Yayoi Kusama

出版者:Tate

作者:Midori Yamamura

页数:208

出版时间:2012-2-29

价格:$49.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9781935202813

具体描述

Yayoi Kusama is one of Japan's most famous living artists. Her originality, innovation and sheer drive to make art have propelled her through a career that has spanned six decades, encompassing painting, sculpture, printmaking, photography, collage, film and video, performance, installation and even product design. From the late 1950s to the early 1970s Kusama lived in New York, and was at the forefront of many artistic innovations in the city, becoming close with artists such as Donald Judd, Andy Warhol, Joseph Cornell and Claes Oldenburg, and influencing many others along the way. It was in these years that Kusama was dubbed "the Polka Dot Princess," for her obsessive use of polka dots in installations and happenings. Returning to Japan in her forties, she rebuilt her career, waiting years for the international recognition that she has recently achieved. Now in her ninth decade, Kusama's imagination remains fertile and productive, as she continues to devise dazzling installations and relentlessly hand-paints her ongoing series of minutely detailed figurative fantasy paintings. Accompanying the first major retrospective exhibition of the artist's work in the U.S., this volume features a wealth of works from all periods in Kusama's career, as well as essays by various international curators and critics, discussing Kusama's years in New York, her career after her return to Japan, her installation works and the psychoanalytic import of her art.

Yayoi Kusama was born in Matsumoto, Japan, in 1929. She left Japan for New York at the age of 28, following a correspondence with Georgia O'Keeffe, and was soon participating in the city's 1960s wave of happenings and avant-garde activities. In 1973, Kusama returned to Japan and began writing surrealistic novels and poetry. On November 12, 2008, Christies New York sold a work by her for $5.1 million, a record for a living female artist.

用户评价

这本关于草间弥生的书简直是视觉盛宴，装帧设计本身就充满了艺术气息，拿到手里就能感受到那种扑面而来的波点和无限镜屋的迷幻感。我本来以为这只是另一本平庸的艺术家传记，但翻开后发现，它以一种近乎诗意的语言，梳理了她从日本到纽约的漂泊与挣扎。作者没有过多地停留在对她“疯狂”的标签化解读上，而是深入探讨了她如何将内心的不安和幻觉转化为一种具有强大感染力的创作语言。特别是关于她早期与抽象表现主义大师们的交往，以及她如何在新兴的波普艺术浪潮中找到自己独特的定位，那些细节的描述非常到位，让我仿佛置身于上世纪六十年代曼哈顿那些充满实验精神的画廊中。书中对她如何平衡商业成功与艺术纯粹性的探讨也相当深刻，毕竟，很少有艺术家能像她一样，将自己的名字变成一个全球性的文化符号，同时又保持着创作的先锋性。阅读过程中，我不断被那种强烈的生命力和永不枯竭的创造力所震撼，感觉自己也被卷入了一个由圆点构成的宇宙。

对我而言，这本书最大的价值在于它对“草间弥生现象”的剖析，而不仅仅是对她个人的生平记录。在如今这个IP和个人品牌至上的时代，草间弥生无疑是最成功的“个人品牌”之一。作者深入探讨了商业世界是如何精准地捕捉到她作品中那种易于传播、适合社交媒体分享的视觉元素，并将其推向全球。书中有一段分析了她与路易威登的合作，探讨了这种顶级时尚与前卫艺术联姻背后的文化经济学逻辑，非常犀利。它让我开始思考，当我们狂热追逐那些无处不在的圆点时，我们到底是在消费艺术，还是真的在理解艺术家的核心表达？这本书没有给出简单的答案，而是提供了丰富的视角去供读者自己权衡。它迫使我重新审视那些被过度复制和商业化的艺术符号背后的原始冲动。

这本书的叙事节奏感极佳，读起来完全没有拖沓之感，就像在观看一场精心编排的戏剧。作者巧妙地运用了时间线索的跳跃，时而回到她童年时期在北海道的那些充满植物幻觉的经历，时而又立即切换到她在纽约街头进行“偶发艺术”表演的火热现场。这种穿插叙事手法，极大地增强了代入感和戏剧张力。我尤其喜欢那些对她作品展览现场环境的描述，文字的画面感极强，让你能想象出置身于她的“无限镜屋”中，那种既沉醉又略带眩晕的奇妙感受。更不用说，书中对她那些充满争议性的行为艺术的解读，没有用猎奇的眼光，而是将其视为对当时社会规范和艺术体制的一种强有力反抗。读完后，我对草间弥生这位女性艺术家的坚韧、叛逆和近乎殉道般的艺术追求，产生了更深层次的敬意。

这本书的选材和编排方式，展现出一种近乎偏执的严谨性。我注意到，它在引用外部资料和艺术评论时非常谨慎，每一个论断似乎都有坚实的文献支撑，这使得全书的论述充满了说服力。与其他探讨草间弥生的出版物相比，这本尤其注重挖掘那些被主流叙事忽略的侧面，比如她对绘画媒材的实验性探索，以及她对日本传统美学，如“物哀”精神的微妙运用。书中的插图选择也很有讲究，并非都是那些最知名的作品，而是穿插了许多研究性的、更具实验性质的草图和装置模型照片，这对于艺术研究者来说是极大的福音。整体阅读体验是那种被知识和美学力量层层包围的充实感，合上书本时，感觉自己对这位日本国宝级艺术家的认知，已经上升到了一个新的维度，不再停留于表面的波点崇拜。

我必须说，这本书在学术深度上做到了一个非常好的平衡。它没有沦为一本纯粹的“咖啡桌读物”，而是提供了扎实的艺术史背景和理论分析。比如，书中专门开辟了一个章节来解析“自我消融”这一核心概念，并将其置于战后日本文化和西方女性主义艺术思潮的交汇点来审视。作者对草间作品中重复性图案背后的心理学意义，以及她如何利用镜子和光线来解构传统绘画的空间感，进行了非常细致的文本分析。对于我这种对当代艺术理论比较感兴趣的读者来说，这一点尤为重要。我特别欣赏的是，作者没有回避讨论她晚年回到日本后的生活状态与创作模式的变化，而是坦诚地展示了一位伟大艺术家在不同生命阶段所面临的挑战和选择。书中收录的一些罕见的早期素描和手稿的清晰度也令人印象费解，它们揭示了那些标志性装置作品诞生前复杂的思维演变过程。

密集图

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