427 656-2aMENDELSSOHN…(CD) pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版者:未定義齣版社

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頁數:0

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出版時間:1900-01-01

價格:132.0

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isbn號碼:9780289427651

叢書系列:

圖書標籤:

• 門德爾鬆
• 古典音樂
• CD
• 器樂
• 浪漫主義
• 音樂
• 古典
• 德國
• 作麯傢
• 藝術

追尋失落的鏇律：勃拉姆斯與德奧浪漫主義的輝煌遺産 本書簡介 這部詳盡的音樂史著作，將帶領讀者深入二十世紀上半葉德意誌和奧地利音樂思想的復雜肌理，尤其聚焦於約翰內斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）及其對後世作麯傢産生的深遠影響。我們規避瞭對特定錄音版本（如您提及的特定編號唱片）的直接描述，而是專注於分析藝術作品本身在曆史、美學和結構層麵上的價值，構建一個關於十九世紀末至二十世紀初歐洲古典音樂圖景的宏大敘事。 全書分為五大部分，共計二十章，旨在提供一個既嚴謹又富於洞察力的學術視角，探討德奧浪漫主義（German Romanticism）如何從古典主義的基石中生長、達到其頂峰，並最終麵臨現代主義的挑戰。 第一部分：古典主義的餘暉與勃拉姆斯的誕生（1833-1860） 本部分首先追溯瞭維也納古典樂派——特彆是貝多芬和舒伯特——對年輕的勃拉姆斯所施加的“幽靈般的”壓力。我們詳盡分析瞭勃拉姆斯早期對復調技巧的執著追求，以及他如何試圖在繼承傳統和錶達個人情感之間找到平衡點。 關鍵議題包括： 對“形式”的迴歸： 探討勃拉姆斯如何將奏鳴麯式、變奏麯和賦格結構視為錶達而非束縛。我們詳細考察瞭其早期鋼琴奏鳴麯（如降B大調第一號）中，對傳統結構進行內部壓縮與拓展的實驗性手法。 “室內樂的內在性”： 分析勃拉姆斯早期室內樂作品（如他那幾首飽受爭議的鋼琴三重奏）中，那種既親密又剋製的情感錶達方式，並將其與舒曼晚期作品中的心理投射進行對比。 對“絕對音樂”的堅守： 在李斯特和瓦格納主導的“新德意誌樂派”聲勢日益高漲的背景下，本書清晰界定瞭勃拉姆斯對程序音樂的拒絕立場，並論證瞭這種立場如何塑造瞭其音樂語言的“去敘事化”傾嚮。 第二部分：中期的成熟與交響史詩（1861-1885） 這是勃拉姆斯創作力的噴薄期，標誌著其真正登上德奧音樂的中心舞颱。本部分著重探討瞭勃拉姆斯在大型器樂體裁——特彆是交響樂和協奏麯中——所取得的裏程碑式成就。 《第一交響麯》的“十年磨劍”： 細緻剖析瞭這部作品從構思到首演的漫長過程，將其視為作麯傢與貝多芬遺産進行對話的宣言。分析其第二樂章中對木管樂器色彩的精妙處理，以及終麯主題（“阿爾卑斯山號角”）的象徵意義。 協奏麯的平衡藝術： 考察《D小調第一鋼琴協奏麯》和《D大調小提琴協奏麯》。前者是浪漫主義力度與古典主義對位法的完美結閤；後者則深入探討瞭小提琴獨奏與管弦樂隊之間復雜的“平等對話”，而非傳統協奏麯中那種炫技式的對抗。 聲樂套麯的典範： 論述勃拉姆斯對德語藝術歌麯（Lied）的貢獻。重點分析瞭《德意誌安魂麯》——這部作品不僅是宗教音樂，更是對人類生命與死亡的哲學沉思，其中對德語文本的精確處理達到瞭前所未有的高度。 第三部分：晚期風格的轉型與結構實驗（1886-1897） 勃拉姆斯晚年風格的轉變是音樂史上一個引人入勝的課題。在看似迴歸簡樸的外錶下，隱藏著極其復雜、內省和結構緊湊的音樂語言。 “更少的激情，更多的智慧”： 分析瞭晚期室內樂作品，如單簧管五重奏（作品115）和單簧管三重奏（作品117）。這些作品體現瞭作麯傢對生命終極問題的沉思，其和聲語匯變得更為微妙，對位法運用也更加自由和內斂。 對“瓦格納主義”的反思與吸收： 盡管勃拉姆斯公開拒絕歌劇和“標題音樂”，但本書論證瞭晚期作品中齣現的一些和聲模性色彩，暗示瞭他對同時代音樂潮流並非完全封閉。特彆是對非功能性半音化的謹慎使用，預示瞭德彪西和後來的荀伯格將要探索的領域。 “小品”的哲學： 考察晚期鋼琴小品（Op. 116-119）。這些看似短小精緻的作品，實則是對作麯傢一生音樂理念的總結。它們探討瞭迴憶、失落與永恒的主題，其對位結構密度甚至超過瞭早期宏大作品。 第四部分：德奧傳統與後勃拉姆斯時代（1897-1920） 勃拉姆斯去世後，他的遺産在維也納和柏林的音樂界引發瞭激烈的繼承與批判。本部分分析瞭勃拉姆斯主義如何被不同的陣營所利用和扭麯。 “維也納的保守派”： 考察瞭如弗裏德裏希·剋魯澤（Friedrich Klose）等追隨者，他們試圖將勃拉姆斯塑造成瓦格納的對立麵，強調德奧古典傳統的“純潔性”。 荀伯格的早期影響： 重點分析瞭青年阿諾德·荀伯格（Arnold Schoenberg）在早期作品中對勃拉姆斯配器技巧和對位法結構的繼承，這對於理解荀伯格如何最終轉嚮十二音體係至關重要——他必須首先完全掌握他要“反叛”的傳統。 馬勒與勃拉姆斯的張力： 盡管馬勒在配器和交響規模上與勃拉姆斯大相徑庭，但本書揭示瞭馬勒對其室內樂中敘事潛能的藉鑒，尤其是在處理德奧民間音樂元素時，兩者之間存在著深刻的內在對話。 第五部分：音樂本體論與二十世紀的遺産 本書的結論部分，將勃拉姆斯的藝術置於更廣闊的本體論框架下進行審視，避免瞭簡單的“是或否”的價值判斷，而是探討其持久的藝術生命力。 結構主義的先驅： 從現代分析的角度，論證勃拉姆斯在主題發展和動機統一性上的嚴謹性，使其成為二十世紀結構主義音樂分析的絕佳範本。 情感與理性的辯證法： 總結勃拉姆斯音樂的魅力所在——它從不嚮純粹的感性或僵硬的理性屈服，而是在兩者之間建立瞭一個充滿張力的平衡場域。 本書的寫作風格力求精確、考究，引證瞭大量德語和英語的原始文獻與早期評論，旨在為嚴肅的音樂學者和渴求深入理解德奧浪漫主義核心的聽眾，提供一部不可或缺的參考著作。它不是一部關於“錄音收藏”的指南，而是關於“音樂思想”的深度挖掘。

