王遽常章草千字文

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出版者:上海书画出版社
作者:本社编
出品人:
页数:22
译者:
出版时间:2003-7
价格:6.0
装帧:平装
isbn号码:9787806725962
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《云山问道:宋代文人山水画的诗意与哲思》 一、引言:水墨氤氲中的精神家园 自宋代以降,中国山水画以其独特的审美情趣和深邃的哲学意蕴,成为文人艺术的最高典范之一。它并非对自然景物的简单摹写,而是一种“卧游”的境界,是画家内心山河的投射,是“可行、可望、可游、可居”的理想图景。《云山问道:宋代文人山水画的诗意与哲思》一书,旨在深入探究这一时期山水画的艺术特征、思想渊源及其对后世的深远影响。我们聚焦于宋代文人如何将儒家的“达则兼济天下,穷则独善其身”与道家的“天人合一,顺应自然”融入笔墨之中,在水墨的氤氲与留白之间,构建起一个既超脱世俗又饱含人文关怀的精神家园。 二、溯源与奠基:北宋的宏大叙事与“外师造化” 北宋(960-1127年)是中国山水画发展的鼎盛时期,其特征是气势磅礴、结构宏大,体现出宋代统一帝国对秩序和全景式的渴望。本书首先梳理了五代遗风对北宋画坛的直接影响,特别是荆浩、关仝、李成等人的“全景式”山水构建法。 2.1 巨碑式的山体与理学思潮的交织: 我们着重分析了范宽的《溪山行旅图》。范宽的巨石和峻岭,并非仅仅是地理景观的描绘,而是融入了宋代理学关于“理”与“气”的探讨。山体坚实、结构严谨,反映了儒家对宇宙秩序的认知。书中将通过对画作中苔点、皴法(如“雨点皴”)的细致解读,揭示其如何传达出一种近乎宗教般的崇高感和敬畏心。 2.2 郭熙的“可行、可望、可游、可居”: 书中将重点剖析郭熙及其画论《林泉高致》。郭熙将山水画的审美体验提升到了实践哲学的层面。我们探讨了“三远法”(高远、深远、平远)在郭熙笔下如何转化为一种可供观者在想象中漫游的空间序列。这种对“居游”体验的强调,体现了宋代士大夫在官场失意后,转向自然寻求慰藉的文化心理。 2.3 李唐与刘松年的过渡:从院体到文人化的张力 北宋末年,院体画的精细写实与逐渐兴起的文人笔墨趣味之间产生了张力。李唐的画风开始显露出更粗犷、更具个性的笔触,这预示着审美趣味从追求“形似”向追求“意似”的转变,为南渡后的文人画发展埋下了伏笔。 三、南渡后的转向:南宋的内敛、诗化与“墨戏”的萌芽 靖康之变后,偏安江南的南宋(1127-1279年)士人阶层在政治上遭受重创,其艺术表达也随之转向内省、精微和抒情。《云山问道》的第二部分聚焦于这种文化上的“回溯”与“深化”。 3.1 马远与夏圭:诗意的裁剪与“一角半边” 马远和夏圭被称为“马一角、夏半边”。本书认为,这种构图上的大幅度减省,并非技艺上的不足,而是高度成熟的审美取向。它模仿了诗歌的“跳脱”和“留白”,将空间压缩到极致,迫使观者将注意力集中于被描绘的有限空间,从而激发无限的联想。我们将分析其如何体现道家“虚实相生”的辩证思想。 3.2 文人画的自觉与“胸中丘壑”的彰显: 南宋后期,以姜夔、赵孟頫(早期影响)等为代表的文人对“笔墨”本体的关注日益增强。我们考察了士人如何通过对皴法、用墨的个人化处理,使画作成为辨识作者身份的“签名”。这种对笔墨语言自身的尊重,标志着中国山水画彻底从“画科”向纯粹的“文人艺术”的蜕变。 四、笔墨中的哲学:儒释道的融合与“境”的建构 宋代山水画的深层魅力在于其融合了儒家的伦理规范、道家的逍遥思想和禅宗的顿悟之机。 4.1 儒家:中正平和的秩序感 在北宋的山水中,无论山势多么雄伟,整体构图往往保持着一种中轴对称的稳定感,这与儒家推崇的“中庸之道”和稳定的社会秩序观紧密相关。 4.2 道家:空寂与自由的追求 留白(空白)在宋画中具有至关重要的本体论意义。它不仅是未画之处,更是“气”的运行空间,是观者灵魂得以栖居的“虚空”。道家追求的“致虚极,守静笃”,在水墨的空寂中得到了最直观的体现。 4.3 禅宗:瞬间的觉悟与直指人心 禅宗“不立文字,教外别传”的思想,影响了南宋院体对瞬间意境的捕捉。一束穿透云雾的光线,一叶停泊于水面的扁舟,都可能成为促使观者顿悟的“机缘”。 五、结语:超越时空的艺术遗产 《云山问道》最后总结了宋代山水画对元、明、清画坛的决定性影响,特别是对“四王”以及后世“金陵画派”的遗产传承。宋人的笔墨实践,不仅确立了中国绘画史上以“意境”为核心的审美标准,更提供了一种面对动荡世界时,心灵自处的哲学路径。通过对这些山水画的细致解读,读者可以领略到宋代文人士大夫如何将个人的生命体验,提升为一种具有普遍意义的艺术语言。

