青绿山水技法

出版者:人民美术出版社

作者:宇文洲

页数:89

出版时间:1999-2

价格:23.00元

装帧:平装

isbn号码:9787102019666

具体描述

《青绿山水技法》主要记述了我国的传统绘画有着悠久的历史，历代画家为我们留下了灿烂多彩的宝贵遗产·各流派、各画种如涓涓清泉，汇成浩瀚的民族传统长河，中国青绿山水画便是其中的一条支流。青绿山水在中国山水画里比起水墨山水起源要早，但随着水墨画的兴起和文人画的成熟，青绿山水画遭到贬抑和歧视。然而，不论是历史还是现在，青绿山水在各个历史时期都留下了灿烂篇章，熠熠发光。

中国画的历史传统流传至今天，时代发生巨大变化，各种流派与各类画种互相借鉴、共同发展，而不是互相排斥、互相贬低。我们只要端正学习态度。不论学习哪个画种，都是有益的。

为了发扬中国青绿山水画，我们要了解青绿山水画的过去，了解其发展过程，了解现在，才能更好地发展中国青绿山水画。

用户评价

让我印象深刻的是，书中关于色彩的运用部分，讲解得尤为透彻。青绿山水之所以得名“青绿”，便是其对色彩的强调和大胆运用。作者并没有止步于简单的色彩堆砌，而是深入浅出地阐述了如何在水墨的基础上，巧妙地融入矿物质颜料，创造出那种既典雅又不失明艳的色彩效果。他详细解释了如何调配青、绿、蓝等色彩，以及如何运用“染”和“罩染”的手法，使得色彩层次丰富，富有立体感。我之前一直觉得青绿山水虽然色彩鲜亮，但有时会显得过于平面化，而这本书则纠正了我的这一误解。作者通过案例分析，展示了如何运用不同厚度的色彩，以及色彩之间的搭配和过渡，来营造出山水的空间感和深度。这让我认识到，色彩在山水画中不仅仅是装饰，更是表达情感和塑造意境的重要手段，这对我理解和实践青绿山水技法起到了至关重要的作用。

我非常赞赏这本书的编排方式。它没有将所有内容一股脑地倾倒给读者，而是有条不紊地循序渐进。从基础的笔墨运用，到山石的勾勒，再到树木、云水、人物的描绘，每一个环节都讲解得非常清晰。书中穿插了大量的作品示范，这些示范作品风格各异，但都充分展现了青绿山水的独特魅力。作者还对这些示范作品进行了深入的解读，分析了其中的构图、用笔、设色等方面的特点，让我能够从大师的作品中学习到更多的东西。我感觉自己就像是在跟一位经验丰富的老师学习，他不仅传授技法，更重要的是，还在引导我如何去观察、去感受、去思考。

在学习山水画的过程中，我一直对如何表现树木的姿态和质感感到困惑。不同的树种，如松、柏、柳、梅，都有其独特的生长形态和笔法表现。这本书在这方面提供了非常详尽的指导。作者从树干的勾勒，到枝叶的描绘，再到不同季节树木的特征，都进行了细致的阐述。我特别喜欢其中关于“树石穿插”的讲解，如何将树木与山石巧妙地结合在一起，形成疏密有致、虚实相生的画面效果。书中展示了许多不同角度、不同姿态的树木画法，让我能够直观地感受到树木的生长逻辑和生命力。而且，作者还强调了根据树木的生长环境来调整其形态，例如山间的苍劲古松，水边的依依垂柳，这些细节的描绘，都让画面更加生动真实。我感觉自己仿佛跟着作者一起，在山间漫步，观察着每一棵树的生长姿态，学习如何将它们的形态跃然纸上。

书中还包含了一些关于工具和材料的介绍，这对于初学者来说非常实用。作者详细说明了不同种类毛笔的特性，如狼毫、羊毫、兼毫，以及它们在绘画中的不同用途。对于墨和纸的选择，他也给出了很多中肯的建议，并解释了不同墨色和纸张质地对画面效果的影响。我之前一直对这些细节不太在意，总是随便拿来用，而看了这本书之后，才意识到工具和材料的选择对于绘画作品的最终呈现有多么重要。作者鼓励我们要“因材施教”，根据不同的画面效果和个人习惯，选择最适合自己的工具和材料。这种细致入微的指导，让我觉得这本书不仅仅是教授绘画技巧，更是全方位地引导读者进入绘画的世界。

