宋词与民俗

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出版者:商务印书馆
作者:黄杰
出品人:
页数:406
译者:
出版时间:2007-7
价格:24.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787100045087
丛书系列:
图书标签:
  • 民俗学
  • 民俗
  • 古典文学
  • 宋代
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  • 文学研究
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  • 宋代文化
  • 文学与生活
  • 历史背景
  • 文化研究
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具体描述

宋词中涉及民俗者,数量相当可观,展现其中的民俗也丰富多彩。民俗对于宋词的兴衰有着重大影响。民俗活动往往是词创作的动因和目的,有时词本身便是民俗活动的一个质素或组成事项。重要的民俗活动往往推动形成词创作的重要题材及其审美追求的共性。从民俗着眼,是宋词研究的重要角度;从宋词出发,亦不失为宋代社会研究的重要路径。长期以来,这个课题尚缺乏系统、深入的研究。本书在爬梳大量文献资料的基础上,从民俗角度切入,论述了宋词与节序民俗、宋词与礼仪民俗、宋词与花卉民俗、宋词与宴饮民俗等的关系,发掘了不少在宋词中鲜为人注意的民俗资料,填补了国内学术研究的一个空白。

《敦煌壁画中的佛教造像艺术探微》 图书简介 本书旨在深入剖析敦煌莫高窟壁画中佛教造像艺术的演变历程、地域风格特征及其所蕴含的文化意涵。我们聚焦于自十六国早期至元代,历经北朝、隋唐、五代、宋、西夏、元等重要历史时期的壁画造像实例,力求构建一个清晰而细致的敦煌佛教造像艺术发展脉络图。 本书的写作立足于对大量一手图像资料的细致摹绘与比对分析,辅以对相关历史文献、造像题记的考据,力求还原艺术风格背后的社会思潮与审美趣味的变迁。全书结构严谨,分为四个主要部分:基础溯源、盛唐气象与转折、多元融合与区域特色、技法与象征体系。 --- 第一部分:基础溯源与早期探索(十六国至北周) 本部分追溯敦煌佛教造像艺术的源头。敦煌地处丝绸之路的咽喉,其早期壁画艺术深受犍陀罗艺术、笈多艺术以及中原本土文化的影响。 第一章:早期壁画的异域基因与本土化尝试 重点考察莫高窟第275窟、第112窟等早期洞窟的造像特点。这一时期的佛像,多见“高鼻深目、褒衣博带”的犍陀罗风格特征,菩萨形象尚未完全摆脱印度化,但已出现如“凹面长鼻”等带有西域本土化倾向的特征。我们详细辨析了早期佛传故事壁画中对“本生”题材的处理方式,以及“禅僧形象”的初步出现,这标志着艺术开始服务于对佛教教义的阐释,而非单纯的装饰。北魏时期,随着孝文帝推行汉化政策,敦煌造像也同步经历了剧烈的风格转变,如“褒衣博带”的进一步程式化,以及对中原传统“秀骨清像”审美趣味的吸收。 第二章:西魏的成熟与多元并存 西魏(535-557年)是敦煌佛教艺术走向成熟的关键期。本章重点分析第285窟等代表性洞窟。在这一时期,壁画中的佛像面相趋于饱满圆润,但衣纹处理仍保留了北魏的锐利感。更重要的是,弥勒信仰的兴盛,使得“飞天”和“供养人”形象开始占据重要地位,展现出对未来理想世界的向往。此外,对经变故事的组织更加复杂化,为隋唐的宏大叙事奠定了基础。 --- 第二部分:盛唐气象与审美高峰(隋唐时期) 隋唐是中国封建社会的鼎盛时期,敦煌壁画的造像艺术也达到了无与伦比的辉煌。本部分着重探讨唐代艺术的“博大精深”与“雍容华贵”。 第三章:初唐的过渡与“曹衣吴带”的终结 隋代(581-618年)的造像,风格上承北周,开始注重体积感和生命力,但整体仍显拘谨。进入初唐(618-700年),在李世民、武则天时期,壁画艺术展现出磅礴的气势。我们比较了初唐和盛唐佛像在比例和动态上的差异,指出初唐佛像的“秀丽”正在向盛唐的“健硕”过渡。重点考察了弥勒佛经变画中,对宫殿和仪仗描绘的精细化,反映出对“人间净土”的理想化投射。 第四章:盛唐造像的审美范式——圆润、饱满与力量感 盛唐(700-755年)是壁画艺术的绝对高峰。本章核心分析如第158窟、第369窟等洞窟的造像特征。佛陀形象彻底摆脱了早期瘦削感,转为“三十二相”的完美体现:面相丰满,眼神慈悲内敛,衣纹趋于自然下垂,呈现出“曹衣吴带”式飘逸的最终形态,并融入了对人体结构学的深刻理解。菩萨像则以“璎珞宝冠”为标志,雍容华丽,如同雍容的贵族,展现了盛唐社会对生命力与和谐美的终极追求。 第五章:安史之乱后的风格转折 安史之乱(755年)是敦煌艺术的分水岭。本章分析了中晚唐壁画的“沉郁”与“程式化”趋势。造像开始展现出对战乱后苍凉感的微妙回应,佛像面部表情趋于严肃和木讷,衣纹的写实性降低,更依赖于成熟的“套路”和范式,如佛背光中“火焰”的处理方式开始固定化。 --- 第三部分:多元融合与区域特色(五代、宋、西夏、元) 唐朝衰落后,敦煌进入了被吐蕃、归义军、西夏等多方势力统治的时代,艺术风格呈现出前所未有的多元化与复杂性。 第六章:吐蕃统治下的异域风情与“唐风”的坚守 吐蕃对敦煌的控制(约786-848年)对壁画产生了巨大影响。本章对比了吐蕃统治时期(如第159窟)与归义军时期的造像。吐蕃风格的造像常出现“眼部外凸”、“颧骨突出”的特征,且对密宗题材的描绘增加。同时,汉族画师群体也在竭力维持中原传统的审美标准,形成了“汉藏交融”的独特景观。 第七章:宋代审美渗透与“文人化”倾向 宋代(976-1234年)是中国士大夫文化勃兴的时期。进入宋代后,壁画的用笔更加细腻,色彩趋于柔和淡雅,不再追求唐代的浓烈和饱和。佛像的造型开始“文人化”,强调内省和秀美,与宋代院体画的审美趣味相吻合。 第八章:西夏时期的神秘与程式化 西夏(1038-1227年)对敦煌艺术的影响主要体现在对佛教密宗(如“度亡”主题)的推崇。西夏时期的壁画,人物造型趋于扁平化和高度程式化,色彩对比强烈,尤其在菩萨的服饰和宝冠的雕饰上,可见明显的党项民族审美特征。 第九章:元代巨型佛像与藏传佛教的最终融合 元代(1271-1368年)是敦煌艺术的收官阶段。本章重点分析了元代受萨迦派影响的“大佛”形象。这些造像体型巨大,造型趋于“拙朴”和“粗犷”,面部表情程式化明显,衣纹的体积感强于线条感。这一时期的壁画标志着敦煌艺术最终融入了以藏传佛教为核心的元代官方艺术体系。 --- 第四部分:技法、符号与象征体系 本部分抽离出共性的技术层面和符号学意义,对壁画造像的深层结构进行解读。 第十章:壁画中的“光影”与“色彩”语言 本书详细探讨了敦煌画师如何运用晕染法(如“凹凸法”)来塑造佛像的立体感,以及不同历史时期对色彩的偏好(如唐代的朱砂红、石青的运用,宋代的赭石过渡)。颜色不再仅仅是装饰,而是传达佛陀“法身”与“报身”区别的重要载体。 第十一章:手印、法器与经变中的叙事结构 对佛陀、菩萨的标准手印(如禅定印、施无畏印)进行了系统的图解和辨析,阐释其在不同经变故事中传达的不同教义。同时,分析了唐宋以来,经变壁画如何从线描叙事转向场景化的宏大布局,以适应普通信众对佛教故事的直观理解需求。 结语: 《敦煌壁画中的佛教造像艺术探微》试图通过对跨越千年的图像变迁的细致梳理,揭示敦煌作为世界艺术交汇点所展现出的惊人艺术生命力与适应性。本书不仅是美术史的研究专著,更是对丝绸之路上文化交流与融合的生动见证。读者将能清晰地看到,一尊尊静默的佛像背后,所承载的朝代更迭、信仰演变与审美风潮的澎湃历史。

