中国画

出版者:中国纺织出版社

作者:胡峥

页数:78

出版时间:1993-11

价格:11.00元

装帧:平装

isbn号码:9787506409063

具体描述

内容提要

本书为服装中专学校教材。书中系统地介绍了中国画的历史、

工具、技法等专业知识。结合服装专业的特点，介绍了中国画中人

物画和花鸟画的写生、创作和各种勾勒技法以及线描在时装画中

的运用。这是一本与服装专业结合得较好的美术基础教材。

本书有黑白插图34幅、彩图13幅。适合服装中专学生和社会

各界美术爱好者阅读。

目录信息

目录
第一章 概述
第一节 中国画与时装设计
第二节 中国画的分类
第三节 中国画的工具和材料
第四节 中国画的笔墨
第二章 花鸟画
第一节 花鸟画简史
第二节 花鸟画的分类
第三节 花鸟画的构图
第四节 花鸟画的设色
第五节 花鸟画的临摹
第六节 写意花鸟画法
第七节 花鸟画的写生与创作
第八节 花鸟画在服饰上的运用
第三章 线描人物画
第一节 线描人物画的历史演变
第二节 线描人物画的特点与作用
第三节 线描人物画的基本训练
第四节 线描人物画的表现技法
第五节 线描在时装画中的运用
· · · · · · (收起)

用户评价

我是一个偏爱西方油画的读者，这次是抱着“拓宽视野”的目的来接触这本专注东方艺术的著作的。 起初，我担心那些关于“皴法”“没骨”的描述对我来说会过于陌生和难以理解。 然而，这本书的处理方式，完美地弥合了不同艺术体系之间的理解鸿沟。 它没有假设读者是科班出身，而是采用了大量的对比分析法。 比如，它会把中国画中的“意境”与西方绘画中的“透视学”进行横向比较，不是为了贬低任何一方，而是凸显各自在空间处理上的哲学差异。 让我感到非常惊喜的是，书中收录了一部分近现代画家在面对西方艺术冲击时，如何寻求融合与创新的案例研究。 这种对历史脉络中“挣扎”与“蜕变”的记录，显得尤为真实和有力量。 它不再是高高在上的艺术史陈述，而是关于一群艺术家如何在时代洪流中坚守又如何寻求突破的生动故事。 此外，书籍的注释系统做得极其考究，许多专业名词旁边都附有清晰的英文对照或更通俗的解释，这对于像我这样习惯了另一套艺术词汇体系的读者来说，极大地降低了阅读门槛。 它成功地将深奥的东方艺术，以一种全球化、跨文化的视角进行了阐释。

这本书的装帧实在让人眼前一亮，那种带着淡淡墨香的纸张触感，一下子就将我的思绪拉回到了一种古典的氛围中。 封面设计上，那几笔遒劲却又灵动的写意山水，简直就是一首无声的诗。 随手翻开其中一页，映入眼帘的不是那种刻板的技法解析，而是大量高清的古代名家真迹扫描件，细节纤毫毕现，就连绢本上的轻微皴裂和晕染的层次感都能清晰捕捉。 我尤其喜欢其中关于“气韵生动”的章节，作者没有用那些晦涩难懂的术语去套用，而是通过对比不同朝代画家处理同一主题（比如松树或竹子）时的笔法差异，深入浅出地阐述了这种东方哲学的美学核心。 读到这里，我仿佛能感受到古人在挥毫泼墨时那种心手相应、物我两忘的境界。 很多传统艺术书籍会堆砌大量的历史年代和枯燥的流派划分，但这本的处理方式非常巧妙，它更像是一位经验丰富的老师，耐心地引导你进入画境，而不是强行灌输知识。 看到那些关于“留白”的论述时，我忍不住停下来，深思了很久。 那种“计白当黑”的智慧，体现的不仅是绘画技巧，更是中国人对虚实、有无之间辩证关系的深刻理解。 整体而言，这本书的排版疏朗有致，图文比例拿捏得恰到好处，读起来完全没有压力，反而是一种享受。 强烈推荐给所有对东方美学有兴趣，或者正准备拿起画笔，却不知从何下手的爱好者们。

