Video Art

出版者:Taschen America Llc

作者:Sylvia Martin

页数:95

出版时间:2006-6

价格:75.00元

装帧:Pap

isbn号码:9783822829509

具体描述

The immediacy and accessibility of video makes it an ideal medium for artists who want to work with sound and moving image; no sooner than video cameras were available to the public in the 1970s were artists already beginning to experiment with the possibilities of video. Though it took decades for it to be widely embraced by mainstream art, video is now firmly accepted as an important medium, thanks to the work of artists such as Matthew Barney, Bruce Nauman, Bill Viola, and Gillian Wearing. Artists featured: Eija-Liisa Ahtila, Chris Cunningham, Matthew Barney, Fischli/Weiss, Gary Hill, Nan Hoover, Christian Marclay, Steve McQueen, Mariko Mori, Bruce Nauman, Tony Oursler, Marcel Odenbach, Nam June Paik, Pipilotti Rist, Sam Taylor-Wood, Bill Viola, Gillian Wearing.

用户评价

我花了整整一个下午试图消化书中的核心观点，不得不承认，其写作风格之古怪，令人印象深刻。这本书的叙事节奏仿佛被故意拉伸、扭曲，如同某些慢镜头实验影像一般，冗长且充满停顿。作者似乎非常热衷于使用长达半页的复杂长句，每一个句子都像是一个嵌套了无数从句和修饰语的迷宫，让人在读完之后，常常需要回溯好几遍才能理清主谓宾到底指向何方。这种文学处理手法，本应服务于表达概念的复杂性，但在实际阅读中，它带来的却是极大的阅读阻力。举例来说，当讨论到“延展性”这一概念时，作者没有采用清晰的定义和对比的方式，而是用了一种近乎诗歌散文的、充满象征意义的语言进行包裹。我一直在寻找能够指引我进入艺术实践的明确路标，比如关于录像带技术的早期限制如何催生了特定的美学选择，或者不同国家在推广影像艺术时所采取的制度策略，但这些内容在书中彻底缺席。这本书更像是作者沉浸于自己思维世界的独白，对外在艺术史的参照显得漠不关心。它强迫读者接受一种高度抽象的思维模式，仿佛影像艺术的本质只存在于哲学家书斋的空气中，而非在画廊墙上的屏幕里闪烁。我最终放弃了试图梳理出清晰的章节脉络，转而将之视为一本需要进行深度冥想，而非信息获取的书籍，这与我对一本艺术史或艺术理论专著的预期相去甚远。

从实用性的角度来衡量，这本书的价值几乎为零。我购买它的主要目的是想了解影像艺术在不同历史阶段的实际发展路径，以及不同艺术家是如何利用特定的技术语汇来表达对社会现实的批判或探索人类意识的边界。但这本书完全没有提供任何“如何做”或者“发生了什么”的叙事。它采取了一种自上而下的、先验性的论证方式，似乎认为读者已经完全理解了所有重要的作品和事件，所以无需赘述。这种处理方式，对于那些想要通过这本书来“补课”的读者来说，无疑是一种灾难。每次当我尝试在脑中将书中的抽象概念与我零星了解的艺术史知识进行对接时，连接总是断裂的。这本书似乎更专注于建立一套极其复杂的、内部自洽的术语系统，而不是致力于知识的传播和普及。它更像是一本哲学论文的浓缩精华，然后被强行套上了“Video Art”的书名。如果有人问我，看完这本书，我对影像艺术的理解有哪些具体增加？我只能回答：我更深刻地理解了某些关于“观看”和“存在”的哲学命题，但对于“影像艺术”这个学科本身，我的知识结构依然是缺失的。这本“书”，与其说是介绍艺术，不如说是用艺术的“名义”进行了一场纯粹的思辨游戏。

