速写(附VCD)/美术院校高考示范作品选

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出版者:外语教学与研究出版社
作者:曹兴军
出品人:
页数:32
译者:
出版时间:2000-3-1
价格:35.00元
装帧:平装(无盘)
isbn号码:9787805365732
丛书系列:
图书标签:
  • 速写
  • 美术高考
  • 院校示范
  • 素描
  • 绘画
  • 艺术生
  • 高考美术
  • VCD教学
  • 美术基础
  • 考研美术
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具体描述

《柯林斯COBUILD英汉双解学习词典》(精编版)作为一本学习型词典,例证丰富是本词典的一大特色。6,2000余例证直接出自世界知名英语语料库the Bank of English,所涉领域极其广泛,反映现代生活的方方面面,让读者在阅读使用过程中身临其实的语境,领略地道的英语。

中国美术史纲要:从史前到当代 内容简介: 本书旨在为广大美术爱好者、艺术史研究者以及高等院校美术专业学生提供一部全面、深入且富有洞察力的中国美术发展脉络梳理。我们不再局限于对单一艺术门类的罗列,而是力求构建一个宏大而精细的图像谱系,探讨不同历史时期社会思潮、哲学观念、政治格局如何深刻地塑造了中国艺术的审美取向与表现形式。 全书按照时间线索,清晰地划分为十个主要部分,辅以大量的经典作品分析、图像对比以及理论阐释,旨在揭示中国艺术“何以如此”的深层原因。 --- 第一章:远古的呼唤与文明的曙光 (史前至夏商周) 本章将带领读者回溯至人类文明的源头,考察新石器时代陶器上抽象而神秘的纹饰,如仰韶文化的彩绘与马家窑文化的旋涡纹,它们不仅是实用器皿的装饰,更是早期宇宙观与巫术思维的视觉体现。随后,我们将聚焦于夏商周三代的礼器文化。青铜器的铸造技术与狞厉威严的饕餮纹饰,反映了早期国家权力结构对神权与血缘的极度依赖。重点分析“礼”如何在物质形态上得以固化,以及它如何确立了后世中国艺术中“法度”与“规范”的审美基础。 第二章:百家争鸣与艺术的自觉 (春秋战国) 秦汉以前的艺术探索是充满张力的时期。本章探讨战国时期楚文化的浪漫主义倾向,如长沙马王堆汉墓出土的帛画,其浪漫、瑰丽的想象力与对神仙世界的描绘,展现了艺术从服务于“礼”向服务于“个体精神探索”的过渡。同时,我们将辨析这一时期雕塑与画像石的朴拙力量,它们如何开始关注世俗生活与历史叙事。 第三章:大一统的气度与丝路的交融 (秦汉) 秦汉时期,中央集权制度的建立对艺术生产产生了根本性影响。本章重点剖析秦始皇陵兵马俑这一恢弘的地下军阵,分析其写实主义的基调、严谨的队列组织,以及它如何成为“国家意志”的物化象征。汉代画像砖和画像石上大量出现的宴饮、征战、杂技场景,则揭示了彼时社会对“功名”与“孝道”的推崇。更重要的是,本章将详细论述佛教艺术通过丝绸之路初入中国,与本土文化发生的第一轮化学反应。 第四章:玄学、宗教与魏晋风度的形成 (魏晋南北朝) 这是一个士人精神高度觉醒的时代。在动荡的社会背景下,玄学思潮(尤其是老庄思想)催生了对个体精神自由的追求。本章深入探讨“魏晋风度”如何影响绘画和书法,表现为对笔墨趣味的极端重视,以及对“气韵生动”理论的萌芽。云冈石窟和龙门石窟的造像,是外来宗教如何被中国化、士人化、士大夫化的关键例证,从犍陀罗的健硕到中土的清瘦飘逸,展现了审美标准的剧烈变迁。 第五章:盛世的辉煌与宇宙的秩序 (隋唐) 唐代是中国艺术的集大成时期,其恢宏的气魄与博大的胸襟,得益于国家的强盛与文化的兼容并蓄。本章将详细分析唐代绘画的三个维度:一是宫廷壁画的富丽堂皇(如初唐的线条勾勒与盛唐的色彩饱和);二是佛教造像的圆润饱满与世俗化倾向(如西安大雁塔的造像);三是敦煌莫高窟中体现的民族大融合。书法方面,颜真卿的“雄强”与柳公权的“法度”,标志着楷书的成熟。 