古典吉他名作演奏指导 近现代时期

出版者:上海音乐

作者:蒋梵

页数:183

出版时间:2011-8

价格:70.00元

isbn号码:9787807517733

丛书系列:古典吉他名作演奏指导

具体描述

《古典吉他名作演奏指导:近现代时期(1900年-)》总结了古典吉他音乐的历史以及自公元前1900年到21世纪古典吉他音乐与当时社会的相互影响和作用。书中第一部分都探究了音乐与文学、美术、科学、社会以及政治事件之间的关系。第二部分着重介绍了时代背景对这些伟大音乐家的影响，并独具匠心地采用了综合艺术的方式，为每一位古典吉他教师、学生以及音乐爱好者呈献了一份不可多得的音乐财富。

目录信息

第一部分 近现代时期社会、风尚和音乐 潮流的影响 进入20世纪 政治变革：第一次世界大战和十月革命 科学发展 社会潮流 20世纪音乐总的特点 节奏上的复杂性 和声上的不协和性 调中心的模糊性 吉他音乐发展总的特点 印象主义 美术中的印象主义 音乐中的印象主义 远离调性和半音体系 德彪西的影响 印象主义音乐的技巧 受德彪西影响的两位吉他作曲家 走向抽象 远离现实 美术中的立体主义 音乐中的立体主义 异域风情和复古主义 美术中的新复古主义 音乐中的复古主义 新古典主义 美术中的新古典主义 新古典主义美术的特征 音乐中的新古典主义 幽默与讽刺 表现主义 美术中的表现主义 音乐中的表现主义 无调性 民族主义和来自民间的影响 “本真的”民间音乐和音乐学 西班牙音乐 法雅(1876—1946西班牙) 柳贝特(1878—1938西班牙) 普霍尔(1886—1980西班牙) 法国音乐 福雷(1845—1924法国) 美国音乐 约克(1958一美国) 古巴音乐 哈巴涅拉 罗克(1860—1921古巴) 布罗魏尔(1939一古巴) 巴西音乐 帕南布哥(1883—1947巴西) 巴西的新音乐运动 路易斯·邦法(1922—巴西) 波萨诺瓦 维拉一罗勃斯(1887—1959巴西) 肖罗 委内瑞拉音乐 劳罗(1917—1986委内瑞拉) 委内瑞拉的圆舞曲 墨西哥音乐 庞塞(1882—1948墨西哥) 阿根廷音乐 阿根延探戈 皮亚佐拉(1921—1992阿根廷) 巴拉圭音乐 巴里奥斯(1885—1944巴拉圭) 捷克斯洛伐克音乐 瑞克(1945一捷克斯洛伐克) 20世纪以来吉他的发展 吉他构造的改进 尼龙琴弦的诞生 演奏法的进步第二部分 12位伟大的近现代时期作曲 家的影响 图里纳(1882—1949西班牙) 托罗巴(1891—1982西班牙) 罗德里戈(1902—1999西班牙) 维拉一罗勃斯(1887—1959巴西) 庞塞(1882—1948墨西哥) 马里奥·卡斯特诺沃一泰德斯科 (1895—1968意大利) 亚历山大·汤斯曼(1897—1986波兰) 德·拉·马萨(1897l—198l西班牙) 塞戈维亚(1893—1987西班牙) 巴里奥斯(1885—1944巴拉圭) 皮亚佐拉(1921—1992阿根廷) 布罗魏尔(1939—古巴)
· · · · · · (收起)

用户评价

对于我这种偏爱“精装大部头”的读者来说，这本书的装帧和排版简直是享受。但抛开外在的优秀工艺不谈，内容上最让我感到震撼的是它对“呼吸感”的哲学探讨。在古典吉他演奏中，气息感是抽象的，很难用文字量化，但这本书做到了极佳的文字转换。作者引入了“动态句法”的概念，将乐句的连贯性类比于人类的呼吸，详细描述了在长乐句中，哪些音符可以被“吸气”加强，哪些地方需要“换气”保持流动。这对于演奏像马雷兹（Mertz）晚期作品或一些慢速的近现代沉思曲时尤为重要。我过去总是因为害怕断掉旋律而演奏得过于僵硬，这本书的指导让我找到了更自然的停顿点和强调点。而且，书中还花了相当大的篇幅去对比不同年代的吉他制琴技术如何反作用于演奏风格——比如早期浪漫主义吉他的音量限制如何塑造了更内敛的演奏法，与现代高强度钢弦吉他演奏需求的不同。这种跨学科的视角，让对乐器历史有兴趣的我感到非常满足。