在细节的处理上，这本书同样做得非常出色。例如，关于“皴法”的讲解，作者不仅仅列举了披麻皴、斧劈皴、解索皴等常见皴法，还详细说明了每种皴法的起源、特点以及在不同山石上的运用。他强调了“用笔要有法，也要无碍”，这意味着在遵循技法规则的同时，也要有自己的创造和变化。我尤其喜欢书中关于“飞白”的运用，那种似断非断、力透纸背的笔触，能够极大地增强画面的表现力。作者还介绍了如何根据山石的材质和纹理，选择合适的皴法，以及如何通过墨色的变化和晕染，来丰富山石的质感。这些细节的讲解，让我感觉自己仿佛置身于一个大师的画室，亲眼目睹着画作是如何一步步完成的。

在翻阅过程中，我发现作者在讲解技法时，并没有一味地堆砌概念，而是将复杂的步骤分解得极其细致，并且配以大量的写实性图例，让你能够清晰地看到每一步的操作痕迹。比如在描绘山石的皴法时，作者并没有简单地列出几种皴法的名称，而是详细解释了每种皴法是如何模仿自然界山石的纹理，以及在运笔时需要注意的力度、速度和角度。我尤其喜欢其中关于“点景”的讲解，那些看似随意却又恰到好处的点缀，无论是人物、屋舍还是树木，都为画面增添了无限的生机和故事感。作者的描述非常具象，仿佛我能听到笔尖在纸上摩擦的声音，看到墨色在晕染中产生的微妙变化。我还注意到，书中不仅有对传统技法的传承，也融入了一些现代的视角和理解，这使得这本书既有厚重的历史积淀，又不失当代的创新精神，这对于我这样希望在学习传统艺术的同时，也能找到个人表达方式的爱好者来说，是极为难得的。

除了技法和构图，这本书对山水画中“意境”的阐释也让我受益匪浅。中国山水画并非对自然景物的简单模仿，而是艺术家情怀的寄托和精神世界的表达。作者在讲解技法时，始终贯穿着对“意境”的追求。他用充满诗意的语言，描述了如何通过笔墨的浓淡干湿、色彩的明暗冷暖，来传达出山水的灵气和画家内心的感受。我喜欢他对于“气韵生动”的阐释，这不仅仅是画面技法的娴熟，更是画家对生命和自然的深刻体悟。书中引用了一些古代画论和诗词，将绘画与文学、哲学巧妙地结合起来，让我感受到中国传统文化的博大精深。这不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于如何感受自然、理解艺术的书籍。

总而言之，这本书带给我的不仅仅是绘画技法的提升，更是一种对中国传统山水画艺术的全新认识。它让我明白，青绿山水并非仅仅是色彩的堆砌，而是笔墨、色彩、构图、意境等多种元素的和谐统一。作者的讲解深入浅出，既有理论的高度，又有实践的可操作性。我真心推荐这本书给所有对中国山水画感兴趣的朋友，无论你是初学者还是有一定基础的爱好者，都能从中获益匪浅。它就像一位引路人，带领我走进了一个充满东方美学意境的世界，让我能够更好地去欣赏和创作属于自己的山水画。我迫不及待地想拿起画笔，去实践书中所学，将那些心中对山川的感悟，通过青绿的色彩，在纸上生动地展现出来。

这本书在构图方面也提供了非常宝贵的见解。在我看来，好的构图是画面的骨架，能够决定画面的整体美感和信息传达。作者并没有提供僵化的构图模板，而是从“意境”出发，讲解了如何根据创作的主题和想要表达的情感，来安排画面中的景物。他深入分析了中国山水画中常见的“三远法”，即高远、深远、平远，并解释了不同构图方式所能带来的视觉感受和意境差异。我尤其对书中关于“虚实相生”和“留白”的讨论很感兴趣。作者指出，画面中的留白并非空无一物，而是“计白当黑”，是画面重要的组成部分，能够引发观者的想象，营造出深远的意境。这让我对构图有了更深层次的理解，不再仅仅是景物的堆砌，而是对空间和意境的经营。

这本书的装帧设计就如同其名一般，充满了东方古典的韵味。封面采用了一种深邃的青绿色调，那种颜色不是那种刺眼的翠绿，而是如同雨后初霁，山峦间弥漫着淡淡的雾气，透着一股沉静而悠远的气息。纸张的质感也相当考究，触手温润，散发着淡淡的书香，让人忍不住想捧在手里细细品味。我拿到这本书的时候，就仿佛走进了一幅展开的画卷，期待着在其中寻觅那些山川的灵魂。它不仅仅是一本关于绘画技法的书，更像是一扇窗，让我得以窥探中国传统山水画的奥秘。我之前也接触过一些绘画相关的书籍，但往往内容过于枯燥，或者讲解过于晦涩，让人望而却步。而这本书给我的第一印象，便是它的亲切和引导性。我迫不及待地翻开第一页，想知道作者是如何将那些复杂而精妙的山水意境，通过文字和图例的方式展现在我面前的，尤其是那些被称为“青绿山水”的技法，它们是如何在纸上焕发出如此鲜活的生命力的，这一点尤其让我好奇。