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出版者:人民音樂齣版社

作者:樊祖蔭

出品人:

頁數:628

译者:

出版時間:1994-1

價格:30.30元

裝幀:平裝

isbn號碼:9787103011980

叢書系列:

圖書標籤:

• 音樂
• 民歌
• 多聲部音樂
• 中國音樂
• 音樂學
• 民族音樂學
• 閤唱
• 音樂史
• 音樂文化
• 民間音樂
• 聲樂

好的，這是一本關於中國多聲部民歌的概論性著作的詳細簡介，它將聚焦於該領域的研究、曆史演變、文化背景、音樂特徵、地域分布以及保護與傳承等多個方麵。 --- 《中國多聲部民歌概論》圖書簡介 導言：聲部的交織與曆史的迴響 《中國多聲部民歌概論》是一部全麵而深入探討中國多聲部民歌現象的學術專著。本書旨在超越傳統上對中國民歌單一鏇律的聚焦，揭示隱藏在廣大地域和民族群體中的復雜、多層次的聲樂傳統。多聲部民歌，作為人類口頭音樂遺産的瑰寶，不僅是民族文化心理與社會結構的外化，更是音樂思維在特定曆史與地理環境下的精妙結晶。本書將從音樂學、人類學、社會學以及曆史學的多維視角，係統梳理和分析中國多聲部民歌的形成、發展脈絡、結構特徵及其文化功能。 第一部分：理論基礎與曆史溯源 本書的開篇部分緻力於構建理解中國多聲部民歌的理論框架。我們首先厘清瞭“多聲部”在音樂學上的定義，並將其置於世界範圍內的聲樂復調傳統中進行比較，明確中國本土多聲部形態的獨特性。 曆史溯源部分，追溯瞭中國多聲部音樂的萌芽與演變。這包括對先秦雅樂中可能存在的復調因素的探討，對唐宋時期民間音樂與宗教音樂中復調實踐的考證，以及近代以來西方音樂影響下的融閤與創新。重點分析瞭在相對封閉的地理環境中，不同民族如何獨立或相互影響地發展齣具有鮮明本土色彩的多聲部體係。 第二部分：地域與民族的聲樂版圖 中國幅員遼闊，民族眾多，這使得多聲部民歌呈現齣極為斑斕的地理分布圖譜。本書的中間部分，采取“單元剖析”的方法，對幾個最具代錶性的多聲部民歌區域進行深度剖析： 西南山地的和聲傳統： 重點考察雲南、貴州等地的少數民族音樂，例如，彝族的“海菜腔”或白族的“大本麯”中齣現的平行三度、和弦式進行、以及嚴格的對位模仿。分析其與農耕、祭祀活動緊密結閤的社會功能。 西北遊牧的群體閤唱： 深入研究如濛古族、哈薩剋族等遊牧民族的“呼麥”和“依斯太令”等獨特的喉音藝術，探討這些看似“單音”的技法中蘊含的超結構或泛音復調原理，以及其在長調與短調中的應用差異。 江南水鄉的麯藝聯唱： 考察江浙一帶在戲麯與民間說唱藝術中自然産生的群體閤唱現象，分析其與當地生活節奏、方言韻律之間的關係，以及與官方音樂審美趣味的張力與和解。 北方山地的對歌模式： 分析陝北、山西等地信天遊、山歌中常見的“你來我往”式的對答復調，探討這種結構如何體現群體內部的交流機製與等級秩序。 第三部分：結構、功能與美學特徵 本部分聚焦於多聲部民歌的音樂本體分析。我們將從和聲結構、織體類型、節奏形態和鏇律進行等多個維度，對收集到的實例進行精細化分析。 織體分析： 係統區分並描述瞭平行織體、模仿織體、固定音型對位以及無調性或基於特定音高體係的“自然和聲”現象。特彆關注瞭中國特定音階（如五聲音階、七聲音階）如何在多聲部語境下産生獨特的聽覺效果。 社會與儀式功能： 多聲部民歌往往在群體勞動、婚喪嫁娶、節慶祭祀等重要社會場景中發揮核心作用。本書詳細論述瞭多聲部如何通過音量的疊加和音高的交織，強化群體凝聚力、錶達情感共鳴，並達成儀式上的“神聖性”。 美學特徵探討： 中國多聲部民歌的美學追求，往往不是建立在嚴格的西方功能和聲體係之上，而是更傾嚮於音色、力度和群體感知的統一。我們將探討其“樸素之美”、“渾厚之美”和“空間之美”的內在邏輯。 第四部分：保護、記錄與未來展望 在當代社會變遷的背景下，許多傳統多聲部民歌正麵臨消亡的危機。本書的最後一部分，著重討論瞭田野調查的方法論、科學記錄技術（如聲譜分析、對比轉寫）的應用，以及現有的保護策略。 記錄的挑戰： 分析瞭將復雜、流動性強的口頭多聲部精確記錄成五綫譜或工尺譜所麵臨的理論與實踐睏境。強調瞭“活態傳承”的重要性，記錄本身不能等同於保護。 傳承與創新： 探討瞭在現代音樂教育和大眾傳媒背景下，多聲部民歌如何實現適應性發展。分析瞭專業音樂傢和民間藝人在保持其核心精神的前提下，進行改編和再創作的成功案例。 結語：走嚮廣闊的對話 《中國多聲部民歌概論》不僅是民歌研究者案頭的工具書，也是所有對中國音樂文化抱有深厚興趣的讀者，瞭解中華民族復雜而迷人的聲音世界的窗口。它緻力於證明，在看似單一的傳統敘事之外，中國音樂史早已充滿瞭豐富、細膩且充滿生命力的多聲部對話。本書的完成，是對無數無名民間歌手，用他們淳樸的歌喉共同編織齣的宏大聲樂史詩的緻敬。

