中国澄泥古砚鉴赏

中国澄泥古砚鉴赏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:上海文化出版社
作者:罗自正 编
出品人:
页数:275
译者:
出版时间:2005-5
价格:288.00元
装帧:精裝本
isbn号码:9787806468043
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

本书介绍的中国澄泥古砚,分汉代、唐代、宋代、元代、明代、以及清代等七个朝代。书中主要包括:虎伏砚;浅玫瑰红·镂空箕形砚;虾头红·虎伏砚等数百种古砚。

中国传统漆器的艺术与工艺:从新石器时代到近现代 一、 漆器的历史溯源与早期发展(约1500字) 引言:穿越时空的流光 漆器,作为中华文明特有的一种精美手工艺品,其历史可追溯至遥远的史前时代。它不仅是实用器皿,更是承载着古代社会审美情趣、宗教信仰、技术革新与文化交流的重要载体。本书旨在系统梳理中国漆器自新石器时代萌芽,历经夏商周的奠基,秦汉的辉煌,魏晋隋唐的演变,直至宋元明清直至近现代的传承与创新,展现这一“东方之光”的千年流变。我们将深入探讨其材质的奥秘、髹饰技法的精湛以及文化内涵的丰富性,力求勾勒出一幅完整而立体的中国漆器艺术发展长卷。 第一章:漆器的史前之音——新石器时代的曙光 中国是世界上最早发现和使用天然漆的国家之一,早在距今七千多年前的新石器时代,先民们就已经掌握了采集和使用原始漆液的技术。这一时期的漆器往往是与陶器相结合的“彩绘陶”或“漆绘陶”,主要以赤漆为主,颜色单一,但已显现出对器物美化的初步追求。 考古发现与年代界定: 以河姆渡文化(浙江)出土的朱漆木胎碗、筷子为代表,揭示了当时对漆料的初步认知。这些早期器物多为生活用具,其形制质朴,工艺相对粗犷,但已具备了漆器“坚固、防水、美观”的基本特性。 材质的初步探索: 原始漆料的提取主要依赖于漆树的汁液。这一阶段的研究重点在于对早期漆料稳定性的分析,以及其在不同环境下的保存状况。 第二章:青铜时代的荣耀——夏商周的奠基与礼制化 随着金属冶铸技术的发展,漆器在商代开始走向成熟,并逐渐与青铜器、玉器并列,成为身份与权力的象征。 商代的技法突破: 商代漆器在色彩上有了显著丰富,除了朱红(赭色)外,还出现了黑色。髹漆技术也更为成熟,器物胎体趋于多样化,出现了木胎、竹胎,甚至可能存在皮胎。纹饰的图案开始与当时流行的饕餮纹、夔龙纹等青铜纹饰相结合。 西周的礼仪化: 周代礼制的确立,使得漆器在国家祭祀、宴饮、丧葬等重要场合中的地位得到巩固。礼器形制趋于规范化,如漆卮、漆尊等。此时期,镶嵌工艺(如金银错)开始偶见于漆器之上,显示了工艺的复杂化。 春秋战国的纷繁: 这一时期是漆器工艺的黄金发展期之一。地域差异显著,如楚国漆器(以荆州、随州等地为中心)以其精美绝伦的动物造型、瑰丽的云雷纹和繁缛的镶嵌工艺独步天下。 蟠虺纹与神怪主题: 楚漆器尤爱以夸张、奇特的动物形象(如凤鸟、蛇)入画,结合精密的蟠虺纹,充满神秘色彩和巫术意味。 金银错嵌与螺钿的先声: 战国时期,出现了用金、银箔片在漆面上进行镶嵌的技术,虽然规模尚小,但为后世的螺钿、戗金工艺埋下了伏笔。漆器的使用范围进一步扩大,从贵族用品扩展至日常陈设。 第三章:秦汉的恢弘与规范——大一统背景下的工艺集成 秦汉大一统,促进了南北方漆艺的交流与融合,工艺技术达到了前所未有的高度,形成了恢弘大气的时代风格。 秦代的官营与标准化: 秦代设立了专门的作坊进行漆器生产,强调工艺的规范化和批量化,以适应庞大帝国的需求。出土文物多体现出雄浑、简练的风格,注重实用性与结构美。 汉代的鼎盛: 汉代是中国漆器的第一个高峰期。技术成熟,规模空前。 戗金与镶嵌工艺的成熟: “戗金”技术(将金箔刮入刻划的线条中)成为主流,使得图案轮廓清晰,光彩夺目。