戴敦邦白描观音宝相谱

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出版者:
作者:戴敦邦
出品人:
页数:40
译者:
出版时间:2003-9
价格:88.00元
装帧:
isbn号码:9787806851685
丛书系列:
图书标签:
  • 戴敦邦
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具体描述

戴敦邦先生一九七九年随中国美术家协会代表团去敦煌莫高窟朝观,被宗教艺术的无比辉煌和宗教的无穷感化力而深深震撼,五体投地。后来他有机会应家乡父老之邀,为镇江西津故渡观音阁碑廊作观音三十二变相图,供勒石刻碑,一则是应当地佛教信众信仰之需,二则更因西津故渡乃历史上重要的长江渡口,彼处留下许多沧桑古迹,是自然与人文景观旅游的极好景点。戴敦邦以宗教艺术信徒的赤诚之心与对故乡父老的回报之情来绘制三十二图。他不讳言这些图稿是在学习汲取前人艺术创造的基础上绘成的,承继先辈的菁华是自然的香火延续。最终刻碑完成的观音三十二变相图,可谓戴敦邦先生与勒石艺人共同劳作的成果。

《莲花净土:中国绘画中的观音意象》 自古以来,观音菩萨在中国文化中便扮演着至关重要的角色,她的慈悲、智慧与救苦救难的精神,深入人心,化为无数动人的艺术形象。从佛教传入中国,到其本土化演变,观音的形象随着时代的发展和地域文化的融合,呈现出丰富多彩的艺术风貌。《莲花净土:中国绘画中的观音意象》一书,正是以此为脉络,深度剖析中国绘画史上观音菩萨的演变轨迹,呈现这位东方圣母的千年流变,从印度佛教的最初描绘,到唐宋的雍容华贵,再到明清的世俗化亲切,直至近现代的多元创新,勾勒出一幅波澜壮阔的观音艺术画卷。 本书并非简单地罗列历代观音绘画作品,而是试图通过对不同时期、不同地域、不同画派观音形象的细致解读,揭示其背后所蕴含的佛教思想、社会文化、审美观念以及艺术家们的情感寄托。我们将在书中探索观音形象从最初的男性化、威严相,如何逐渐演变为大众所熟知的女性化、慈祥相;追溯其作为“海上观音”、“送子观音”、“鱼篮观音”等不同化身的出现及其艺术表现;审视不同材质(壁画、卷轴、册页、木版年画等)与不同技法(工笔、写意、白描等)如何塑造出千姿百态的观音形象。 开篇:神祇的种子——观音在印度的早期形象及其东渐 在介绍中国绘画中的观音之前,有必要回顾观音菩萨在佛教发源地印度的形象。本书将从佛教经典的记载出发,探讨观音菩萨最初的意义和象征,以及其在印度绘画和雕塑中的早期形态。通过对《悲华经》、《法华经》等重要经典的梳理,我们将了解观音“观世音”之名的由来,以及其“寻声救苦”的宏大誓愿。随后,将以历史学和艺术史的视角,分析观音形象如何随着佛教的传播,一路东行,抵达中国,并逐渐在中国文化的土壤中扎根。这一章节将为理解观音在中国绘画中的发展奠定坚实的基础。 第一章:初识东方神韵——魏晋南北朝至隋唐的观音造像与绘画 佛教传入中国伊始,观音的形象便开始与中国本土的艺术审美相融合。魏晋南北朝时期,受到佛教艺术的直接影响,观音形象多继承了印度犍陀罗艺术的风格,呈现出庄严、典雅的面貌。本书将深入研究这一时期的壁画(如敦煌早期壁画)和佛教造像,分析观音的服饰、姿态、面容等特征,并探讨其与当时社会对神圣形象的期待之间的关系。 进入隋唐盛世,随着佛教的鼎盛,观音的形象也更加丰富和多元。唐代绘画在继承前代的基础上,展现出更为成熟和写实的技法。敦煌壁画中的观音形象,如“观音菩萨像”、“十一面观音菩萨像”等,不仅描绘了观音的庄严法相,也开始融入唐代女性的审美特征,展现出雍容华贵、丰腴秀美的仪态。本书将详细分析唐代名家(如阎立本、吴道子等)在观音绘画中的贡献,以及当时佛教思想对观音形象塑造的影响。 第二章:法相的升华与世俗的亲近——宋元时期的观音绘画 宋代是中国绘画史上的一个高峰,观音绘画也达到了一个新的高度。