作者简介

目录信息


绪言
第一章 宋词与节序民俗
节序词概说
元宵词
七夕词
中秋词
第二章 宋词与礼仪民俗
礼仪词概说
寿词
婚词
第三章 宋词与花卉民俗
花卉词概说
梅词
海棠词
牡丹词
兰词
第四章 宋词与宴饮民俗
宋词与宴饮民俗的关系
茶词
汤词
熟水词
第五章 词人与民俗
一、十二词人词作中的民俗情况简表
二、小结
第六章 宋词与民俗杂考
宜男俗信
摸石求子
风神崇拜
拜月习俗
占卜种种
竞渡考源
斗草游戏
啰哩啰哩
踏歌与缠足
小山考释
说胜源流
帘押小考
集市百态
西施归宿
附录 民俗文化:唐宋词乐的保存者——对于有关的音乐研究和调查的综述
引用及参考书目
后记
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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我特别喜欢这本书在细节处理上的那种近乎偏执的“情境再现”能力。它很少使用抽象的概括,而是热衷于描摹具体的画面。比如,当探讨宋代“中元节”的某些特定祭祀活动时,书中不仅提及了使用的词调,还会根据当时的器物考证推测出当时焚香的气味、灯火的色彩,乃至围观民众的服饰细节,虽然这些细节的推测带有一定的合理想象,但它们极大地丰富了读者的感官体验。这种多维度的叙事策略,成功地将冰冷的文化符号“激活”了。它让我意识到,民俗本身就是一种流动的、有温度的文化载体,而宋词恰恰是凝固在特定时空点上的艺术结晶。这本书不仅仅是知识的传递,更像是一次精心策划的沉浸式体验,让人能够真切感受到宋人如何将诗意的表达融入到柴米油盐、生老病死的每一个环节之中,格局宏大,细腻动人。

