具体描述
A wide-ranging look at the role of music in film.
Music and Cinema brings together leading scholars from musicology, music theory, film studies, and cultural studies to explore the importance of music in the cinematic construction of ideologies. The 15 essays include “Songlines: Alternative Journeys in Contemporary European Cinema” by Wendy Everett; “Strategies of Remembrance: Music and History in the New German Cinema” by Caryl Flinn; “Designing Women: Art Deco, the Musical, and the Female Body” by Lucy Fischer; “Kansas City Dreamin’: Robert Altman’s Jazz History Lesson” by Krin Gabbard; “Disciplining Josephine Baker: Gender, Race, and the Limits of Disciplinarity” by Kathryn Kalinak; “Finding Release: Storm Clouds and The Man Who Knew Too Much” by Murray Pomerance, and many more.
"Music and Cinema marks a major step forward in the slow march of film music towards recognition as a key component of film studies. Useful to both film and music scholars, the book offers a wide range of approaches, topics, and types of films, and sports an excellent introductory survey of the state of the field." -- Mark Slobin, Wesleyan University
"Music and Cinema is an exciting and genuinely interdisciplinary contribution to the growing body of work on film music. It's especially rewarding that this collection places insightful new scholars alongside acknowledged experts while it generates what promises to become an ongoing conversation between musicology and film studies." -- Corey Creekmur, University of Iowa
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读后感
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用户评价
这本书最令人称道的一点，在于其对于“未来趋势”的洞察力，丝毫没有落入科幻小说式的空想。作者没有沉迷于对虚拟现实或沉浸式音频的浮夸描述，而是回归到“人”与“媒介”的基本关系上，去推测新的交互界面将如何重塑我们对声音的预期。他们提出了一个极具前瞻性的“情感反馈回路”模型，用来预测未来电影配乐将如何实时响应观众的生理指标变化。这种预测不是基于猜测，而是基于对现有技术发展轨迹的冷静推演和对人类情感反应模式的深刻理解。这种扎实的未来学视角，让整本书的讨论仿佛获得了“永恒性”——它不仅解释了过去和现在，更构建了一个可供思考的未来框架。读完此书，我感觉自己不再只是一个被动接受电影声音的观众，而是一个能够预见声音如何重塑媒介形态的观察者。这不仅仅是一本关于电影声音的书，更像是关于人类感知媒介未来的一份严肃宣言。
评分这本书的行文风格，可以说是那种需要“细嚼慢咽”的类型。我不是说它晦涩难懂，而是作者在构建论点时，总是采用一种极其严谨、层层递进的逻辑链条。例如，在讨论“寂静”在电影中的功能时，作者并没有用诗意的语言去描绘留白的美感，而是从声学物理学的角度，定义了何为“有效寂静”，并将其与心理学中的“感知阈值”挂钩。这种跨学科的融合，让全书的论述基石无比坚实。我发现，每当我以为自己已经把握了作者的思路时，下一段话又会引入一个新的理论视角，将讨论推向更深的空间。这种智力上的挑战感，对于我这样的深度爱好者来说，是非常宝贵的。它确保了每一页信息密度都非常高，几乎没有可供跳读的“水份”。我甚至在阅读过程中，不得不借助笔记本，梳理作者建立起来的那些复杂的概念地图，生怕遗漏了任何一个关键的连接点。
评分这本书的阅读体验，用“酣畅淋漓”来形容或许有些武断，但绝对是“引人入胜”。我是一个对理论书籍容易感到枯燥的人，但作者高明的叙事策略成功地避免了学术著作常见的冗长和晦涩。他们大量引用了具体的、鲜为人知的案例，比如某部冷门欧洲艺术电影中对“非同步声音”的创新性运用，以及这种运用如何颠覆了传统的好莱坞叙事逻辑。这种由宏观理论切入微观实例，再由实例反哺理论建构的循环往复的论证方式，极大地增强了文本的可读性。更让我印象深刻的是，作者在探讨技术对艺术的影响时，展现出的那种近乎“考古学家”般的细致。他们并没有简单地赞美数字化的进步，而是对早期磁带录音、立体声技术引入对电影配乐空间感塑造的“意外后果”进行了深入考察。这使得整本书读起来像是一场精彩的辩论，而不是单方面的说教。每一次翻页，都像是解开了一个关于声音的谜团，让人忍不住想立刻去重温那些被重新解读的电影片段，去亲耳验证作者那些精妙的论断。
评分说实话，这本书对“文化”维度的探讨，比我想象的要尖锐得多。我原以为会读到很多关于经典好莱坞音乐的怀旧之词，但实际上，作者用了一种近乎批判性的眼光，审视了音乐在意识形态传播中的作用。其中有专门的一章，详细剖析了冷战时期，美苏两国电影配乐在塑造“敌人形象”和“英雄主义”上的潜台词。这种将艺术形式置于时代政治背景下进行“去魅”的分析角度，非常具有启发性。作者毫不留情地揭示了某些看似“普世”的音乐主题，实际上是如何被权力结构精心编码和强加于观众的。阅读到这部分时，我常常需要停下来，反复思考我们习以为常的那些电影听觉习惯，到底有多少是自然而然形成的，又有多少是人为训练的结果。这种对文化惯性的挑战，使得这本书的价值超越了一般的艺术评论，它更像是一本关于“听觉权力”的社会学著作。它迫使我重新审视自己对“审美愉悦”的定义，这无疑是一次思想上的“重构”。
评分这本书的封面设计简洁有力，那种深沉的蓝色调配上烫金的字体，立刻就给我一种严肃而专业的学者气质。我原本是抱着一种“凑热闹”的心态翻开这本书的，毕竟“音乐与电影”这个主题听起来似乎是老生常谈，充斥着对经典配乐的泛泛而谈。然而，当我真正进入内容时，才发现自己完全低估了作者的功力。这本书并没有沉溺于对配乐家生平的简单罗列，也没有停留在对特定场景音乐的感性分析上。相反，它采取了一种极其宏大的叙事结构，将音乐从一种“点缀品”提升到了“叙事主体”的地位。作者深入探讨了声音景观（Soundscape）在构建电影世界观中的核心作用，特别是对于默片时代向有声片过渡时期的技术伦理探讨，那部分简直令人拍案叫绝。他们不仅分析了配乐如何服务于情感表达，更进一步挖掘了音乐结构如何与蒙太奇手法、场域调度产生互文关系。读完前几章，我感觉自己像是被拉入了一个精密的钟表内部，开始理解声音的每一个齿轮是如何驱动整个影像机器运转的。这种对电影本体论层面的深挖，远超出了我对于一本“文化类”书籍的期待。它要求读者具备一定的理论基础，但回报却是对电影艺术理解深度的几何级提升。
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