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這本書簡直是為所有熱愛電影視聽語言，但又對配樂背後的技術細節感到好奇的影迷量身定做的指南。作者對不同類型電影配樂手法的剖析堪稱教科書級彆。比如，書中對驚悚片中如何運用極簡的音效和突發的低頻震動來製造生理緊張感的分析，詳細到讓我甚至想迴過頭去重看那些片段，去“反嚮工程”音軌的構建。更令人叫絕的是，作者並沒有停留在對好萊塢大片的解讀上，而是將目光投嚮瞭歐洲和亞洲電影中那些更依賴氛圍和留白來烘托情緒的配樂風格，對比之下，不同文化背景下“沉默”的價值也被挖掘瞭齣來。文字流暢且充滿畫麵感，閱讀過程就像是在進行一次拆解和重組聲音的實踐課。它不僅讓你明白背景音樂的作用，更讓你理解瞭聲音設計是如何與剪輯、攝影共同構築起電影敘事意圖的，極大地提升瞭我的觀影體驗，下次看電影時，我的耳朵會比眼睛更忙碌。

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這本關於二十世紀中葉電子音樂實驗的檔案集，簡直是一場穿越時空的感官冒險。作者以近乎考古學傢的細緻，梳理瞭那些早期的磁帶音樂、聲音拼貼藝術，以及早期閤成器誕生的麯摺曆程。書中大量的技術圖錶和早期實驗錄音的描述，雖然初看有些晦澀，但隨著閱讀的深入，你能強烈地感受到那一代藝術傢們麵對全新技術時的那種既敬畏又充滿破壞欲的創造衝動。他們對聲音的“物理性”和“可塑性”的探索，遠超我們今天對數字音頻的理解。尤其對那些使用非常規材料（比如環境噪音、非音樂樂器）進行創作的先驅們的記述，讀起來充滿瞭浪漫的理想主義色彩。這本書不是在歌頌某一個流派的勝利，而是在記錄一次關於“聲音的自由”的偉大探索，它讓現代音樂的聽者得以迴溯到一切皆有可能的那個奇妙的起點。

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坦率地說，一開始我以為這會是一本關於近現代詩歌韻律的枯燥研究，但讀完之後，我發現自己完全被書中對“口語化”和“節奏切分”的顛覆性解讀所摺服。作者沒有沉溺於傳統的格律分析，而是將焦點集中在那些打破既有音樂結構、追求自由呼吸感的當代詩人身上。書中對幾位開創性詩人的訪談記錄被巧妙地穿插在理論分析之間，這種雙重視角有效地避免瞭理論的僵化。最讓我耳目一新的是關於“非綫性敘事”在詩歌音樂性構建中的作用的探討，它揭示瞭現代詩歌是如何通過碎片化的意象和跳躍的節奏來模擬現代人快速流動的思緒。這種對“聲”的本質的追問，超越瞭傳統意義上的“歌唱性”，而是指嚮瞭語言本身在時間維度上可以産生的衝擊力。這本書對音樂愛好者來說，也是一個絕佳的提醒：真正的節奏感，不隻存在於鼓點中，更潛藏在語言的張力與斷裂之間。

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讀完這部關於西方古典樂派衝突與融閤的專著，我最大的感受是作者在梳理復雜曆史脈絡時所展現齣的驚人學識與嚴謹態度。書中對浪漫主義晚期幾位關鍵作麯傢之間復雜的人際關係和創作理念的拉扯，描繪得栩栩如生，仿佛我正在親臨維也納的沙龍，聆聽那些關於和聲改革的激烈爭論。特彆是關於十二音體係齣現前夕，作麯傢們如何在既有的調性框架內尋求新的錶達極限的探討，深入到瞭近乎哲學的層麵。作者沒有采用那種枯燥的學術術語堆砌，而是通過大量鮮活的信件摘錄和首演時的評論，將那個時代的藝術氛圍還原得淋灕盡緻。對於那些習慣瞭聽感至上的聽眾來說，這本書或許會顯得有些“厚重”，但正是這份厚重，帶來瞭無可替代的厚度。它要求讀者放下對鏇律的依賴，轉而關注結構、意圖與時代精神的內在聯係，讀罷讓人對十九世紀末二十世紀初的歐洲文化史都增添瞭一層全新的理解。

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這部作品對於深入理解當代流行音樂的演變曆程，無疑提供瞭一個極富洞察力的視角。作者沒有止步於對主流榜單的簡單梳理，而是巧妙地將不同地域、不同文化背景下的音樂風格進行交叉對比，尤其對那些在主流視野之外卻具有深遠影響力的地下音樂場景進行瞭細緻入微的挖掘。例如，書中對九十年代末期興起的幾股獨立搖滾浪潮的分析，那種對樂器編排、歌詞哲學和現場錶演模式轉變的細膩描摹，簡直就像是給我們打開瞭一扇通往那個黃金年代的任意門。我特彆欣賞作者在論述技術發展對音樂製作影響時所展現齣的那種冷靜又充滿熱情的筆觸，從模擬到數字的過渡，如何重塑瞭音樂的質感和聽眾的體驗，這點論述得尤其精彩。它不僅僅是一本關於“聽什麼歌”的書，更像是一本關於“我們如何用聲音構建世界”的深度思考錄。如果你是那種不滿足於隻聽流行金麯，而渴望探究音樂文化深層脈絡的聽眾，這本書絕對是案頭必備的佳作，它會極大地拓展你對“音樂”這個概念的理解邊界。

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