初中音乐八 第16册

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出版者:人民音乐出版社
作者:吴斌 编
出品人:
页数:66
译者:
出版时间:2002-11
价格:4.30元
装帧:平装
isbn号码:9787103024362
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《义务教育课程标准实验教科书•音乐(简谱版)(8年级)(第16册)》按照课程改革的理念,依据课程标准编写的,运用较为广泛,简单、易学,如果再通过系统化的讲解,由浅入深,用循序渐进的原则,一定会达到事半功倍的效果,从而顺利地掌握《义务教育课程标准实验教科书•音乐(简谱版)(8年级)(第16册)》知识,最终达到独立运用的目的。

好的,这是一份针对一本名为《初中音乐八 第16册》的图书,但内容完全不涉及该书的图书简介,旨在详细描绘其他音乐主题的内容。 --- 图书名称:世界音乐文化巡礼:从巴洛克到爵士乐的演变与欣赏 图书简介 这部《世界音乐文化巡礼:从巴洛克到爵士乐的演变与欣赏》旨在为音乐爱好者和初学者提供一个跨越数百年历史、贯穿东西方文化脉络的全面音乐知识导览。本书并非专注于特定学段的教材,而是一部旨在拓宽读者音乐视野、深化其对西方古典音乐传统及其衍生流派理解的深度探索之作。 第一部分:西方音乐的根基——巴洛克与古典主义的辉煌 本书的开篇,我们将深入探索西方音乐史中最具里程碑意义的两个时期:巴洛克时期(约1600-1750年)与古典主义时期(约1750-1820年)。 巴洛克时期的织体与情感 巴洛克音乐以其繁复的对位法、强烈的装饰性和清晰的结构著称。我们首先会解析巴赫(Johann Sebastian Bach)的赋格艺术,探讨《平均律钢琴曲集》如何奠定了和声学的基础。书中详细分析了协奏曲(Concerto Grosso)的结构,特别是维瓦尔第《四季》中如何运用音乐描绘自然景象。读者将学习如何辨识通奏低音(Basso Continuo)在当时乐队配置中的核心作用,以及歌剧这一艺术形式在蒙特威尔第手中如何从早期试验走向成熟,特别是咏叹调(Aria)中“激情说”的表达方式。 古典主义的清晰与平衡 随后,我们将步入古典主义时期,这是一个追求结构清晰、旋律优美和情感平衡的时代。海顿(Joseph Haydn)被誉为“交响曲之父”,书中会详细剖析奏鸣曲式(Sonata Form)的呈示部、发展部和再现部,这是理解莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)和贝多芬(Ludwig van Beethoven)作品的关键。我们不仅会欣赏莫扎特歌剧《费加罗的婚礼》中对社会阶层的细腻刻画,还会深入研究贝多芬九部交响曲的革命性意义,特别是《第五交响曲》中“命运敲门”主题的动机发展手法,以及他如何将古典的严谨与浪漫的激情巧妙融合。 第二部分:浪漫主义的澎湃与民族乐派的兴起 进入19世纪,音乐的主题从客观的结构美转向主观的内心体验,浪漫主义浪潮席卷了整个欧洲。 个人情感的极致表达 浪漫主义音乐强调个人情感的自由抒发、对自然、死亡与超自然主题的迷恋。肖邦(Frédéric Chopin)的夜曲(Nocturne)和圆舞曲如何将钢琴的抒情性推向极致?李斯特(Franz Liszt)的“交响诗”(Symphonic Poem)又如何开创了标题音乐的新纪元?本书将通过详尽的乐谱分析和时代背景介绍,帮助读者领会浪漫主义作曲家们如何运用更广阔的和声范围和更丰富的管弦乐色彩来描绘宏大的叙事。 民族主义的觉醒与融合 与此同时,欧洲各地的民族主义思潮也深刻影响了音乐创作。我们聚焦于俄罗斯的“五人强力集团”,如穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫,如何从民间音乐和史诗中汲取灵感,构建独特的俄罗斯音乐语汇。此外,捷克的德沃夏克如何将美国黑人灵歌的元素融入其《新世界交响曲》中,展示了跨文化借鉴的典范。 第三部分:20世纪的多元探索与音乐的“去中心化” 20世纪是音乐史上变革最为剧烈、风格最为多元的时期,传统的调性体系被颠覆,新的技术和理念层出不穷。 印象主义与表现主义的碰撞 德彪西(Claude Debussy)的印象主义音乐,如何通过模糊的和声色彩和对音色(Timbre)的偏好,营造出如印象派画作般的朦胧意境?与此形成鲜明对比的是,勋伯格(Arnold Schoenberg)及其追随者如何发展出无调性音乐和十二音体系(Dodecaphony),试图在听觉上彻底打破传统的美学规范?本书将清晰梳理这两种截然不同的现代主义路径。 新古典主义与电子音乐的萌芽 面对浪漫主义的过度膨胀,以斯特拉文斯基(Igor Stravinsky)为代表的新古典主义者如何回归巴洛克和古典时期的清晰结构,但运用现代的和声语言进行重构?同时,我们也将考察战后音乐的激进发展,包括序列主义(Serialism)的进一步深化,以及早期电子音乐(Musique Concrète)在工作室中如何利用录音技术创造前所未有的音响景观。 第四部分:跨越大陆的爵士乐:从新奥尔良到比波普 本书的最后一部分将视野转向北美大陆,深度解析爵士乐——一种融合了非洲节奏、欧洲和声与美国民间音乐的独特艺术形式。 爵士乐的起源与早期发展 我们将追溯爵士乐在20世纪初新奥尔良的诞生,分析布鲁斯(Blues)在其中不可或缺的地位,以及拉格泰姆(Ragtime)的切分节奏如何奠定其律动基础。路易斯·阿姆斯特朗(Louis Armstrong)在即兴演奏上的革新,如何将集体即兴推向个人独奏的时代? 摇摆乐的黄金时代与比波普的革命 摇摆乐(Swing)时期如何成为爵士乐的商业高峰?本书将分析大乐队(Big Band)的编配技巧,以及艾灵顿公爵(Duke Ellington)在配器色彩上的大师级处理。随后,我们将探讨二战后比波普(Bebop)的兴起,查理·帕克(Charlie Parker)和迪兹·吉莱斯皮(Dizzy Gillespie)如何通过更快的速度、更复杂的和声和更碎片化的旋律,将爵士乐从舞蹈音乐推向高度智性化的艺术音乐。 结语 《世界音乐文化巡礼》力求提供一个连贯、深入且充满细节的音乐地图,引导读者理解音乐如何随着社会、技术和思想的变迁而不断进化。本书适合所有对音乐史、不同音乐流派的结构与风格感兴趣的读者,旨在培养一种更具洞察力的聆听方式。 ---