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深入阅读后,我不得不佩服作者在资料搜集和考证上的严谨态度。书中引用的各种参考范例,其出处标注得极其清晰准确,每一个细节的推敲都体现了深厚的学养。这对于那些希望深入探究源流的读者来说,简直是一座宝库。它不仅仅提供了一套规范的练习方法,更提供了一个可以沿着它深入探索的学术路径。很多历史上的流派争论,作者都能以一种公正而又富有洞察力的角度进行梳理和评述,既保留了历史的复杂性,又为读者指明了理解的关键点。这种尊重历史、精益求精的治学精神,贯穿全书,让读者对书中所授的知识充满了信心。

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这本书的文字内容对于初学者来说,无疑是一部极佳的入门指南,但即便是对于有一定基础的爱好者,也能从中汲取到不少新的启发。作者在行文布局上展现了极高的条理性和逻辑性,从基础的笔画结构剖析,到复杂字体的演变脉络,层层递进,循序渐进。尤其欣赏它对“意韵”的探讨,不满足于生硬的技法讲解,而是深入挖掘了书写背后所蕴含的情感表达和时代精神。阅读过程中,我常常停下来,仔细揣摩那些深入浅出的对比分析,那种豁然开朗的感觉,远胜于枯燥的临摹练习。这种将理论深度与实践指导完美结合的写作手法,使得整部作品既有学术的严谨性,又不失亲切的引导性,真正做到了“授人以渔”的教育理念。

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从实际练习的角度来看,这本书的结构设置非常人性化,充分考虑到了不同读者的需求。它没有一味地要求读者一开始就追求完美的形体,而是巧妙地将练习内容分成了若干个可以快速见效的模块。初期的练习侧重于稳定性和节奏感,让人能在短时间内建立起自信心;而后期则逐步引入了对气韵和速度的控制。最实用的一点是,它还提供了一些针对日常书写效率的实用建议,这使得这本书不仅仅局限于案头艺术的范畴,更是融入了现代生活的方方面面。这种实用性与艺术性的完美结合,使得它能够长久地留在我的书架上,而不是束之高阁,成为一本可以随时翻阅的“常备良方”。

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这部书的装帧设计真是让人眼前一亮,从触感上就能感受到作者对传统文化的敬意。纸张的选择带着一种沉稳的历史感,那种略微粗粝却又细腻的质地,仿佛能透过指尖触摸到古人的笔墨痕迹。封面设计没有过多的花哨,而是用一种内敛的墨色调,配上精妙的篆刻印章,整体散发出一种典雅的书卷气。更值得称赞的是,内页的排版布局非常讲究,留白恰到好处,既保证了视觉上的舒朗,又凸显了主体内容的清晰度。装订方式也非常扎实,即便是经常翻阅,也能保持书脊的平整,看得出在制作工艺上的用心。对于一个喜欢收藏实体书的读者来说,光是捧着它,就已经是一种享受。这样的用心制作,无疑提升了阅读的仪式感,让人在翻阅时,更能沉浸于文字带来的美学体验之中,而不是仅仅停留在信息获取的层面。

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阅读体验的舒适度,很大程度上依赖于作者的叙事风格。这部作品的笔调实在是太迷人了,它不像某些专业书籍那样板着脸孔说教,而是像一位经验丰富的长者,娓娓道来,充满智慧的引导。那种平实却又蕴含深意的语言,让人感觉作者并不是在“教”你,而是在“分享”他多年的感悟和心得。在描述一些技巧难点时,他总能找到一个绝妙的比喻,将抽象的笔法具象化,让人茅塞顿开。我尤其喜欢其中穿插的一些关于古代文人墨客的书写小故事,它们不仅调剂了阅读的节奏,更重要的是,让读者明白了书法不只是技艺,更是一种生活态度和精神寄托。这种温度感,是冰冷的技术手册所无法比拟的。

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