视觉语汇解读

出版者:上海画报出版社

作者:朱迪思·怀尔德

页数:191

译者:王群

出版时间:2003-8

价格:68.0

装帧:平装

isbn号码:9787806851661

具体描述

本书为当前世界上最受欢迎的平面设计教材之一，全书记录了19种极富挑战性的视觉设计练习和1000余种学生提供的设计方案，每个问题都为学习设计了练习纸、详细分析和要特别注意的地方。本书所强调的设计原理包括想像空间、正负图形对比以及局部选取原理。运用本书的方法，可以在创新和独到见解方面获得很多锻炼。由于实用和设计种类的丰富，《视觉语汇解读》一书必将受到探索视觉设计领域中全新方法的学生、教师和专业人士欢迎。

本书是最新从美国引进的设计书，为当前世界上最受欢迎的平面设计教材之一，全书记录了19种极富挑战性的视觉设计练习和1000余种学生方案。

本书设计的问题旨在讨论以下这些话题：个人的角度对问题进行重新评估，通过从已知的东西到未知的东西来进行自我提问，鼓励用概念来发展技巧而不是反过来做，发现设计的原则而不是直接教给学生让他们记住，最后发现解决问题的个性化、概念化的方法，这些问题是给初学者们设计的，目的是教授平面设计的最基本原理，同时鼓励个人创造和个性化设计方法，对每个问题的各种不同解决方法反映了设计方案的多样性和解决问题的 各种潜在因素。

本书中大多数任务需要几种解决方法，其目的是帮助学生拓展解决问题的能力，打破局限，强调探索的必要。

为方便检索和美观版式，本书中译本中设计作品的作者一律使用原文。

用户评价

这本书的引人入胜之处，还在于它对“失语”和“沉默”在视觉传达中的独特见解。作者认为，在充斥着信息噪音的当代世界，真正的力量往往存在于那些被刻意压制或遗忘的视觉领域。他举例分析了非主流艺术、民间手工艺，乃至一些被官方历史抹去的图像片段，是如何在无声中积蓄着反抗的能量。这部分的讨论风格相对感性，夹杂着一种对“真实”的追寻和对“被遮蔽之美”的同情。作者似乎在强调，视觉的“语汇”不仅包括那些被清晰定义的“词汇”，更包括那些喑哑的、模糊的、处于边缘地带的“方言”。他描述了一种“考古式”的视觉研究方法，鼓励读者去挖掘那些被主流叙事所忽略的图像碎片，并尝试理解它们在特定历史语境下的意义。这种对“非中心化”视角的推崇，使得全书的视野一下子开阔了许多，它不再局限于主流艺术殿堂的讨论，而是将目光投向了更广阔、更具生命力的社会肌理之中，读起来有一种在探索未知宝藏的激动人心感。

这本书给我的最大冲击在于它对“图像生产力”的强调。作者似乎对那些仅停留在“欣赏”层面的讨论不屑一顾，他更关注图像是如何被制造出来，以及这些制造过程背后隐藏的权力结构和经济动机。书中有一部分内容专门分析了广告视觉的演变历史，不是简单地罗列成功的案例，而是深入剖析了不同时代背景下，资本如何通过操纵视觉符号来塑造消费欲望的心理机制。作者的分析方法相当解构主义，他会把一个看似美好的商业海报，层层剥离，直到揭示出其最底层的意识形态支撑。例如，书中对“完美肤质”这一视觉标准的批判就极为深刻，他不仅指出了这种标准的非自然性，更揭示了这种标准如何被持续工业化地复制和贩卖，从而构成了一种隐形的社会压力。这种“不讲情面”的剖析，让原本轻松愉悦的视觉消费行为，蒙上了一层严肃的反思色彩。读完后，我发现自己看任何商业宣传时，都会不自觉地带入一种“侦探”的眼光，去寻找那些隐藏的“脚本”和“意图”，这种心智模式的转变，是这本书带给我最实际的收获。

我对这本书的整体评价是，它提供了一种全新的观察世界的方式，特别是它对“日常符号”的解构，着实让我大开眼界。例如，书中花了大量篇幅分析我们习以为常的交通标志，是如何在极简的图形中嵌入了复杂的安全指令和文化默契。作者的笔触非常犀利，他指出，很多时候我们对这些符号的理解已经固化，失去了对其“生成过程”的思考，从而错失了理解文化深层逻辑的机会。我特别喜欢其中关于“视觉惯性”的一段论述，作者认为，长期暴露于某种固定的视觉模式下，会形成一种认知上的惰性，使得我们对创新性的视觉表达变得麻木不仁。为了打破这种惰性，书中提供了一套非常实用的“反向观察法”，鼓励读者有意识地去质疑那些约定俗成的视觉规则，比如，如果把所有日常物品的颜色都颠倒过来会发生什么？这种思维训练非常有益，它迫使我跳出舒适区，去审视那些被忽略的细节。阅读过程中，我不断地停下来，拿起手机或者环顾四周的物品，试图用作者提供的新工具去重新审视它们，那种探索未知的兴奋感是其他许多读物难以给予的。

这本书的语言风格颇具哲学思辨的味道，并非那种简单直接的教学手册，更像是一场关于“观看”本质的对话。作者的句式结构复杂多变，时而长句连绵，引经据典，将视觉理论与存在主义哲学相勾连，时而又突然蹦出一些极度简洁有力的断言，让人措手不及。我尤其欣赏作者在论述中展现出的那种深厚的跨学科功底，他毫不避讳地引用了现象学、符号学，甚至还有一些神经科学的理论来佐证自己的观点，这使得整本书的论证深度远超一般市面上流行的“视觉赏析指南”。比如，在讨论“凝视”与“被凝视”的关系时，作者引用了福柯的“全景敞视主义”概念，并将其映射到当代社交媒体中个体形象的构建与展示上，这种跨越时空的对比，既有学术上的严谨性，又充满了对现实的批判力度。虽然某些段落的阅读速度会慢下来，需要反复咀嚼才能完全消化其含义，但这种智力上的挑战感恰恰是这本书的魅力所在，它要求读者不仅仅是知识的被动接收者，更是积极的思考参与者。

这本书的装帧设计确实很吸引人，封面采用了大胆的色彩碰撞和抽象的几何图形，初看之下有些费解，但细细品味，却能感受到其中蕴含的某种节奏感。内页纸张的质感也相当不错，摸上去有种温润的触感，配合着清晰的排版，阅读体验无疑是加分的。我记得其中有一章专门探讨了光影在叙事中的作用，作者似乎非常推崇早期默片时代那种纯粹依赖视觉语言来构建情感张力的手法，甚至引用了好几个具体的电影片段进行分析。那些分析深入浅出，将复杂的视觉元素拆解成最基本的构成，比如线条的走向、物体的遮挡如何影响观众的预期，以及色彩饱和度对情绪的微妙调控。特别是关于“留白”的讨论，作者强调了非视觉信息的重要性，认为有时“不呈现”比“过度呈现”更能激发读者的想象力，这种观点在当今信息爆炸的时代显得尤为珍贵。整本书的论述结构逻辑性很强，从宏观的视觉语法梳理到微观的符号解析，层层递进，让人感觉仿佛在进行一场结构严谨的学术漫步，即便涉及到一些晦涩的艺术史知识，作者也总能找到恰当的比喻来加以阐释，使得即便是初涉此领域的人也能跟上思路，不至于感到迷失。

正到无得弹！！~

正到无得弹！！~

正到无得弹！！~

很好~

正到无得弹！！~