张江舟画集

出版者:四川美术出版社

作者:张江舟

页数:53

出版时间:2005-1

价格:118.00元

装帧:平装

isbn号码:9787541024849

具体描述

出生于20世纪60年代的画家可谓不幸而幸。在他们出生的年代，正值艺林逐步动荡、学术贬值乃至斯文扫地之时，他们的童蒙教育因之先天不足。但在他们以个人的禀赋踏入艺术学府的80年代，艺术教育迎来了规范发展，画学普遍红火中兴，他们也就得到了学院内外多方面的营养，在艺术功底上获得超过前人的积累。时值90年代乃至跨越世纪的日子里，文化开放，现代传统、古法新思二界贯通，艺术创造的现实条件达到历史最佳，他们更是得以迎向乘势，在艺术上遣才尽性，渐入佳境。为此，从他们的艺事旅程中，我们既可以看到“天籁须自人工求”的一代画家的努力，还可以看到“将与风云而并驱”的一代画家的理想。

“中国画坛·60一代”系列图书以画家的出生年代为选题的依据，并将选择的焦点落在同一年代的佼佼者身上，均由著名美术史论家范迪安先生主编。

目录信息

序言
壬午记忆
人·物
人·物（局部）
人·物（局部）
00状态
00状态（局部）
00状态
00状态（局部）
热风
00状态
00状态（局部）
女人屋
女人河之一
女人河之二
雕塑西部
雕塑西部（局部）
雕塑西部（局部）
守望都市
逐光者
逐光者（局部）
逐光者（局部）<
· · · · · · (收起)

用户评价

拿起这本书，一股沉静的力量扑面而来，让我想起在古老的寺庙里，阳光穿过雕花的木窗，在地上投下斑驳的光影。作者的用色大胆却又极其节制，他似乎只选择那些最能触动灵魂的颜色，然后将它们以一种近乎仪式感的方式铺陈开来。我特别钟情于其中一组关于山峦的作品，它们不是写生的山，而是记忆中的山，是梦境中的形体。那些山峰的轮廓模糊而坚定，云雾缭绕，仿佛随时会消散，又似乎永恒存在。这种处理手法，让观看不再是简单的视觉接收，而更像是一场冥想。我常常在午后，泡一杯清茶，将这本书摊开在案前，不再试图理解“画了什么”，而是去感受“我在看的时候想到了什么”。这种引导非常高级，它没有把答案摆在你面前，而是为你敞开了一扇通往内在世界的门。整本书的排版布局也深谙“气”的流动，作品之间的过渡自然而不突兀，像乐章的休止符处理得恰到好处，让人在视觉疲劳前得到喘息，为下一幅作品的冲击做好准备。

这本书的装帧与内容达到了高度的统一，体现出一种克制的美学。封面设计非常低调，几乎没有任何花哨的装饰，仅仅是书名和作者署名，但这反而更加凸显了内容本身的重量感。内页的纸张选择了一种略带纹理的哑光纸，这对于吸收光线、呈现墨色的层次感至关重要。我将它放在书架上，它不像那些色彩艳丽的画册那样喧宾夺主，而是安静地融入背景，但一旦你将其取出，它便立刻以其内在的张力吸引你的全部注意力。有一组水墨风景，其构图之精妙，令人拍案叫绝。他似乎对黄金分割有着本能的理解，无论画面如何变化，视觉的焦点总能落在最能引发共鸣的点上。我反复研究了其中一幅描绘雨后初晴的场景，那远处的薄雾和近处的湿漉漉的石头，仅仅是用墨的干湿浓淡来区分，那份湿润感几乎要从纸面溢出来。这需要极高的控笔能力和对媒介特性的深刻理解，绝非一朝一夕之功。

翻阅这本画集，我体验到了一种久违的、对“手感”的尊重。现今很多艺术品都倾向于光滑、完美无瑕的呈现，但在这本册子里，你分明能感觉到笔触的粗砺、墨色的飞白，甚至能想象到画布（或纸张）被画笔“刮擦”的声音。这种质朴的处理方式，让作品回归到了艺术创作最本源的状态——人与材料之间的直接对话。我尤其喜欢其中一些抽象化的元素组合，它们看起来像是从更宏大的、未完成的叙事中截取下来的片段。这些片段之间有着微妙的关联，像是散落的线索，鼓励着观者去构建属于自己的故事线。这本书的价值，绝不仅仅在于展示了多少幅“好看的画”，而在于它提供了一种观看世界的不同视角，一种更注重内在感受而非外在模仿的哲学态度。它像是一面镜子，照见的不是艺术家的面孔，而是我们自己内心深处那些未被驯服的、自由的角落。每一次重读，都有新的感悟浮现，这才是真正有生命力的艺术品所具备的特质。

阅读这本画册的体验，像是在跟一位沉默的老者进行一场深入的交谈。他不用言语，只用他铺陈在纸上的世界来与你对话。我注意到作者在处理人物或动物形态时，总是会抽取掉大部分的细节，只留下最核心的动态和神韵。比如一匹奔马，你看不清它的鬃毛是如何飘扬的，也看不清它的肌肉线条如何起伏，但你就是能感受到那股雷霆万钧的速度感。这种“去繁就简”的功力，极其考验画家的掌控力，稍有不慎就会流于粗糙或幼稚，但在这本书里，每一次的简化都是精准的提炼，像是从矿石中提炼出了最纯净的金属。我对比了好几位我喜欢的当代画家，他们的作品多追求强烈的视觉冲击或先锋的概念表达，而这位画家的作品，则更倾向于一种时间的沉淀感，它不急于让你在一秒内记住，而是要求你驻足、凝视，让时间在作品前慢下来。这对于我们这个信息爆炸的时代来说，无疑是一种奢侈的享受和必要的提醒。

这本画集，坦白说，初翻时我有些摸不着头脑。那些线条的走向，色彩的堆叠，似乎都在遵循着一种内心的逻辑，而非我们习惯的具象描摹。我记得有幅作品，占据了几乎一整页，墨色浓淡变化之间，仿佛能听见风穿过竹林的沙沙声，但仔细去看，却找不到任何一棵完整的竹子。它更像是一种情绪的凝结，一种关于“空”与“满”的哲学探讨。尤其欣赏作者在留白上的处理，那大片的空白不是空洞，而是有重量的，仿佛吸纳了所有的光线和声音，让观者得以在其中呼吸。我曾经试着去分析他的笔触，试图归类到某个流派，但很快就放弃了，因为每一页的风格都像是独立的宣言。有些作品极其奔放，如同火山爆发后的岩浆流淌，带着原始的生命力；而另一些则极其内敛，像深海中的微光，需要你屏住呼吸才能捕捉到。这种跨越式的变化，让每一次翻页都充满了未知的期待。这本书的装帧也十分考究，纸张的质感很好，即便是印刷品，也能感受到颜料的厚度和肌理，让人忍不住想用指尖去触碰那些墨迹的边缘，感受那份创作时的温度。