的坚实基础上，逻辑的环环相扣令人赞叹。我特别喜欢它在处理“意义的消散”这一主题时所采用的对比手法：一方面是艺术家对永恒意义的执着追求，另一方面则是接收者对即时满足的贪婪索取。这种内在的张力贯穿始终，使得阅读过程始终保持着一种高频的振动感。我注意到作者在讨论某些当代艺术运动时，引用了大量的非西方艺术史资料，这极大地拓宽了我的视野，让我意识到我们对“艺术史”的理解可能长期处于一种文化中心主义的狭隘框架内。这本书的价值，不仅在于它对现有艺术状态的批判，更在于它为我们打开了看待世界文化现象的全新参照系。