电影摄影造型基础

出版者:中国电影出版社

作者:郑国恩

页数:308

出版时间:1998-8

价格:13.00元

isbn号码:9787106006570

具体描述

近一个时期，电影摄影造型未受重视的状况已有所扭转，这促使广大电影摄影工作者，包括电视摄像工作者普遍感到急需一本系统、全面阐明电影摄影造型基本理论和技能的基础性读物。北京电影学院摄影系原系主任、电影摄影师学会会长郑国恩教授在根据这一需要撰写的本书中，结合人类视知觉的生理心理机制，比较完整地论及了电影摄影的光线、光学、色彩、运动等基本造型手段，系统、深入地阐述，电影摄影艺术各种不同风格流派造型上的技术技巧特点，并结合一些有代表性的中外电影电视作品进行了深入剖析。作者还针对我国电影摄影的创作实践提出富于启发性的意见和看法，使本书能够较好适应国内电影创作实际的需要。

目录信息

绪论——电影摄影的演进
第一章　电影——银幕形象
第1节　电影
第2节　电影艺术是银幕形象艺术
第3节　电影画面——银幕形象构成的基本单位
第4节　电影影像——电影画面构成的视觉媒介
第5节　摄影造型与非摄影造型
第二章　电影艺术形象造型的生理、心理依据
第1节　感知形态
第2节　视知三要素
第3节　视感知的生理、心理机制
第三章　电影摄影造型表现手段
第1节　光线造型表现手段
第2节　运动（动向）造型表现手段
第3节　光学造型表现手段
第4节　色、阶造型表现手段
第5节　摄影造型表现手段的功能与电影影像形态
第四章　电影摄影造型
第1节　电影摄影造型特点
第2节　电影摄影造型方法
第3节　电影摄影造型形态
第五章　电影银幕时空形象的摄影造型表现
第1节　时空概念
第2节　电影艺术中的时空
第3节　电影空间形象的摄影造型表现
第4节　电影时间形象的摄影造型表现
第5节　电影银幕形象的声画综合
第六章　电影摄影造型与电影艺术
第1节　摄影造型和银幕艺术形象的创造
第2节　银幕形象的摄影造型处理与影片风格
第3节　影片与电视剧片断摄影造型分析
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的排版和插图设计绝对是教科书级别的典范。我手里拿着的这本实体书，纸张质量上乘，印刷的色彩还原度极高，这对于一本涉及视觉艺术的书籍来说至关重要。每当书中讲解到一个关键的布光方案时，总会配有一张高清的剧照或者精心绘制的示意图，让你能立刻将文字描述与实际效果联系起来，大大降低了理解门槛。我最喜欢的一点是，它没有完全陷入好莱坞式的标准范式，而是巧妙地穿插了一些世界各地独立电影或实验性作品中的独特视觉语言，拓宽了我的视野，让我意识到“美”的定义是多元且流动的。这本书的结构安排非常合理，从基础的光学原理到复杂的现场调度，层层递进，仿佛跟随一位经验丰富的大师在片场进行一对一的辅导。对于那些希望通过实践来提升自己镜头感的学习者来说，这本书提供的框架是非常稳固和可靠的。

拿到这本关于电影制作的书籍，我原以为会是一本枯燥的教科书，充满了晦涩难懂的技术术语，但出乎意料的是，它的行文风格极其流畅和引人入胜。作者似乎有一种魔力，能把原本非常硬核的摄影原理，转化为充满画面感的描述。书中对不同年代电影美学的演变也有独到的见解，比如，它如何将早期默片时期的布光风格与现代数字电影的视觉追求进行对比和衔接，这为我提供了一个宏观的视角去审视电影艺术的发展脉络。尤其是关于色彩心理学的章节，作者的论述非常到位，让我明白了色彩不仅仅是装饰，更是情绪的载体。读完后，我感觉自己对一部影片的“味道”有了更敏锐的捕捉能力，不再只是停留在故事层面，而是能更深层次地去欣赏创作者在视觉层面所做的精妙平衡。这本书的价值在于它的广度与深度兼备，既有实操指导的价值，更有理论升华的魅力。

这本书对于想要深入理解电影画面美学和技术的人来说，简直是打开了一扇全新的大门。它不仅仅是罗列了一些光线和构图的规则，更重要的是，它深入剖析了如何通过视觉语言来讲述故事，如何用光影的微妙变化来引导观众的情绪。我特别欣赏作者在讲解复杂概念时所采用的清晰而富有洞察力的笔触，比如他对“视觉重量”和“景深叙事”的阐释，让我对如何运用镜头语言有了更深层次的理解。书中的案例分析更是精彩纷呈，从经典影片中提取出那些看似不经意却至关重要的视觉决策，并用详实的图表和解释来辅助说明，让人茅塞顿开。如果你是一个摄影师、导演，或者仅仅是一个对电影艺术充满热情的影迷，这本书绝对值得你仔细研读，它会改变你看待每一帧画面的方式。它不仅仅是一本工具书，更像是一本关于如何用光影进行有效沟通的艺术指南，充满了对电影制作的真挚热爱和深刻见解。

坦白讲，我之前翻阅过不少类似的专业书籍，它们大多侧重于器材参数和技术指标的堆砌，读起来让人头昏脑涨。然而，这本书的叙事视角显然更偏向于“感觉”和“意图”。它似乎在告诉我，器材只是实现表达的工具，真正的核心在于导演和摄影指导的艺术判断。书中对“节奏感”在镜头运动中的体现有着非常细致的探讨，比如长镜头如何建立紧张感，快速剪辑如何制造混乱，这些都不是简单套用公式就能掌握的，需要深厚的文化积淀和敏锐的直觉。作者通过大量的文学性描述，成功地将冰冷的技术转化为有生命的艺术语言。这本书更像是邀请读者加入一场关于视觉哲学的深度对话，而不是一份冷冰冰的说明手册。它鼓励你提出问题，挑战既有的美学规范，这对于激发创造力是极其宝贵的。

作为一名资深的影视从业者，我发现这本书的价值在于其对“语境”的强调。它清晰地阐述了不同的文化背景、不同的叙事时空，对视觉风格会产生何种制约和影响。例如，它对比了欧洲艺术电影中对自然光的偏爱与好莱坞商业片中对高对比度、强塑形光线的执着，并分析了这些选择背后的社会文化动因。这种跨学科的思考方式，让这本书超越了单纯的技术指南范畴，上升到了文化研究的高度。书中对于如何通过景别和运镜来构建角色的内心世界，尤其是对“窥视感”和“疏离感”的营造技巧，描述得入木三分，极具启发性。这本书的知识体系非常完整，它不仅教会你如何拍得“漂亮”，更重要的是，教会你如何拍得“有意义”，如何让每一个光斑、每一条阴影都服务于故事的核心主题。它是我近年来读到的，最具前瞻性和思辨性的视觉艺术读物之一。

1992年啊被吓到了。

郑老的理论自成一家

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