中国画历代名家技法图典 - - 花鸟编(上中下)

出版者:上海书画出版社

作者:郑名川

页数:908

出版时间:2003-8

价格:380.00元

装帧:精裝本

isbn号码:9787806725337

具体描述

世界上恐怕没有哪一种绘画能像中国画那样，具有一套流传有绪、体系完备而又灵活多变的图式规范，无论赫赫大师还是莘莘学子，都无法绕开这套图式规范而取得成功。可以说，历代国画名家既是图式的创造者，也是图式规范的承传者，正是承传和创造的完美结合，才使他们赢得了中国发展长链上富有意义的一环。也正因如此，中国画教学采取了迥异于西方的“课徒”方式，既通过先临摹后变革、先接受后理解、先专一能后兼多方的“以法致道”之途径，来训练培养新一代国画家。

　　然而，受历史条件和思想方法所限，人们往往拘囿于非常有限的家数甚至一家一派的狭隘圈子子，使得这种教学方式的应变性很小，成才率极低。如今，随着现代印刷术的普及，人们虽能看到大量的画册和课徒稿，但由于画册比原作缩小了许多倍，无法看清细部技巧，课徒稿则沿袭着一家一派的教学方式，致使大多数人仍然对传统缺乏全面深入的了解，未能将发展基点建立在深厚博大的基础上，而容易滑向一味迷信传统和轻易否定传统的两个偏隘立场。

　　有鉴于此，我们从历代名画中选取最有代表性的各种程式技法，分类汇编成册，并尽可能放大印刷，昭示其微妙的局部细节，以冀读者对各家各派的法式风貌及其源流演变有一个总体的认识和把握，从而有效地鉴古知今，厚积薄发，博采众长，自成一家。不言而喻，本书对文物鉴赏家、美术史论工作者以及一般文化研究人士，也有一定的参考价值。

目录信息

花卉法
（一）牡丹类
（二）梅花类
（三）桃杏类
（四）茶花类
（五）玉兰类
（六）栀子类
（七）蔷薇类
（八）芙蓉类
（九）榴花类
（一○）绣球类
（一一）杜鹃类
（一二）紫蘅类
（一三）夜合类
（一四）桂花类
（一五）海棠类
（一六）荷花类
（一七）葵花类
（一八）芍药类
（一九）菊花类
（二○）水仙类
（二一）兰蕙类
（二二）秋海棠类
（二三）萱花类
（二四）百合类
（二五）罂粟类
（二六）紫藤类
（二七）牵牛类
（二八）豆花类
（二九)玉簪类
（三○）石竹类
（三一）凌霄类
（三二）鸡冠花类
· · · · · · (收起)

用户评价

坦白讲，初次接触这类巨著，很多人可能会被其庞大的信息量所压倒。我最初也有过这样的感觉，觉得这些历代名家的经验实在太过丰富，自己穷尽一生可能都无法企及。但随着阅读的深入，我逐渐领悟到这套书的真正用意并非是要求我们成为“全能型”画家，而是提供一个广阔的参照系。它像是一个博物馆的导览手册，告诉你每一个展品背后的“创作哲学”。比如，在谈到画竹时，它并没有强行统一“竿”与“叶”的画法，而是将文人画的“写竹”与院体的“写实”进行了清晰的区分，并分别列举了黄山谷的韵味和赵孟頫的骨法用笔。这种尊重艺术个体差异的态度，极大地解放了我的创作思想。它让我明白，技法是为表达服务的，不同的时代背景、不同的个人心性，自然会催生出不同的笔墨语言。它教会我的不是“标准答案”，而是如何根据自己的性情，在传统技法的广阔谱系中，找到最适合自己的那条道路。

这套书的装帧和图版质量，也值得我着重提及，这直接影响了阅读体验和对技法的辨识度。毕竟，学习中国画，尤其是对笔墨细节的把握，对图版的清晰度和色彩还原度要求极高。我接触过很多印刷效果平庸的画册，那些墨色的层次感和线条的粗细变化在低劣的印刷下几乎完全丢失，沦为模糊的色块。但《花鸟编》的上中下三册，无论是对工笔的细腻线条的还原，还是对写意大写意中浓墨与飞白效果的处理，都做到了令人惊叹的精准。尤其是在处理一些需要大量水墨晕染、依靠纸性来完成的“天趣”效果时，这套书的图版几乎完美复刻了原作的韵味。这种高规格的制作，不仅是对前人艺术的尊重，也是对我们这些学习者的尊重。它确保了我们在临摹和学习时，能够最大程度地接收到画家原始的笔墨信息，避免了因印刷失真而产生的误导，这一点在技法图典中，是至关重要的基石。