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这本书最让我感到惊艳的地方,在于它对“无名之声”的发掘与重构。我们通常接触的宋词,大多是文人士大夫的案头之作,是经过精雕细琢的“雅”文化代表。然而,这本书却致力于挖掘那些存在于街巷阡陌、茶肆酒楼,甚至窑工和脚夫口中流传的、未经正统文人记录的“俗”乐与民俗的交汇点。作者通过对一些被忽视的民间歌谣残片,以及相关石刻文字的辨析,大胆地推测了当时市井生活中词曲的实际应用场景。这种“自下而上”的文化史解读视角,极大地拓宽了我对宋代文化生态的认知边界。它打破了精英文化与民间文化的壁垒,让我看到了词曲在渗透到社会各个层面时所展现出的强大生命力和适应性。这种考古式的还原,充满了探索的乐趣,仿佛作者就是一位细心的文化考古学家,带领我们深入探寻那些淹没在历史长河中的鲜活瞬间,读起来酣畅淋漓,充满对先人生活智慧的敬畏。

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坦白说,这本书的行文风格,乍一看可能会让习惯了流畅叙事的人感到些许“滞涩”。它不像小说那样具有强烈的代入感,而更像是一篇篇结构精密的学术论文集合,逻辑推演严密,论据堆叠扎实。对于我个人而言,这种略带“板正”的笔调反而是它的魅力所在——它提醒着读者,我们正在处理的是严肃的历史与文化课题,容不得半点含糊其辞的浪漫想象。书中对某些民俗活动中音乐形式的分析,特别是对词牌曲调与民间戏曲(如南戏的早期形态)的互动关系探讨,展现了极高的专业水准。它不是在解释“宋词是什么”,而是在论证“宋词是如何存在的”。这种方法论上的坚持,使得全书的论点具有极强的说服力,即便是在阐述一些较为晦涩的乐律或仪式细节时,作者也能用精准的术语和清晰的脉络引导读者理解,确保了学术深度与可读性的平衡,体现了作者深厚的学养和极高的文本驾驭能力。

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这本《宋词与民俗》的装帧设计实在让人眼前一亮,那种典雅又不失古朴的气息扑面而来,初次翻开时,我几乎能感受到纸张本身的温度,仿佛它不是印刷品,而是一件承载了岁月痕迹的文物。内容编排上,作者显然下了大功夫,不仅仅是简单地罗列词牌和相应的民俗活动,而是将两者巧妙地编织在一起,形成了一幅流动的宋代生活画卷。尤其欣赏它在解读某些特定词牌时,如何引入当时民间流行的节庆、婚丧嫁娶乃至田间劳作的场景。比如,论及“卜算子”这类词牌时,书中详尽描述了宋人如何观星象、祭社稷,并把这些活动与词中蕴含的期盼或哀思联系起来,逻辑清晰,论证扎实。读完这一部分,我仿佛不只是在读诗词,更像是在参与一场穿越时空的文化体验,对宋词的理解不再停留在文字表象,而是深入到了它生根发芽的泥土之中。对于那些对中国传统文化抱有深厚兴趣的读者来说,这本书绝对是案头必备的佳作,它提供的视角既专业又充满生活气息,绝非市面上那些泛泛而谈的文化普及读物可比拟。

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拿到这本厚厚的砖头书,我首先被它详尽的考证和严谨的学术态度所折服。它绝非那种轻飘飘的“速读”读物,而是需要坐下来,沏上一壶好茶,慢慢咀嚼才能体味其精髓的学术力作。书中对不同地域、不同阶层在宋代社会中如何将词曲融入日常仪式和口头表达的部分,分析得入木三分。作者引用的史料浩如烟海,从地方志到笔记小说,再到传世的绘画墨迹,都被巧妙地整合起来,形成了一个立体且相互印证的证据链。特别是关于某一特定节日祭祀仪式中,如何使用特定的词调来祈福禳灾的论述,那份细致入微的考据,让我不禁拍案叫绝。它没有进行任何主观臆断的浪漫化处理,而是冷静、客观地呈现了历史的肌理,这对于想深入了解宋代社会文化结构的学者和资深爱好者而言,无疑是一份极其宝贵的资料。阅读过程虽然需要一定的专注力,但每一次深入都能获得新的认知突破,这种智力上的满足感,是许多轻松读物无法给予的。

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哪里不懂点哪里,民俗大全

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有齊備的參考書目。

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