新漫画训练-综合篇

出版者:知识出版社

页数:0

出版时间:1998-11

价格:8.80

装帧:平装

isbn号码:9787501518784

用户评价

我一直以为自己对漫画的理解已经算不错了，毕竟也自学了几年人体结构和透视。然而，这本书在“人物情感的深度刻画”这一章里，简直是给我打开了一扇新的大门。它没有直接教你怎么画一个微笑或哭泣的表情，而是深入分析了眼神的“微动”如何传递潜台词，以及肢体语言在特定场景下会产生的歧义。有一节专门讲了“沉默的对白”，就是通过人物之间空间距离和姿态的不平衡感来营造紧张气氛，这个点我以前完全没意识到。我试着将这些理念应用到我正在画的一个对话场景中，结果完全不同了——人物不再是“站着说话”，而是通过微小的姿态变化，把他们内心的挣扎和未说出口的矛盾都表现出来了。这部分内容对我来说，简直是醍醐灌顶。当然，如果你只是想找一本教你如何快速画出Q版人物或者套用网点纸的工具书，这本书可能就不太适合了，因为它太强调“为什么”而不是“怎么做”的表层操作。

说实话，刚拿到手的时候，我有点被它的理论深度吓到了。我本意是想找一本能快速提高商业插画速度的书，这本书的内容显然不是那一挂的。它花了大量篇幅去探讨“视觉节奏的交响乐”，用音乐术语来比喻分镜之间的衔接和跳跃感。比如，如何通过连续的近景特写来制造压迫感，然后突然切换到一个开阔的远景来释放情绪，这个节奏的控制力，作者分析得极其细致入微。我尝试跟着书中的“三段式节奏变化练习”，发现自己过去的分镜流向确实过于平稳、缺乏高潮。它要求读者不仅要“看”画面，更要“听”画面流动的声音。对我这种习惯于“一格接一格”平铺直叙的作者来说，这是一个极大的挑战，但也是一个巨大的进步契机。它不提供现成的模板，而是提供一套让你自己设计“呼吸感”的底层逻辑。如果你追求的是效率和快速产出，这本书可能会让你觉得有点慢热和烧脑。

这本书的侧重点非常独特，它没有过多谈论具体的画技提升，而是专注于“创作者心智”的构建。其中有一段关于“如何面对创作瓶颈”的讨论，非常贴合我目前的处境。作者没有提供什么速效药，而是分析了瓶颈产生的心理根源——通常是源于对“完美”的过度追求和对读者反馈的过度敏感。他提倡一种“小步快跑、快速迭代”的创作哲学，鼓励创作者将自己的作品视为不断进化的草稿，而不是一次定型的成品。这种心态上的调整，比任何技巧讲解都来得更实在。我开始尝试用更放松的心态去对待初稿，反而更容易找到突破口。此外，书中关于知识产权和独立创作者的商业模式探讨也很有启发性，虽然篇幅不大，但提供了很多值得深思的行业现状分析。总的来说，这是一本适合给已经掌握基本功、但对自己的创作方向感到迷茫的成熟画师阅读的“心法”之作，而不是给零基础入门者的“操作手册”。

这本书的装帧设计真的没得说，封面那种磨砂质感，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是用心做的。我本来是冲着某个特定领域的技巧去的，结果翻开后发现，它更像是一本艺术史的速览，探讨了从早期手冢治虫到近几年独立漫画家的风格演变脉络。里面有好多关于“线条的张力”和“构图中的留白艺术”的理论分析，讲得非常深入，甚至引用了古典油画的一些构图原则来解释漫画叙事。虽然对我当前最需要的那个快速上手的技巧帮助不大，但我完全被它那种宏大的视野吸引住了。作者对不同流派的理解非常透彻，他能清晰地指出，比如北条司的写实风格和浦泽直树的叙事节奏，在本质上是如何服务于他们各自的故事内核的。我花了好几个下午，只是对照着书里的案例图，尝试去模仿那种情绪的捕捉。感觉读完之后，我看待漫画作品的角度都提升了一个层次，不再是单纯地看故事，而是去解构背后的视觉语言系统。唯一的遗憾是，对于一些前沿的数字绘图技术和软件操作，它提及得比较少，更侧重于基础的、跨时代的视觉原理。

这本书的排版和用纸质量实在太棒了，那种厚重的铜版纸，让所有彩插的色彩还原度都极高，特别是对高光和阴影的处理，对比度非常干净。内容上，我最欣赏的是它对“世界观构建”的系统性梳理。它不是零散地介绍几个有趣的设定，而是提供了一个从零开始建立一个自洽世界观的方法论。从地理环境对文化的影响，到这种文化如何反过来塑造人物的审美和行为模式，形成了一个严密的逻辑闭环。我正在构思一个科幻题材的长篇故事，过去总是陷入设定的自我矛盾中，但读完这部分后，我学会了用更全局的视角去设计规则，确保故事发展不会因为设定的漏洞而崩塌。书里还附带了一个详细的“世界观检查清单”，非常实用，可以直接拿来套用自己的项目。虽然这本书在具体的分镜设计上讲得比较简略，但就对“深度叙事基础”的奠定而言，它的价值是无可替代的。