说实话，当我第一次捧起这套书的时候，我的第一反应是“过于专业了”，甚至有些望而生畏。毕竟，现在的学习者大多习惯于那种节奏快、图文并茂、即学即用的速成手册。然而，这套图典的编排逻辑，却坚持了一种近乎学院派的严谨性。它不是简单地告诉你“怎么画”，而是告诉你“为什么这么画，以及前人是怎么画出来的”。举例来说，书中对“勾勒”这一基础技法的阐述，就用了好几页篇幅，分别对比了唐代双勾填彩的细密如发丝的线条，与明清文人画中那种“一笔而就”的洒脱线条的差异。它甚至不厌其烦地展示了不同笔锋在不同纸张（生宣、熟宣、皮纸）上洇化的效果差异，这对于真正想在技法层面有所突破的人来说，是无价之宝。我个人最喜欢的是它在介绍某些经典作品时，会用放大镜式的局部解析，将那些看似随意的笔触，解构为“提、按、顿、挫”的运笔轨迹。这种深度剖析，让我对“气韵生动”不再是停留在口头上，而是能从具体的笔墨语言中找到支撑点，这比单纯模仿造型要深刻得多。

这套书的“体量感”是惊人的，但这种体量感恰恰是它价值的体现。我发现，它更像是一部工具书，而非一蹴而就的教材。我不会从头到尾把它读完，而是更倾向于根据我当前正在攻克的绘画主题或技法难点，去翻阅相应的篇章。比如，最近我试图攻克写意花卉中“墨分五色”的微妙变化，我便直接找到了关于清初“四王”之后，一些没落画派对墨色层次的细致处理那一节。里面的图例清晰地展示了在同一笔墨中，如何通过控制水分和墨粉的比例，在纸上自然地形成“焦、浓、重、淡、清”的变化。更妙的是，它不是枯燥地展示结果，而是附带了对这种墨法在特定环境下（如湿度、温度）的注意事项的提示。这就像是拥有了一位亦师亦友的、经验丰富的前辈在身边随时指导，能够及时纠正我这种初学者容易陷入的误区。这种针对性的参考价值，让它在我的画案上占据了极其重要的位置，几乎成了我绘画时的“案头必备”。

这套《中国画历代名家技法图典——花鸟编（上中下）》的出现，无疑是为我们这些痴迷于传统花鸟画的爱好者和探索者带来了久违的福音。我记得我是在一个偶然的机会下，在一家颇具年代感的旧书店里发现了它。当时，书脊上那种沉稳的色彩和烫金的字体就立刻吸引了我。翻开第一册，那种扑面而来的历史厚重感，就让人知道这绝不是市面上那些走马观花式的教学资料能够比拟的。它更像是一部详尽的“武功秘籍”，而不仅仅是简单的教程。尤其让我惊喜的是，它没有局限于某一个流派或某一位大家，而是横跨了从唐宋到近现代的漫长历史，犹如一条清晰的时间轴，将历代名家的精髓娓娓道来。随便翻到一页，映入眼帘的便是对某一种花卉——比如工笔的牡丹，或是写意的梅花——其不同时代、不同画家所采用的皴、擦、点、染技法的细致对比。这种深入到笔墨肌理的剖析，远超出了我们以往在其他画谱中看到的粗略介绍。它让你明白，同样是画荷叶，徐渭的阔大酣畅与潘天寿的雄浑苍劲，其用墨的浓淡干湿、下笔的速度和力度，甚至是他对“气”的理解，是如何构建出截然不同的艺术效果的。这种精微的比较和演示，极大地拓宽了我的眼界，让我真切体会到中国画“师古而不泥古”的精髓所在。

细节图与局部，近现代有点多，我倒不后悔买它，只是太重，用完就寄回（寄回去放生。。。

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