高等音乐

出版者:中央音乐学院

作者:杨鸣 编

页数:222

出版时间:2004-1

价格:36.00元

isbn号码:9787810960526

具体描述

本教程在吸取其他教程的基础上，具体突出两大特色：1.它是一套循序渐进的教学用书。我们到各地讲学，发现很多偏远地区的老师在教材的选配上出现了很多问题，如一本“拜厄”或“车尔尼599”弹到底，很少选用其他相应教材搭配弹奏。而使用本教程，学生和老师可以通过曲目安排和教学提示，达到综合多种教材于一体的目的。

2.它又是一本具体、简明、实用的教学方法用书。本书在编写过程中，由二十余名有几十年丰富教学经验的老教师经过认真细致的商讨选定曲目，并为每一首曲目撰写了简明精练的演奏提示。一些院校的青年教师自身有很好的演奏水平，但在教学方法上缺少经验，他们可以爱过本书的教学提示，充分吸收众多老教师的经验，以便完善自身教学的各个环节。

总之,一套教程解决所有钢琴演奏及教学中出现的问题是不可能和不现实的.三百年来,从法国的拉莫到现在为止,出版了成千上面种钢琴教材,没有一本“全能”教材能一下解决所有的问题。这套书的出版，是针对目前中国各级音乐院校的状况而编写的，我希望它的出版会对目前钢琴课教学有所裨益。

用户评价

我花了整整三个周末才啃完这本著作的前半部分，坦白说，它的内容密度高得令人发指，但这种“高密度”并非指空泛的理论堆砌，而是对每一个概念都进行了近乎偏执的深度剖析。作者的叙事逻辑如同精密的瑞士钟表，层层递进，环环相扣，从最基础的音高关系开始，逐步搭建起宏伟的音乐结构大厦。最让我印象深刻的是他对“动机发展”这一核心概念的论述，他没有满足于教科书式的定义，而是引入了大量的历史实例，从巴赫的赋格到勋伯格的十二音体系，跨越了几个世纪的思考脉络都被梳理得井井有条。阅读过程中，我频繁地需要停下来，不是因为困惑，而是因为被作者的洞察力所震撼，忍不住要回溯前文，重新印证某个论点是如何被严谨地推导出来的。这不像是在阅读一本教材，更像是在跟随一位经验老到的导师进行一次长达数十小时的、不容分神的深度对话，每一个论断背后都凝结着数十年甚至上百年的学术沉淀。

我必须承认，初读这本书时，我感到了一丝挫败感，这可能源于我自身的知识背景储备不足，或者说，这本书对读者的预设知识水平要求确实偏高。它似乎是写给那些已经对基础乐理和和声学有相当掌握的进阶学习者或专业人士的。书中频繁引用了大量非主流音乐史的片段和一些晦涩的德文或法文术语，虽然作者在脚注中努力进行了解释，但那种跳跃式的知识点衔接，仍然对读者的背景知识构成了不小的挑战。有那么几章，我感觉自己像是在攀登一座陡峭的冰山，每一步都需要全神贯注，稍有松懈就会滑落。然而，一旦我调整好心态，把它当作一本可以“反复咀嚼”的工具书，而不是一本可以“一口气读完”的小说时，它的价值才真正显现出来。每当我遇到实际创作中的瓶颈，翻开它，总能找到某个被我遗忘的、但此时却异常关键的理论支点来支撑我的思考，这种“回望印证”的过程，极其宝贵。

这本书的装帧设计简直是艺术品，拿到手里沉甸甸的，那种厚实的纸张和精美的封面纹理，光是抚摸就能感受到出版方对内容本身的尊重。我尤其喜欢它字体选择的考究，那衬线体的典雅和字号的适中，让长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这对于动辄数百页的专业书籍来说，简直是福音。装帧上的那一抹低调的金色装饰，像是对古典音乐殿堂的某种致敬，而不是浮夸的炫耀。当然，外在的精致只是敲门砖，真正让我惊喜的是它内文的排版布局。章节之间的过渡处理得非常流畅自然，图表的插入位置精准得令人拍案叫绝，很少有教材能做到将复杂的理论结构用视觉语言表达得如此清晰。比如，当我翻阅到介绍某个复杂和声进行的部分时，作者巧妙地用不同粗细的线条来区分主旋律与对位声部，这种用心，让原本晦涩难懂的知识点瞬间变得立体和可操作起来。我甚至舍不得在上面做过多的笔记，生怕破坏了这件“印刷品”的整体美感，这大概是我最近读过所有专业书籍中，在物质呈现上最令人愉悦的一本了。

这本书给我的最大感受是其彻底的“去神秘化”倾向。许多音乐理论书籍总喜欢用一种高高在上、仿佛掌握了某种“秘传”的口吻来讲解，让初学者望而却步，仿佛音乐的精髓是某种天赋异禀才能触及的玄学。然而，这本书完全没有这种架子。作者似乎有一种强烈的愿望，就是要将那些看似高深莫测的音乐现象，用最朴素、最结构化的方式拆解开来，展示其内在的逻辑必然性。他处理复调织体时的那种冷静和精确，如同在进行一场严谨的数学推演，而不是感性的艺术创作描述。例如，在讲解调性体系的瓦解时，作者没有急于批判或赞美，而是冷静地列出“功能缺失”的客观后果，然后引导读者思考，在功能不再稳固之后，音乐家们是如何通过其他手段（如音色、节奏的强化）来重新锚定听觉体验的。这种实事求是的态度，极大地增强了我对学习音乐原理的信心，它告诉我，音乐的伟大并非源于魔法，而是源于精妙的结构设计。

这本书最令人称道之处，在于其对“时间性”和“结构展开”这一对核心议题的持续探讨，贯穿始终，且视角极其新鲜。很多音乐分析的书籍侧重于对既定作品的静态剖析，仿佛音乐是一张静止的图纸。但这位作者的笔触总是充满动态感，他总是在探究“为什么这段音乐在此时此刻会这样进行”，而非“这段音乐是这样进行的”。他将听觉感知过程本身纳入了分析范畴，讨论了听者大脑如何主动地去构建预期、如何被打破预期，以及作曲家如何利用这种心理机制来塑造宏大的篇幅感。例如，在分析奏鸣曲式的高潮处理时，他引入了认知心理学的相关概念，讨论了“信息负载”与“情感释放”之间的平衡点。这种跨学科的融合，使得对音乐的理解不再局限于音符的排列组合，而是上升到了对人类听觉经验和时间感知的哲学思辨层面，令我阅读完毕后，对未来聆听任何类型的严肃音乐时，都会多了一层更深层次的、结构性的体察。