第六章:文人画的崛起与山水诗意的确立 (五代至宋初) 唐末的藩镇割据与五代的分裂,使得艺术重心从宫廷转向士大夫阶层。本章着重论述“文人画”的理论构建,探讨董源、巨然等人如何确立“以形写神”的审美旨趣,并将山水从描摹对象转变为抒发个人胸襟的载体。宋代,理学兴起,要求艺术在形式上更趋于内敛、精微和哲理化。 第七章:院体艺术的极致与审美的内省 (北宋与南宋) 宋徽宗时期,皇家画院将技艺推向了前所未有的高度。本章细致分析了北宋山水的“全景式”构图(如范宽的《谿山行旅图》),以及院体花鸟画对自然瞬间的精确捕捉。南宋的偏安一隅,使得艺术风格转为内敛与意境的营造,以马远、夏圭为代表的“边角式”构图,体现了士人对有限空间内无限情思的表达。陶瓷艺术,特别是宋瓷的釉色与造型,达到了技术与哲思的完美统一。 第八章:尚意到尚态:元代的转折与书画分离 (元代) 元代,知识分子“出仕无门”,艺术的政治功能被彻底剥离,转而成为“避世疗伤”的工具。本章聚焦于“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙,分析他们如何将笔墨语言的“写意性”推向极致,强调笔墨的“趣味”而非形似。同时,本章也将探讨赵孟頫对晋唐书风的复古以及元代戏曲艺术的繁荣。 第九章:世俗的繁荣与学院的规范 (明清) 明清两代,中国艺术在国家权力与市民文化双重作用下,呈现出复杂的多样性。明代早期,宫廷的“台阁体”延续了院体的严谨,但中晚期,以吴门画派为代表的文人画继续深化写意精神。本章将详细辨析“董其昌南北宗论”的影响力,并考察晚明市民阶层对版画、小说插图等新兴艺术形式的需求。 清代,一方面是以“四王”为代表的摹古主义达到了高峰,体现了对既有范式的回归与整理;另一方面,以石涛、八大山人为代表的“遗民艺术家”,则以更具个性和反叛精神的笔墨,探讨了家国之痛与个体存在。同时,本章也将介绍景德镇官窑的巅峰工艺及其在清代欧洲市场的影响。 第十章:现代的回响与未来的探索 (近现代至今) 从晚清到民国,中国艺术面临“三千年未有之大变局”。本章探讨西方写实主义(如油画、素描)如何冲击传统水墨画的根基。分析了徐悲鸿、林风眠等人如何在中西融合中摸索新的道路。新中国成立后,艺术如何服务于新的社会叙事,以及改革开放以来,当代艺术如何在全球化语境下进行自我定位与文化对话。本书的结论部分,将对贯穿始终的“笔墨本体论”与“道器之辩”进行总结,并展望中国艺术的未来走向。 --- 本书特色: 跨媒介整合: 不仅关注架上绘画,更将雕塑、建筑、陶瓷、书法、工艺美术纳入宏大叙事框架。 理论与图像并重: 深入解析“气韵生动”“计白当黑”“意在笔先”等核心理论的形成与流变。 时代精神透视: 强调艺术作品是特定历史阶段的“精神坐标”,而非孤立的技术展示。 本书力求成为读者理解中国艺术体系的基石,帮助读者超越对符号的简单识别,直抵中国美学精神的核心。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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老实说,我购买这本书的初衷是希望能找到一些真正能反映“院校标准”的范例,毕竟现在市面上的“高考参考书”实在太多,质量参差不齐,很多作品的“学院派”气息太重,脱离了实际的创作需求。这本书给我的感觉是,它真正抓住了“速写”的核心——即快速、准确地捕捉对象的神韵和结构。我翻阅了很多描绘静物的章节,尤其是对不同材质的处理上,那几组关于金属和玻璃的练习,简直是神来之笔。作者似乎非常精通如何用最简洁的线条勾勒出复杂的反光和透明感,这绝非一朝一夕之功。更重要的是,它没有过度依赖复杂的排线或调子来“美化”画面,而是将重点放在了形体的准确性和骨骼结构的内在逻辑上。这一点对于提高我自身的写生效率有着直接的帮助。很多速写书只会展示完成度很高的作品,但这本书里穿插了不少“半成品”或者说“进行时”的练习,这反而让我觉得更加真实和可信,仿佛能看到大师在创作过程中的犹豫与取舍。

