中国现代美术全集

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出版者:中国建筑工业出版社
作者:中国现代美术全 委员会
出品人:
页数:189
译者:
出版时间:1998-05
价格:350.00元
装帧:平装
isbn号码:9787112033485
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
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  • 20世纪艺术
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具体描述

《中国现代美术全集:建筑艺术2》介绍1949年以后我国住宅建筑艺术。住宅作为人民大众的安居之所,其建筑艺术须体现亲切、活泼、宁静、大方的特性。《中国现代美术全集:建筑艺术2》精选了全国各地70个居住小区及小区内的住宅建筑实例,以200余幅精美图片,充分体现了现代住宅建筑艺术的魅力。难以计数的住宅,造型各界,色彩缤纷,令人美不胜收。作者还撰有精辟论文,全面阐述中国居住小区规划和住宅建筑设计的一般特点和艺术特色,分析了当代住宅建筑的外部形态和文化内涵。

中国古代绘画通史 内容简介 本书旨在系统梳理和深入剖析中国自史前至清末数千年间的绘画艺术发展脉络、流派风格、重要画家及其代表作品,构建一部详尽而富有洞察力的中国古代绘画通史。全书以时间为序,兼顾地域特色和题材演变,力求在宏观把握历史脉络的同时,深入探究具体作品的艺术价值与文化内涵。 第一编 远古的回响与先秦的萌芽 (约公元前 21 世纪以前 – 公元前 221 年) 本篇聚焦于中国绘画的源头活水。首先考察新石器时代彩陶上的几何纹饰与图腾符号,分析其与早期宗教观念和生产生活的关联。随后,深入探讨商周时期青铜器及漆器上的装饰性图像,如神话传说、宴饮狩猎场景的刻画,论及其作为早期叙事性绘画的雏形。春秋战国时期,礼乐制度的瓦解与思想的活跃,为艺术带来了新的活力。本篇将重点阐述帛画的出现,特别是长沙子弹库楚墓帛画,如何以其精湛的线条勾勒和丰富的想象力,展现了战国高超的写意精神和神鬼世界的构建。同时,也会梳理同期画像石、画像砖上的世俗生活和历史故事的描绘,为后世的画像艺术奠定基础。 第二编 秦汉的定型与魏晋风骨 (公元前 221 年 – 公元 589 年) 秦汉大一统的局面为艺术的规范化提供了条件。本篇首先分析汉代画像石、画像砖上对政治权力的宣扬、孝道伦理的刻画,以及对世俗生活(如轺车、农耕、宴饮)的写实描绘。通过对这些“通俗艺术”的分析,揭示汉代人对空间处理和人物造型的早期探索。 魏晋南北朝时期,玄学思潮兴起,个体精神的觉醒推动了绘画从“为功用”向“为艺术”的转变。本篇的核心在于探讨“顾恺之现象”。详细解读顾恺之的“传神写照”理论,并结合《洛神赋图》(摹本)等作品,剖析其如何将文学意境、哲学思考融入人物画,确立了中国人物画的基本规范。同时,分析南朝谢赫提出的“六法”理论,阐释其对后世绘画理论的深远影响。南北朝时期,佛教艺术的传入与本土化是重要议题,本篇将考察敦煌莫高窟早期壁画的演变,特别是西域画风与中原画风的融合过程,分析“秀骨清像”与“褒衣博带”的时代审美取向。 第三编 隋唐的盛世气象与多元融合 (公元 581 年 – 公元 907 年) 隋唐是中国绘画的黄金时代,国力的强盛与开放的文化政策,使得绘画呈现出前所未有的恢宏气势和丰富题材。本篇将分为几个关键部分: 1. 