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这本书的内容编排逻辑真是太清晰了,完全站在我们学生的角度来思考的。每一课的引入部分,都不是生硬地抛出知识点,而是会用一个非常贴近生活的小故事或者一个耳熟能详的音乐片段作为引子,一下子就能抓住我的注意力。比如讲到某个节奏型时,它会先让我们听一段熟悉的进行曲,然后才去分析它的结构,这种“先体验,后理论”的方式,比起枯燥的公式推导要有效得多。而且知识点的难度递进设置得非常科学,从基础的音高、节奏练习,到后面的和声初步概念,每一步都踏实稳健,不会让人有“学不动了”的感觉。配图的选择也极其用心,那些历史人物的插画或乐器透视图,不仅美观,更起到了很好的辅助理解作用,让抽象的音乐概念变得具体可感。

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这本书的选曲品味真的值得称赞,它平衡得太好了!既没有完全偏向某一特定风格或地域的音乐,也没有一味追求高深莫测的“艺术性”。里面收录的曲目既有我们熟悉的一些经典民歌和优秀的校园歌曲,能立刻引起共鸣,也有一些来自不同文化背景的优秀作品,极大地拓宽了我的视野。尤其是其中几首介绍世界音乐的部分,让我第一次认识到音乐是如何跨越语言和国界的。这些选曲不仅仅是用来“学唱”或“学奏”的材料,更像是一扇扇通往广阔音乐世界的窗户,激发了我主动去探索更多音乐类型的欲望,而不是被动地接受课本上的内容。

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这本书的封面设计简直是视觉上的享受!色彩搭配既有活力又不失稳重,那种墨绿色和金色的点缀,让整个设计显得既古典又现代。我尤其喜欢封面上那个抽象的音符图案,它不是那种老套的五线谱,而是用流动的线条勾勒出的旋律感,让人一眼就能感受到音乐的灵动。内页的纸张质感也出乎意料地好,摸起来光滑细腻,油墨的印刷清晰锐利,即便是最细小的谱号和文字也看得清清楚楚,长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。装订非常结实,翻开后完全不用担心书页会松散,这对于需要经常翻阅的教材来说太重要了。整体来看,这本书的制作工艺绝对是教科书级别的,看得出出版社在细节上是下足了功夫,让人在捧读它的时候,就好像提前进入了美好的音乐世界。

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从教学法的角度来看,这本书的设计理念是非常先进的。它不仅仅是一本知识的传递手册,更像是一个引导学生进行音乐实践和情感表达的工具。书里很多练习都不是要求机械地重复,而是引导你去思考“为什么”要这样弹奏或演唱。比如,在分析乐曲情感时,它会提出一些开放性的问题,鼓励我们用自己的语言去描述听到的是“忧伤”还是“激昂”,是“温暖”还是“冷峻”。这种强调主观体验和个性化解读的教学方式,让我感觉自己不再只是一个符号的搬运工,而是真正成为了一个有思考、有情感的音乐学习者。它教会我的不仅仅是音乐知识,更是一种用心去聆听世界的方式。

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我得说,这本书的配套资源简直是神助攻!单看书本内容已经很棒了,但配上那些在线音频和视频讲解,学习效果简直是翻倍了。那些伴奏音频的录制质量非常专业,音准和节奏无可挑剔,让我们在练习视唱练耳时,能有一个非常标准的参考音源。更赞的是,有些练习曲目还提供了不同速度的慢速版本,这对于我这种刚开始接触复杂节奏的同学来说,简直是救星啊!我可以先用慢速版本跟上,熟练后再逐步提速,完全掌握节奏的律动感。这种线上线下结合的学习体验,让传统音乐教材焕发了新的生命力,感觉自己不是一个人在孤军奋战,背后有强大的技术支持着我前进。

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