这本《古典吉他名作演奏指导 近现代时期》简直是为我量身定做的！我一直苦于找不到系统性的、针对近现代作品的演奏技巧解析。市面上很多教材都集中在巴洛克和浪漫主义时期，对于二十世纪和二十一世纪的作曲家作品，比如塔雷加之后的那些创新性的技法，讲解得非常含糊。这本书的深度和广度令人惊喜。它不仅仅是把曲谱摆在那里让你自己琢磨，而是深入剖析了像普索尔（Ponce）的复调处理、或者当代作曲家引入的非传统演奏法（比如左手指板上的特殊揉弦、或是右手的拨弦力度控制）的具体实现路径。我尤其欣赏它在“声音色彩的调配”这一章节的论述。以往的教材多强调音准和节奏，但这本着重讲解了如何通过指甲的接触角度、指腹和指甲的混合使用，去精确模拟出不同作曲家所追求的那种“朦胧感”或“金属质感”的声音。对于那些试图在录音棚里追求完美音色的演奏者来说，这些细节的指导无疑是金玉良言。感觉这本书更像是一位经验丰富的演奏大师坐在你身边，手把手地纠正你那些根深蒂固的错误习惯，并引导你进入近现代吉他音乐的复杂世界。我强烈推荐给所有已经掌握了基础古典技巧，但想在近现代曲目上寻求突破的吉他学习者。

坦白讲，我是一个非常注重“效率”的学习者，我需要的是那种能立刻看到练习成果的指导。这本书在这方面做得非常平衡。它没有沉湎于过多的理论推导，而是直接将复杂的技巧分解成可执行的小步骤。例如，在处理那些需要极快跨弦和复杂指法交替的段落时，作者提供了一套“微结构练习法”，即把一个四拍的小节拆解成十六个独立的、可以在极慢速下精确完成的动作单元，然后再逐步加速。这种精细到原子级别的分解训练，对我突破技术瓶颈异常有效。我过去尝试过很多“爬格子”式的练习，但效果不佳，而这里的“微结构法”更像是针对性地修复了我的肌肉记忆中的薄弱环节。另外，书中对踏板（sustain pedal）在吉他作品中应用的讨论非常前沿，它结合了现代录音技术，指导演奏者如何在没有真正踏板的吉他上，通过右手的精确控制和左手的制音时机，来模拟出那种持续的泛音效果。这在演奏肖斯塔科维奇风格的现代作品时，提供了全新的声音维度。

说实话，我刚翻开这本书时，内心是有点抗拒的。我更偏爱十九世纪的抒情作品，对那些听起来有点“怪异”的近现代和声与节奏结构不太感冒。然而，这本书的叙事方式非常具有说服力，它没有一味地灌输“你必须喜欢它们”，而是从历史的必然性和吉他音色在现代音乐语境中的演变来切入。它对德彪西后期作品中那些模糊的“和声色彩块”是如何通过精确的换把和制音技巧来呈现的分析，简直是茅塞顿开。它用非常清晰的图示解释了如何在保持旋律清晰的同时，让伴奏声部听起来像是漂浮在空气中，而不是死板地被演奏出来。此外，书中对一些二十世纪中叶的西班牙和拉丁美洲作曲家作品的选材非常独到，很多是我在其他教学大纲中从未见过的，这极大地拓宽了我的曲目视野。它不仅仅是技术手册，更是一部演奏风格的“人类学研究”。它让我开始用一种更开放的心态去理解那些看似不和谐的音符组合背后的音乐逻辑。读完前三章，我已经迫不及待地去尝试那些我过去认为“难以驾驭”的作品了。这本书的价值在于激发了你的好奇心和探索欲，而不是简单地给你提供一个标准答案。

这本书的另一大特色是它对“诠释的自由度”的鼓励，而不是僵硬的教条主义。在谈论如何处理像索尔（Sor）晚期作品的某些模糊指示时，作者并没有给出唯一的“标准答案”，而是呈现了三位不同时期的大师（比如一位二十世纪初的西班牙学派、一位中欧学派、以及一位当代演奏家）对同一段落的不同处理方式，并分析了每种处理背后的历史背景和个人哲学。这种多角度的呈现，极大地提升了我的音乐理解力。它让我明白，对于近现代音乐而言，演奏者本身就是二次创作的一部分。书中还包含了一些关于如何将舞台表现力融入演奏技巧的章节，比如如何利用身体的微小动作来引导观众的注意力，以及如何通过眼神和面部表情来强化音乐的情绪高潮。对于那些渴望从一个“技术工人”转型为“舞台艺术家”的吉他手来说，这本书提供了难得的、关于表演心理学的深刻洞察。它不仅仅教你怎么弹好音符，更教你怎么成为一个完整的音乐家。