人物画的巅峰: 重点剖析吴道子“吴带当风”的线条技法及其对后世的影响。详述阎立本在历史人物画上的成就,及其对唐代政治史学的贡献。 2. 宗教艺术的辉煌: 深入分析唐代壁画(如永泰公主墓、吐鲁番阿斯塔那古墓)中人物衣饰、环境烘托的成熟,以及密宗曼荼罗等复杂题材的展现。 3. 山水画的肇始与人物画的世俗化: 讨论李思训、李昭道父子的“金碧山水”,分析其装饰性风格。同时,探讨张萱、周昉等画家对宫廷贵族生活(如《虢国夫人游春图》、《簪花仕女图》)的细腻描摹,展现盛唐的富丽与闲适。 第四编 五代宋元的转折与文人画的崛起 (公元 907 年 – 公元 1368 年) 这一时期是中国绘画史上最关键的转折点——山水画占据主流地位,文人画理论体系最终确立。 五代与北宋: 重点分析荆浩、关仝、李成、范宽等“北宋山水画四大家”的成就。解析范宽《溪山行旅图》中雄伟坚实的北方山势是如何建立起来的。探讨南唐董源、巨然如何开创江南“披麻皴”的温润笔法,为后来的“江南山水”奠定基础。人物画方面,苏汉臣、刘松年等院体画家的精工细致,与院外专业画家的写实并存。 南宋与院体绘画: 关注马远、夏圭的“边角式”构图,分析其如何以简练的笔墨表达南宋偏安一隅的文人情怀,即“一角、半边”的意境营造。 元代:文人画的彻底胜利: 深入探讨赵孟頫“复古”理论对元代画坛的指导意义。重点剖析“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙,如何将诗、书、画融为一体,确立了“写意”高于“写形”的美学标准。分析其以笔墨抒发隐逸情怀、抗争精神的复杂心理。此外,还将考察柯九思、赵原等人在花鸟画和竹石画领域对笔墨语言的拓展。 第五编 明清的流变与风格的再造 (公元 1368 年 – 公元 1911 年) 明清时期,绘画在继承传统的同时,呈现出强烈的地域分化和画派林立的局面。 明代: 1. 院体与浙派的继承: 讨论“浙派”戴进、吴伟,如何在继承南宋院体风格的基础上,发展出更为奔放的水墨风格。 2. 吴门画派的鼎盛: 详述以沈周、文徵明为代表的吴门画派如何将文人画推向成熟,强调其对“元四家”的继承与发展,以及对精致文人趣味的追求。 3. 中晚期探索: 考察董其昌的“南北宗论”对后世画史的巨大影响,分析其提倡董源、巨然以来的“文人笔墨”的正统地位。同时,关注以唐寅、仇英为代表的对世俗生活和工笔重彩的创新。 清代: 1. 正统与反叛的交织: 分析“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)如何以“集大成”的面貌,确立了清初官方推崇的正统画风,并从理论上巩固了董其昌的文人画体系。 2. 个性化表达的探索: 重点剖析“四僧”(弘仁、髡残、朱耷、石涛)的艺术成就。特别是石涛“一画论”与“我自用笔”的反叛精神,如何突破既有范式,为近现代艺术开辟了新的可能性。 3. 写实主义的回潮: 考察以冷枚、金廷标为代表的宫廷画家对精细描绘的坚持,以及恽寿平在花鸟画领域开创的“没骨写生”新风。 结语: 总结中国古代绘画在题材、技法、审美观念上的核心特征,探讨其如何与文学、哲学、社会制度紧密结合,形成一套完整而自洽的艺术系统,并展望其对近现代艺术的持续影响。 --- 本书特点: 理论与实践结合: 不仅罗列画家与作品,更深入剖析“笔墨精神”、“气韵生动”等核心理论的时代内涵。 图像学分析: 结合重要摹本与出土文物,进行细致的图像学考证,还原作品的历史语境。 宏大叙事与细节聚焦: 既有对朝代更迭、画派兴衰的宏观梳理,也有对关键笔墨技法(如皴法、点苔)的微观解读。

