Irony, Satire, Parody and the Grotesque in the Music of Shostakovich pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Sheinberg, Esti

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2000-12

价格:$ 141.25

装帧:

isbn号码:9780754602262

丛书系列:

图书标签:

肖斯塔科维奇
Shostakovich
Irony
Satire
Parody
Grotesque
Music
20th Century Music
Soviet Music
Musical Analysis
Humor in Music

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具体描述

The music of Shostakovich is a source of interest to both the general public and scholars. This text focuses on the musical irony in Shostakovich's music. It offers methodologies for the semiotic analysis of music, and inspects the ironical messages in Shostakovich's music independently of political and biographical bias. The book offers a multidisciplinary approach to music and compares musical devices with the artistic principles and literary analyses of satire, irony, parody and the grotesque.

音乐的隐秘回响：20世纪中叶以来欧洲管弦乐的叙事与结构引言：声音的迷宫与时代的肖像本卷深入探讨了20世纪中叶至当代欧洲管弦乐队音乐的演变轨迹，重点关注作曲家如何运用创新的和声语言、节奏结构以及配器技术来构建复杂的叙事场景和表达深刻的时代精神。我们不将目光局限于单一学派或国界，而是考察战后音乐界面临的挑战：如何在集体记忆、个人身份重塑以及技术爆炸的背景下，继续探寻音乐作为一种严肃艺术形式的可能性。本书将聚焦于那些在继承传统与激进创新之间寻求平衡的作曲家群像，他们通过音乐的“建构”与“解构”，描绘出那个充满矛盾与张力的时代侧影。第一部分：战后语境下的结构重建与内在张力 20世纪下半叶的欧洲音乐舞台，充斥着对战前宏大叙事的反思与摒弃。本章首先分析了战后“新古典主义”回潮中，作曲家们如何试图用更为精炼、更具内在逻辑的结构来对抗过度浪漫化的表达。我们探讨了以法国和意大利为代表的作曲家群体，他们如何运用十二音体系的理性框架，却又在音高组织中引入了偶然性或非线性元素，以此反映社会的不确定性。重点案例分析将集中于对序列主义向总体序列主义过渡时期的技术演变。不同于早期的严格控制，后期的实践更注重结构层面的透明度与听觉体验的开放性。例如，某些作曲家开始将时间、力度、音色作为独立的序列参数进行编排，力图创造出一种“无中心”的音乐景观，这种景观要求听众放弃传统的旋律-和声期待，转而关注声音的物质性本身。第二部分：配器法的革命：色彩的符号学管弦乐队作为一种历史悠久的媒介，在战后语境下经历了深刻的“武器化”与“去中心化”。本部分详尽考察了配器法如何从辅助旋律和和声的工具，演变为独立的叙事层面。我们将考察“声部织体”（Textural Writing）的兴起。一些作曲家（尤其是在德语区）将管弦乐团视为一个巨大的、可以被分解和重组的音响矩阵。他们着重于音色的叠加、细微的动态变化以及特殊演奏技法的运用（如泛音、微音程、弓法变化），使得单个乐器的声音特质被推向极端，从而产生强烈的心理暗示。例如，我们分析了如何通过对弦乐组的“微分化处理”（Differentiation of registers and articulation）来制造听觉上的“静电干扰感”或“空间失重感”。此外，本章还将讨论“乐队分层化”（Layering and Stratification）的实践。作曲家不再将乐器视为均衡的整体，而是有意地将乐团分割成独立运作的声部群，它们以不同的节奏密度、不同的和声语言进行对话或漠不关心，创造出多重现实并置的听觉体验。这种手法如何映射了现代都市生活中的异化与疏离感，将是本节探讨的核心议题。第三部分：节奏的松弛与时间的哲学在与传统周期性节奏的决裂中，欧洲作曲家们在节奏层面探索了新的自由度。本书深入剖析了“时间块”（Time-Blocks）理论在管弦乐实践中的应用，这是一种侧重于音乐时间长度而非节拍和重音的组织方式。我们探讨了“慢速化”（Tempo Deceleration）的现象。许多重要作品倾向于使用极其缓慢的、近乎停滞的速度，这并非为了表达宁静，而是为了放大每一个音符、每一个呼吸之间的空隙。这种处理迫使听众关注声音的衰减过程和空间的空寂，从而引发对时间流逝的本体论思考。我们对比了不同作曲家在处理“非度量化”（Non-Metric Organization）时的不同策略——是从严格的复节奏（Polyrhythms）走向结构化的混乱，还是通过模糊的节奏标记来鼓励演奏者的即兴微调。第四部分：纪念碑与微观世界的张力：社会批判的含蓄表达本部分超越纯粹的技术分析，进入音乐的“意义”层面。在战后社会氛围中，直接的政治表达往往被视为不妥或无效，因此，许多作曲家转向了更为内省和象征性的表达方式。我们分析了如何通过对“传统母题的挪用与扭曲”来表达对历史的批判。这并非是对传统主题的简单引用，而是将其置于全新的、异化的和声语境中，使得熟悉的声音产生陌生而不安的联想。例如，对某些古典曲式（如奏鸣曲结构）的“骨架式”保留，与内部充满噪音、不和谐音的填充物之间的并置，形成了一种强烈的讽刺性对比——一种对形式完备性与内容破碎感的并置。最终，本章将聚焦于“微观叙事”：许多作品不再追求宏大的英雄史诗，而是转向对个体经验、记忆碎片或日常瞬间的细致捕捉。作曲家们通过高度精密的配器和动态控制，将巨大的管弦乐队“缩小”为能够描绘细微心理波动的精密仪器。这种从宏大叙事向个体化、近距离观察的转向，标志着欧洲管弦乐在思想深度和表现力上达到了新的高峰。结论：未完成的交响诗本书的结论部分将总结20世纪下半叶欧洲管弦乐在技术成熟度、结构复杂性以及表达深度上所取得的成就，并展望其对当前音乐创作的深远影响。这些作品共同构成了一部关于现代人精神状态的复杂文本，它们以其独特而微妙的方式，记录了音乐在动荡时代中不屈的探索精神。