这本书的阅读体验像是一场精心策划的文化之旅，它不是让你囫囵吞枣地看完，而是鼓励你慢下来，去“品尝”每一笔的重量和墨色的温度。 书中对我触动最深的是关于“师古与出新”的论述。 很多传统艺术教育往往在“师古”上花费了太多篇幅，导致学习者容易陷入刻板模仿的泥潭。 而这本书则花了极大的篇幅来探讨如何有意识地“出新”。 作者通过对历代大家在临摹前人作品后，如何融入自我情感、如何抓住时代精神并最终形成独特面貌的过程进行细致的剖析，为当代创作者提供了一条清晰的路径。 比如，分析了某位大家在描绘江南烟雨时，如何借鉴了北方山水的骨架结构，却用极其柔和的淡墨处理出那种湿润迷蒙的质感。 这种“取舍”的艺术，远比单纯的技法模仿要高妙得多。 此外，本书的配图选择非常独到，它们不仅仅是范例，更像是被作者精心挑选出来的“论据”。 每幅画作的选取都精准地服务于当前章节的论点，使得文字和图像之间形成了强烈的共振。 读完后，我感觉自己不再只是一个旁观者，而是被邀请进入了一个与古人对话的场域，它激发了我对自身创作表达的深刻反思和迫切实践的欲望。

说实话，我刚开始对这本“大部头”是抱着将信将疑的态度买的，毕竟市面上关于传统绘画的书籍汗牛充栋，真正能让人眼前一亮的作品并不多。 但这本书给我的震撼是立体的，它不像其他书籍那样仅仅停留在“描摹”和“模仿”的层面，而是深入到了“理解”和“超越”的维度。 它的论述结构非常新颖，没有采用传统的编年史叙事，而是围绕着“点、线、面”这三大构成要素展开，层层递进。 比如，在探讨“线”的运用时，作者列举了十八描、二十四种皴法，但关键在于，他没有简单地罗列，而是用现代的视觉语言去分析这些线条在不同情感表达上的差异——有的如钢筋般坚韧，有的似游丝般缠绵。 更让我觉得受用的是关于“用墨”的精妙剖析。 那种浓、淡、干、湿的渐变效果，在本书中被量化分析得极为透彻，甚至配上了显微镜级别的局部放大图，让你清晰地看到墨分五色是如何在宣纸上“呼吸”和“化开”的。 这对于我这种长期在水墨边缘徘徊，总觉得“差那么一点火候”的实践者来说，简直是醍醐灌顶的指引。 它不是教你怎么画得像，而是告诉你如何让你的“笔墨”具有生命力，这一点，至关重要。 这本书的深度和广度，绝非一般入门指南可以比拟，它更像是一本放在案头，可以随时翻阅、随时获得新启发的工具书和思想库。

这本书的阅读体验，用“沉浸式”来形容都略显保守了。 翻开书页，首先感受到的是一种对“材料”的敬畏。 无论是对徽墨的选材、研磨过程的细致描述，还是对宣纸在不同湿度下性能变化的观察记录，都展现出作者对这门艺术最本源的尊重。 它的文字风格极其沉稳有力，没有丝毫浮夸的辞藻，却能在平实的叙述中蕴含着巨大的信息密度。 我特别欣赏其中关于“取法自然”的部分。 作者引用了大量中国古代哲学家对于天地万物的观察记录，比如对云雾流动、山体岩层构造的描述，然后将这些自然现象与画家们如何将其转化为笔墨语言进行了完美的对接。 这让我意识到，中国画的精髓，从来不是凭空想象，而是对客观世界的深刻体验与主观情感的提炼。 读到中间部分，作者突然插入了一些关于古代文人精神世界的探讨，分析了“士大夫”阶层在创作时的心态变化对画风的影响，这极大地拓宽了我的视野，让我明白，要真正理解一幅画的价值，必须先理解它背后的社会文化土壤。 这本书构建了一个完整的知识体系，它不是零散的技巧堆砌，而是一张严谨的文化地图，指引着你探索东方美学的源头活水。