这本书的阅读体验，说白了，就像是在一个完全黑暗的房间里，试图通过触摸墙壁上的浮雕来想象出整个建筑的宏伟蓝图。你只能感知到局部的纹理和凹凸，但整体的结构、房间的用途、以及建筑师的意图，都无从得知。作者似乎坚信，只要把构成影像艺术的“最小粒子”——那些关于光、时间、空间、观众反应的理论碎片——打磨得足够光滑和精确，那么艺术的整体形态自然就会显现出来。这种对实践的彻底疏离，使得这本书显得极其“空心化”。我甚至找不到一个明确的“先驱者”被完整地介绍过，更不用提那些具有里程碑意义的展览或事件。书中没有讨论过录像设备从昂贵到普及的过程中，艺术生态是如何被颠覆的，也没有探讨过网络时代影像传播对传统艺术界限的冲击。一切都停留在高度抽象的层面，仿佛影像艺术在诞生之初就已经是脱离了物质媒介，漂浮在纯粹概念之上的存在。这种处理方式，对于一本以具体媒介命名的书籍来说，是一种彻底的自我阉割。最终，我合上这本书，带着一种被理论重负压垮的疲惫感，感觉自己花时间去了解的，是一个高度自恋的、拒绝与现实世界发生任何实质性接触的理论怪胎，而非我们所共同见证和体验的、充满生命力的影像艺术。

这本《Video Art》的书，坦白说，刚拿到手的时候，我的期待值是相当高的。毕竟“影像艺术”这个领域，充满了实验性、视觉冲击力以及对媒介本身的深刻反思。我原本以为这本书会像一本精心策展的画册，辅以深邃的理论分析，带领我穿梭于从Nam June Paik到Bill Viola，再到当代新媒体艺术家的创作脉络之中。然而，当我翻开扉页，试图寻找那些熟悉的艺术史节点和标志性作品的图像记录时，一种强烈的失落感油然而生。这本书的内容似乎完全避开了任何具体的、可供识别的艺术作品案例。它更像是一本关于“时间性”、“观看行为”以及“屏幕哲学”的纯粹理论探讨集。书中大量引用了德里达、德勒兹等哲学家的晦涩文本，试图构建一个关于“动态图像”的本体论框架。阅读过程极其烧脑，我必须反复查阅其他辅助材料才能勉强跟上作者的论证思路。这使得我很难在脑海中构建出清晰的“影像艺术”图景。对于一个渴望通过视觉实例来理解艺术流派演变和技术革新的读者来说，这本书的阅读体验无疑是沉闷且低效的。它更像是为已经具备扎实艺术理论背景的学者准备的，对于初学者或希望获得直观艺术享受的爱好者而言，它提供的信息密度和专业门槛实在太高了。我需要的不是对“运动幻觉”进行形而上的辩证，而是想看看那些真正震撼人心的、改变了我们对屏幕认知的作品是如何诞生的，而这本书似乎对此避而不谈，让人感觉像是读了一本关于“如何建造一个厨房”却从未展示过任何一道菜肴的食谱。

如果说这本书有什么优点，那大概是它在排版和装帧上所展现出的某种……“洁癖”。是的，这本书的物理形态本身，似乎也在试图模仿某种极简主义的艺术品。大量的留白占据了页面，字体选择偏向于小而尖锐的无衬线体，使得整体视觉效果极为冷静，甚至有些清冷。然而，这种对形式的极端控制，似乎也反映在了内容的取舍上——所有“喧嚣”的、带有叙事性的、或者说任何可能吸引“大众目光”的内容都被无情地剔除了。我期待的，是一本能让我感受到影像艺术的活力与叛逆精神的书，那些早期艺术家们如何利用廉价的设备挑战传统媒体霸权的激情。这本书里没有一丝一毫那种冲撞感。它探讨的“影像”，更像是纯粹的数学函数或光线折射的理论模型，而不是人类情感和时代精神的载体。我翻阅了索引，里面列出的关键词多半是“时间碎片”、“观看的异化”、“媒介本体的不可指涉性”——这些术语的重复出现，让我感觉作者似乎在用不同的方式重复阐述同一个封闭的理论系统。这本书更像是一扇紧闭的门，它用精美的材质和严密的锁扣保护着内部的秘密，却拒绝让任何渴望了解外面风景的访客窥见哪怕一丝光亮。

其实是关于Video artist的一本名册，简要介绍了从录像装置诞生以来到二一世纪初期活跃的知名艺术家和其代表作品。用来时常翻阅也是不错啊。

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