宋代的观音形象,一方面在继承唐代的基础上,更加注重细节的刻画和情感的表达,营造出宁静、祥和的氛围;另一方面,随着宋代哲学思想的兴起,观音形象也更加贴近人间,展现出更多的慈悲和温情。本书将重点介绍宋代名家(如李公麟、梁楷等)所绘的观音形象,分析他们如何通过精湛的笔墨,将观音的内在美与外在美融为一体。 元代是汉族文化与蒙古文化交融的时期,观音绘画也呈现出新的特色。藏传佛教的影响在元代观音绘画中有所体现,使得观音形象在某些方面更显神秘和威严。同时,一些汉族画家的观音作品,则在写意手法上有了新的突破,更加注重精神的传达。本书将探讨元代观音绘画的地域差异和风格流变,以及艺术家们如何在不同文化背景下进行创作。 第三章:凡尘的化身与大众的母亲——明清时期的观音艺术 明清时期,观音菩萨的世俗化进程进一步加速,其形象更加贴近民间生活,成为深受大众喜爱的“送子观音”、“鱼篮观音”、“滴水观音”等。这一时期的观音绘画,无论是在宫廷画院,还是在民间版画中,都展现出浓郁的生活气息和丰富的情感色彩。本书将详细考察明清时期各种类型的观音绘画,包括文人画中的高逸之姿,市民艺术中的生动活泼,以及佛寺壁画中的庄重肃穆。 明代画家如唐寅、仇英等,他们的观音作品,在继承传统的同时,也融入了个人风格,或清雅脱俗,或率意洒脱。清代观音绘画则在承袭明代的基础上,进一步发展,涌现出大量优秀的观音题材作品。特别是版画艺术中的观音形象,由于其广泛的传播性,对大众产生了深远影响。本书将深入分析明清观音绘画的艺术手法、题材选择及其在民俗信仰中的地位。 第四章:新生与蜕变——近现代的观音形象探索 进入近现代,随着中国社会变革的加剧和东西方文化的交流,观音的艺术形象也发生了新的变化。一些艺术家开始尝试以更现代的视角和手法来表现观音,将传统意象与现代审美相结合,赋予观音新的生命力。同时,随着佛教的复兴和文化遗产的保护,对传统观音绘画的研究和传承也日益受到重视。本书将关注近现代艺术家们在观音题材上的探索,分析其艺术风格的创新与突破,以及观音形象在当代社会中的新解读。 第五章:技法与象征——观音绘画的艺术语言 除了对观音形象的演变进行梳理,本书还将深入探讨观音绘画的艺术语言。我们将分析不同画派、不同时期艺术家们所使用的绘画技法,如工笔重彩的细腻描绘,水墨写意的挥洒自如,白描的简练传神,以及设色的变化运用。同时,也将解读观音绘画中常见的象征符号,如莲花、净瓶、杨枝、宝珠等,它们各自所代表的意义,以及如何共同构建出观音菩萨的佛教内涵和精神境界。 结语:千年莲华,慈悲永恒 《莲花净土:中国绘画中的观音意象》一书,旨在为读者提供一个全面、深入了解中国观音绘画的窗口。通过对不同历史时期、不同艺术风格、不同表现手法的梳理与分析,我们不仅能欣赏到千姿百态的观音形象,更能体悟到佛教思想在中国文化中的渗透与发展,以及艺术家们对慈悲、智慧、救赎等永恒主题的不懈追求。本书希望能够引发读者对观音菩萨这一独特文化符号的深刻思考,感受其跨越时空的艺术魅力与精神力量。

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与其他描绘神佛题材的画集相比,这本册子的独到之处在于其展现的“人情味”与“仙气”之间的完美平衡。画中的形象虽然尊贵,却从不显得遥不可及或高高在上。大师的笔触中,似乎融入了对人间疾苦的深刻关怀,使得这些神圣的形象更具普世的感染力。比如某几幅作品中,观音菩萨的眼神处理得极为巧妙,既有洞察一切的智慧,又不失对众生的怜悯与温柔。这种“入世”的慈悲感,使得观赏者在面对这些图像时,更容易产生心灵上的共鸣,而非仅仅是膜拜。对比那些线条僵硬、程式化的古代摹本,这本册子中的作品显然更具有鲜活的生命力与时代精神。它成功地将传统题材进行了现代性的转化,让千年不变的经典形象,焕发出了新的审美价值。这对于我们理解当代艺术如何与传统对话,提供了绝佳的范本。