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这本书的装帧和纸张质量,确实对得起它的定位,印刷的清晰度非常高,尤其是对铅笔的灰阶过渡处理得非常细腻,这对于观察细节至关重要。我个人对人物动态的捕捉一直比较头疼,总觉得画出来的人物僵硬而不自然。这本书里的人物速写部分,我反复看了好几遍,那些抓拍瞬间的姿态,充满了张力和生命力。作者似乎深谙人体解剖学的精髓,但又没有把它变成枯燥的肌肉骨骼图解,而是将结构融入到流畅的线条之中,真正做到了“知其然,更知其所以然”。例如,在表现手臂的转折时,线条的起笔和收笔力度变化,简直就像是在和纸张对话。这种对线条语言的驾驭能力,是我目前最想学习和模仿的。如果说有什么小小的遗憾,或许是希望VCD中能有更多关于如何利用光影快速区分形体的讲解片段,但总体来说,这本书的艺术价值和实用价值是毋庸置疑的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长年从事设计工作的设计师,我对“快速表达”有着近乎苛刻的要求。我需要的不是那种可以精雕细琢的素描,而是能在短时间内,将脑海中的概念转化为二维图形的能力。因此,我对这本书的“速度”这一属性非常看重。我花了大量时间研究其中关于场景速写的章节。不得不说,这些范例对于处理空间关系和透视的讲解非常到位。它没有使用繁琐的几何公式去解释,而是通过建筑线条的收敛和消失点自然的引导,让读者直观地理解了“远大近小”的空间规律。我尤其喜欢它对“环境氛围”的营造,寥寥数笔,就能勾勒出清晨的薄雾感或者傍晚的萧瑟感,这种对气氛的把握,才是速写从“技术”升华为“艺术”的关键所在。总而言之,这本书在提升实战表达能力方面,确实起到了立竿见影的效果,让我对自己的快题设计能力有了更强的信心。

评分☆☆☆☆☆

我对美术书籍的选择一向比较挑剔,总觉得市面上很多都是炒冷饭或者内容空泛的堆砌。但这本书给我的感受是,它是在用心做东西。从内容编排的逻辑性来看,它似乎是按照一个比较科学的学习路径设计的,从最基础的点线面训练,过渡到局部的结构研究,再到完整的场景构图,循序渐进,张弛有度。特别是其中关于“速写思维导图”的那几页,虽然没有文字赘述,但通过图例的对比展示,清晰地梳理了从观察到落笔的心理流程,这对于我这种习惯性“想太多”的初学者来说,简直是醍醐灌顶。这本书的价值不在于提供多少“标准答案”,而在于它提供了一种“解决问题的方法论”。它鼓励学习者去思考“为什么是这样画”,而不是盲目地去“怎么画”。对于那些真正想在短时间内突破速写瓶颈,想要接触更专业、更具深度示范作品的读者来说,这本书绝对是值得珍藏的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计真是让人眼前一亮,封面那种沉稳的色调,配上内页的排版风格,一看就知道是为专业人士准备的。我最欣赏的是它在视觉引导上的用心,每一页的留白都恰到好处,不会让人觉得拥挤,反而突出了那些精美的范画。作为一名美术爱好者,我通常会对手绘技巧类的书籍保持一种审慎的态度,因为很多作品集只是华而不实,技巧上的讲解往往流于表面。然而,这本书不同,它似乎更侧重于“思考过程”的展示,而不是单纯的“复制成品”。比如,对光影的捕捉,它没有直接告诉你“打光方向”,而是通过几组不同阶段的草图对比,让你自己去体会光线是如何塑造形体的体积感的。这种潜移默化的引导,比生硬的理论灌输有效得多。尤其是一些人体的动态速写部分,线条的力度和节奏感简直是教科书级别的示范,那种一气呵成的感觉,是初学者最难把握的。 VCD部分的附加值也很高,虽然我更偏爱实体书的触感,但动态演示在理解复杂结构时确实是无可替代的工具,期待能从中挖掘出更多实用的心得体会。

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