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坦率地说,我以前对这方面的书籍都提不起太大的阅读兴趣,总觉得要么过于学院派,充斥着我看不懂的术语;要么过于通俗,流于表面,缺乏深度。但这套书的文字风格着实令人耳目一新。它在保持学术严谨性的前提下,运用了大量的文学化描述,使得阅读过程本身成为一种享受。比如,在描述“乡土写实”在特定历史时期的使命感时,文字如同油画颜料般厚重而富有情感,既有对那个时代朴素情感的精准捕捉,又没有陷入无病呻吟的窠臼。更妙的是,它善于在平铺直叙中穿插一些极具洞察力的个人评论,这些评论不是武断的价值判断,而更像是一种智慧的提醒,引导读者去进行更深层次的反思。例如,作者对某一时期“形式探索”与“政治正确”之间微妙平衡的论述,寥寥数语,却掷地有声,直击问题的核心。读完后,我感觉自己不仅增长了知识,更重要的是,重新审视和定义了自己对“何为好的艺术”的理解。

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从纯粹的学术角度来看,这套书的考证工作量之大,简直令人难以置信。我特别留意了它在处理“文革”后艺术回归和转向时期的文献引用和注释系统,那份严谨程度是毋庸置疑的。许多过去鲜为公开展示或研究的档案资料被纳入其中,例如一些重要的展览筹备会议记录的片段,或者艺术家之间往来的私人信件摘录,这些一手材料极大地增强了论述的可靠性和深度。它没有满足于简单地罗列现象,而是致力于揭示艺术思潮背后的权力结构和知识生产机制。比如,它对“理性精神大讨论”的分析,不仅仅停留在思想交锋的层面,更剖析了知识分子群体内部的张力以及外部环境对这种讨论的制约和导向作用。这种多维度的解构,让原本晦涩的理论讨论变得清晰可辨,并且指向了更深层次的问题:艺术在社会转型期究竟应该扮演怎样的角色?我甚至感觉自己像是在参与一场跨越数十年的学术侦探工作,每翻开一页,都可能发现一个被历史尘封的重要线索。

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这套书的装帧设计实在令人眼前一亮,光是捧在手里就能感受到一种沉甸甸的历史厚度。我尤其欣赏它对早期现代艺术运动的梳理,比如对“新艺术运动”在中国的萌芽和曲折发展的论述,简直是抽丝剥茧,把那些模糊不清的过渡阶段描绘得清晰可见。特别是关于早期留法学生回国后,如何将学院派的严谨与本土的审美经验进行碰撞与融合的案例分析,简直是教科书级别的。作者似乎对那个时代艺术家的心境有着深刻的洞察力,不仅仅停留在对作品风格的描述上,更深入到社会背景和个人命运的交织之中。比如,有一章详细对比了两位同期留日艺术家的创作轨迹,一个倾向于民族主义的表达,另一个则更激进地拥抱西方现代主义的抽象,这种并置和对比的叙事手法,极大地丰富了我对“现代”这一概念在不同个体身上的复杂性的理解。书中的插图质量也堪称一流,很多早期作品的扫描件色彩还原度极高,一些珍贵的手稿和信件片段的展示,更是如同打开了一个尘封的宝箱,让我对那个时代的艺术生态有了更立体、更鲜活的认知。读完后感觉,这不仅仅是一部艺术史,更是一部关于中国文化如何在剧烈变革中寻找自身声音的宏大叙事。

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我是一个对中国当代艺术一直抱持着好奇但又时常感到一头雾水的普通爱好者。这套书的叙事节奏非常抓人,它没有一上来就抛出那些令人望而生畏的理论名词,而是非常巧妙地将观众带入到特定的历史情境中去体验艺术的发生。比如,关于上世纪八十年代初“星星美展”的描述,那段文字读起来简直像一部激动人心的历史剧,空气中仿佛都弥漫着那个时代艺术家的那种冲破束缚的呐喊和激情。它细致地还原了当时策展的困难、观众的反应,以及官方舆论的摇摆不定。比起枯燥的学院派断代史,这本书更像是一系列精彩的“现场报道”。更让我惊喜的是,它对地域性的艺术集群的关注,不像很多通史那样一笔带过,而是花了大量的篇幅去挖掘像“厦门达达”这样具有鲜明地方色彩和反叛精神的群体,分析了他们与厦门这座城市的独特关系。这种深入肌理的挖掘,让我明白了艺术的生命力往往源于最真实、最接地气的文化土壤。读这本书,就像跟一位学识渊博但又充满热情的老朋友聊天,他总能用最生动的故事,把复杂的艺术思潮讲得让你拍案叫绝。

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这本书的叙事视角非常开阔,它成功地摆脱了那种以单一中心论英雄的传统窠臼。我最欣赏的是它对女性艺术家群体,以及少数民族艺术实践的持续关注和系统梳理。在很多同类著作中,女性艺术往往是被边缘化或仅仅作为附属品出现的,但在这里,她们拥有了自己的独立篇章,而且分析得极为精辟。书中花了很大的篇幅来探讨这些女性艺术家如何在其创作中,悄然地、却又坚定地挑战着传统父权制的美学范式和性别角色定位。同时,对于二十世纪中后期,一些边疆地区艺术家的现代转型探索,也给予了足够的尊重和深入的解读,展示了中国艺术现代化的多元路径和不平衡的发展态势。这套书让我深刻体会到,所谓的“中国现代美术”,绝不是一条笔直的单行道,而是一个充满了岔路、回响和不同声部的复杂交响乐团。这种包容性和对“边缘”的积极回应,让整部作品的格局一下子提升到了国际艺术史的参照系下。

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卷8,建筑艺术2

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