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这本画册的装帧设计真是别出心裁,光是拿到手摩挲着那略带纹理的封面,就已经能感受到一种扑面而来的古韵和庄重。纸张的选择也极其考究,不像有些画册那样用那种光亮的铜版纸,而是选用了较为柔和的哑光纸,使得墨色的层次感得以充分展现,即便是细微的线条也显得格外清晰有力。我特别欣赏它在排版上的匠心独运,每一页的留白都恰到好处,既突出了主体形象的艺术感染力,又给予了观者足够的喘息空间去细细品味画中神韵。尤其值得称赞的是,印刷的精细度极高,即便是大师那些极其纤细、几乎如同发丝般的白描线条,也忠实地再现了原作的风貌,没有丝毫的模糊或断裂。这让我感觉自己仿佛真的站在了原作前,能触摸到笔尖与纸张摩擦时留下的那份情感与功力。这不仅仅是一本画册,更像是一件经过精心打磨的艺术品,无论是收藏还是日常翻阅,都能带来极高的精神享受。翻阅过程中,那种对艺术的敬畏感油然而生,可见出版方在制作过程中倾注了多少心血。

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初翻此册,最直观的感受就是对这位艺术大师笔下“意象”的深度捕捉。这些画作并非是匠气十足的写实摹写,而是充满了画家个人独特的情感投射和精神世界的表达。我尤其注意到,在处理人物的面部表情和体态上,线条虽然极简,却蕴含着千言万语。那些微微上扬的嘴角、或低垂的眼睑,无一不透露出慈悲、宁静,甚至带着一丝难以言喻的东方哲学韵味。白描的魅力就在于此,它剔除了色彩的干扰,将一切精髓凝聚于点、线、面的交织之中。翻阅时,我常常会停下来,尝试去“读懂”画家每一根线的走向——它们如何构建出衣袂飘举的动感,如何勾勒出光影的微妙变化。这需要观者有相当的耐心和对传统水墨精神的理解,但一旦进入状态,便会发现其中蕴含的巨大能量。这种“空”而能“满”的艺术手法,是许多当代画家难以企及的境界。

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我花了好几天的时间,几乎是逐页、逐线地去研究这些作品的结构和布局。最让我感到震撼的是其章法的疏密得当。在一些需要强调气势和空间感的作品中,画家巧妙地运用了“计白当黑”的技法,让空白部分如同有生命一般,与墨线形成了一种张弛有度的对话关系。这种留白并非是“没有画”,而是“留给观者想象的空间”。它使得整个画面不仅仅是线条的堆砌,而是一个完整的宇宙场域。在细节处理上,我发现某些衣褶的转折处,几乎是用笔尖的“飞白”完成的,这种看似随意的几笔,却精准地概括了布料的质地和受力点,体现了画家极高的控笔能力。这种对线条的极致运用,已经超越了单纯的技法层面,而上升到了对生命形态的哲学提炼。翻阅到最后,我甚至感觉到自己的呼吸节奏都被这些画作的韵律所引导和调整了。

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如果说有什么遗憾,那可能就是这样高质量的艺术作品,总是让人意犹未尽。我希望未来能有更详尽的导读附注,哪怕是关于某些特定手势(印相)的文化内涵解读,或者对创作年代的考证分析,都会极大提升普通读者进入作品深处的门槛。不过,话说回来,或许正是这种克制的、不加赘述的呈现方式,才更符合白描艺术本身的气质——让作品自己说话。这本册子无疑是当代中国画坛的珍品,它展示了中国传统艺术在当代语境下依然拥有的强大生命力和无限可能。它不仅仅是视觉上的享受,更是一次对东方美学精神的深刻洗礼。对于任何热爱中国传统艺术,尤其对线条艺术有深入研究兴趣的人来说,这都是一本值得反复摩挲、时时品味的案头佳作。合上书页时,心中涌现的,是对艺术永恒魅力的深深敬意。

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非常好

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有一天要画出自己脑中那个水月观音裱起来

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