同时,螺钿(用贝壳磨制成的薄片镶嵌)的雏形也开始出现。 彩绘的精进: 漆画不再局限于简单的线条勾勒,开始尝试描绘宏大的历史场景、神仙世界或宴饮出行图景,线条流畅,色彩丰富,具有强烈的叙事性。如长沙马王堆汉墓出土的素纱襌衣旁的漆器,展现了极高的写实功力。 器型多样化: 出现了如漆屏风、漆车舆、漆奁、漆几等大型或精细类器物,用途涵盖礼仪、军事、生活起居等方方面面。 第四章:魏晋南北朝的融合与蜕变——佛教艺术的渗透 这是一个动荡却充满文化碰撞的时代。漆器工艺在继承汉代的基础上,吸收了外来艺术的影响,尤其是佛教艺术的元素。 佛教主题的兴起: 佛塔、菩萨形象开始出现在漆器装饰中,为原本以神话、几何纹饰为主的漆器带来了新的题材。 写意与清雅: 受玄学和士人精神影响,漆器风格趋于内敛与写意。色彩上追求黑白或朱红的强烈对比,线条趋于洒脱,摆脱了汉代过度的繁复装饰。 第五章:隋唐的盛世气象——螺钿工艺的飞跃与外传 唐代国力强盛,文化开放包容,漆器工艺迈入了又一个高峰,吸收了中亚、波斯等地带的艺术影响,技法更为华丽。 螺钿工艺的巅峰: 唐代是螺钿工艺(使用鲍鱼、夜光等贝壳打磨成型后镶嵌于漆面)取得巨大成就的时期。贝壳的五彩斑斓与漆器的沉稳形成鲜明对比,效果极其华贵。 金银平脱的盛行: “平脱”技术,即先用金银箔片贴在漆胎上,再用漆层层覆盖,最后打磨露出金银光泽的工艺,盛行于唐代,使得器物表面具有如同金属浮雕般的光泽和质感。 外来风格的融合: 吸收了大量西亚的宝相花、联珠纹等装饰母题,使得唐代漆器充满了盛世的雍容气度。 第六章:宋元的内敛与转型——文人审美的介入 宋代审美推崇自然、简约和内在的意趣,这对漆器产生了深刻影响。 “素雅”的追求: 相比唐代的华丽,宋代漆器趋向于内敛、含蓄。装饰主题多采用花鸟、山水、诗词意境。 剔红技法的成熟: 宋元时期,“剔红”(层层髹饰朱漆,待其达到一定厚度后再行雕刻)技术逐渐成熟,虽然明代才达到顶峰,但基础已在此时奠定。 瓷枕与宗教用具: 出现了大量专为文人雅士服务的漆器,如漆盒、漆奁,以及仿制瓷器造型的漆器。 第七章:明清的集大成与分流——雕漆的辉煌与民俗化 明清两代,漆器艺术达到了工艺技术的极致,流派纷呈,但同时也开始向世俗化和装饰化发展。 明代的雕漆艺术: 明代永乐、宣德年间,以北京和福州为中心的雕漆达到了登峰造极的水平。 剔红(雕红): 雕漆成为最主要的装饰手法,图案繁复精细,刀法老辣,层次分明。如北京故宫所藏的剔红大漆家具和屏风,堪称工艺的奇迹。 剔黄、剔绿、剔黑: 在朱漆之外,其他色彩的剔刻工艺也得到发展。 戗金、镶嵌的回归: 螺钿、戗金等工艺在明代中晚期依然保持着高水准,并与雕刻完美结合。 清代的精细与程式化: 清代漆器更加注重写实和细节处理,追求“繁缛胜于一切”的审美倾向。 民间工艺的勃兴: 以福州脱胎漆器、广西南宁的“填花螺钿”为代表的民间工艺体系成熟,它们更加注重实用性,并形成了地域鲜明的特色。例如,脱胎漆器轻盈坚固,便于运输和实用。 中西合璧的尝试: 受到西方传教士的影响,部分漆器出现了西方图案或家具结构的融入。 第八章:近现代漆艺的传承与创新 晚清至近现代,在西方工业化和现代设计思潮的冲击下,传统漆艺面临转型。 工艺的坚守: 老一辈匠人坚守着传统髹饰与雕刻技艺,力求在有限的范围内进行微调与创新。 现当代艺术的探索: 二十世纪以来,随着工艺美术教育的恢复,漆艺家们开始将传统技法应用于更具现代感的造型与主题中,探索漆画作为独立艺术形式的可能性,使这一古老技艺焕发出新的生命力。 结语:永恒的东方之光 中国漆器,是一部流动的史诗。它以木胎为骨,以天然漆为血肉,历经千年洗礼,不断吸收、融合、创新。本书旨在为读者提供一个全面、深入的视角,去欣赏并理解这份凝固在时光中的东方华彩。

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读后感

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用户评价

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这本书的叙事节奏把握得相当巧妙,读起来完全没有一般鉴赏类书籍那种“教科书式”的僵硬感。作者的文笔是那种带着文人特有的散漫和灵动,在谈论严肃的工艺细节时,总能穿插一些有趣的典故或者个人化的观察感悟,使得阅读体验非常流畅和愉悦。我特别喜欢其中关于“手感”的论述,他强调,真正的鉴赏不仅仅是看表面的纹路和沁色,更重要的是将砚台置于掌心,去感受那份独有的“拙朴”与“温润”。这种由内而外、由物质到精神的深入挖掘,让我对“鉴赏”二字有了全新的理解——它不是评判,而是一种深度的共情。书中对特定窑口和匠人风格的辨识,也处理得非常到位,不像有些资料那样含糊其辞,而是给出了清晰的脉络和参照系,对于初学者而言,提供了很好的入门路径,而对于资深藏家来说,或许也能从中找到新的启发点。总而言之,这本书成功地将学术的严谨性与大众阅读的亲和力结合得恰到好处,阅读过程是一种享受,而不是负担。

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拿到这本书的时候,我本来以为会是一本枯燥的工具书,毕竟“鉴赏”二字听起来就充满了学院气息。没想到,翻开第一页,就被那种扑面而来的历史厚重感吸引住了。作者在文字的处理上极为老练,他没有堆砌那些艰涩难懂的古董行话,而是将每一方砚台的故事娓娓道来,仿佛带着你穿越回了那个时代。最让我惊喜的是,书中对于不同时期澄泥砚的泥料特性、发色变化以及文人墨客对它们的情感寄托,都有非常细腻的描摹。比如,他能精准地捕捉到宋代澄泥砚的内敛含蓄与明清时期趋于华丽的审美倾向之间的微妙差异。阅读过程中,我仿佛能闻到那股淡淡的泥土和墨香混合的气味,感受到文人在研墨磨砚时指尖传来的温润触感。这本书的价值,远超出了单纯的技法指导,它更像是一部微缩的中国文人生活史,每一方砚台背后,都承载着一段被时间打磨的时光印记。这本书的装帧设计也值得称赞,纸张的质感和印刷的清晰度,都体现出对传统文化的尊重。对于任何一个对中国传统工艺、文人生活乃至历史美学感兴趣的爱好者来说,这绝对是一本值得珍藏的案头必备。

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这本书的知识体系构建得极为严谨,逻辑层次分明,像是一座精心规划的知识殿堂,让人愿意一步步走进去探寻。作者在开篇建立了一套清晰的分类标准,这对于梳理复杂的历史脉络至关重要。从泥料的取土、淘洗、成型、烧制,到后期的打磨和包浆过程,每一步骤的工艺解析都详实可靠,甚至能让人感受到那位古老工匠在炉火旁的专注。我尤其欣赏其中对“使用痕迹”的重视,书中详尽地描述了如何通过研池的深浅、墨垢的层次,来推断一方砚台的“年龄”和“品性”,这是一种非常“动手”的鉴赏哲学。这本书的实用性是毋庸置疑的,它提供的鉴赏工具和参照系,对于希望建立个人收藏体系的读者而言,具有极高的参考价值。它不是在教你盲目地崇拜古物,而是在教你如何用科学、理性的眼光去欣赏和评估一件艺术品。读完这本书,我感觉自己拿到的不仅仅是知识,更是一套审美的“内功心法”,让我对待所有精美器物的目光都变得更为锐利和深入。

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我必须得说,这本书的排版设计简直是一场视觉盛宴,它完美地诠释了“内容为王,形式助力”的理念。在面对如此多细节丰富的器物时,如何平衡图文的关系,是一个巨大的挑战,但这本书处理得极其出色。那些高清的局部特写镜头,将澄泥砚表面的微观肌理、甚至是一些细小的气泡孔洞都展现得淋漓尽致,这种细节的呈现,对于辨别真伪和判断工艺水平至关重要。更令人赞叹的是,作者并没有将图片简单地罗列堆砌,而是将每一张图片都视为叙事的一部分,图注精炼却富有洞察力,与正文形成一种互相补充、互相印证的良性循环。我常常会盯着某一张砚台的照片出神,然后回过头去对照文字描述,这种“对照阅读”的过程,极大地加深了对实物特征的记忆和理解。这本书的每一个跨页设计都经过精心考量,留白的处理非常到位,使得原本可能略显拥挤的鉴赏信息,变得开阔而呼吸顺畅。这不仅仅是一本介绍砚台的书,更像是一本高质量的艺术画册,体现了出版方对传统文化传播的诚意与专业。

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这本书在探讨澄泥砚的历史流变时,展现出一种宏大叙事下的个体聚焦能力。它没有满足于仅仅罗列年代和产地,而是将每一类砚台置于当时社会文化的大背景下去考察其存在的合理性与美学意义。例如,在讲述唐代澄泥砚的粗犷风格时,作者联系到了当时的审美尚武和尚简的社会风气;而在论述晚清时期砚台装饰上繁复的雕工时,又能巧妙地引入士人阶层对内敛趣味的追求,形成一种有趣的对比。这种穿梭于“大历史”与“小物件”之间的叙事手法,让阅读充满了探索的乐趣。它让我意识到,任何一件看似寻常的器物,都是特定时代精神的浓缩和反映。这本书对于不同地域澄泥砚的泥料差异性,也做了深入的比较研究,比如不同产地泥土的颗粒粗细如何影响了墨的洇散和书写的流畅度,这些深入到物理层面的探讨,极大地拓宽了我的知识边界。读完后,我感觉自己对中国文房器具的认识,从一个平面视角,提升到了一个多维度的立体空间。

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一宗罪体系未成,二宗罪文笔欠佳,三宗罪骨气不足。

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