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書中關於“時間的重量”這一概念的探討，簡直達到瞭令人毛骨悚然的深度。作者沒有使用任何宏大的、史詩般的詞匯來描繪曆史的厚重，反而選擇瞭極其微觀的視角。他花瞭整整三十頁篇幅，細緻入微地描繪瞭一件日常用品——一把被遺忘在閣樓裏的黃銅鑰匙——從被鑄造、被使用、到被銹蝕、最終被遺忘的全過程。這段描寫中，鑰匙的每一次摩擦、每一次溫濕度的變化，都被賦予瞭近乎生命體的感知。通過這把鑰匙，作者巧妙地引申齣瞭人類個體生命在漫長曆史長河中的渺小與短暫，但同時又強調瞭每一個瞬間所承載的、不可磨滅的“存在感”。這種筆法極具畫麵感，讓我仿佛真的能聞到閣樓裏彌漫的塵土和木頭的黴味。我讀到此處時，不得不放下書，走到窗邊，看著樓下匆匆走過的行人，思考我們每個人所攜帶的那些“無用的”但卻被深埋的私人曆史，究竟會如何隨著時間的推移而悄無聲息地氧化。

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這本書的敘事節奏，老實說，初讀時頗有些令人摸不著頭腦，它不像傳統小說那樣提供清晰的綫性劇情，更像是意識流與碎片化曆史的混閤體。開篇並未急於交代人物或背景，而是拋齣瞭一係列充滿哲學思辨的詰問，像是在搭建一個巨大的、看不見邊際的迷宮入口。我花瞭至少三分之一的篇幅纔勉強捕捉到一條若隱若現的主綫——關於“記憶的不可靠性”以及“藝術創作中原型與模仿的界限”。作者似乎深諳如何利用語言的留白來激發讀者的主動參與性，他會突然插入一段看似不相關的中世紀煉金術筆記，緊接著又跳躍到對某位二戰時期不知名鋼琴傢的訪談摘錄。這種跳躍性要求讀者必須時刻保持警惕，不斷在不同的信息節點之間建立聯係。我發現，如果嘗試用傳統的“讀故事”方式去消化它，很容易感到挫敗，但一旦接受瞭這種非綫性的結構，開始享受在不同時間點、不同語境中穿梭的“智力遊戲”時，那種豁然開朗的樂趣是無與倫比的。它不喂給你答案，而是提供瞭一堆精美的、形狀各異的積木，讓你自己去拼湊齣你心中的“真相”。

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文學性上，這本書的語言風格展現齣一種驚人的多麵性。它時而像十九世紀末的學院派散文那樣，句式復雜、修辭繁復，每一個長句都像精巧的巴洛剋式建築，層層疊疊，充滿瞭對拉丁詞根的精準運用，讓人不得不放慢速度，逐字逐句地咀嚼其間的暗示與反諷。然而，在敘事的高潮部分，作者的筆鋒會突然一轉，變得極其簡潔有力，甚至帶有某種粗礪的紀實感，仿佛突然切換到瞭戰地記者的速寫風格。比如有一段描寫角色在極度恐慌下的內心獨白，全文竟然隻有寥寥幾句，全部使用短句，甚至不乏斷裂的、充滿感嘆號的片段，這種強烈的對比，極大地增強瞭情感衝擊力，使得那些平淡敘述下的隱忍情感瞬間爆發。這種在華麗與樸素之間遊刃有餘的掌控力，體現瞭作者深厚的文字功底，也讓每一次閱讀體驗都充滿瞭驚喜，你永遠不知道下一頁會帶給你的是典雅的頌歌還是憤怒的呐喊。

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這本書的裝幀設計簡直是一場視覺盛宴，光是拿到手就能感受到那份沉甸甸的分量和匠心獨運。封麵采用瞭啞光處理，觸感細膩溫潤，中間的主視覺圖形——一朵抽象化的、仿佛被光綫穿透的鳶尾花——以浮雕工藝呈現，隨著光綫的角度變化，層次感立刻凸顯齣來。色彩的運用極其剋製且富有深意，主色調是低飽和度的靛藍與灰白，輔以極少量的、如同黎明前最後一抹霞光的金色勾邊，這種色彩搭配立刻將人帶入一種既古典又現代的沉思氛圍中。內頁的紙張選擇也十分考究，偏米黃的色調不僅保護瞭讀者的視力，更增添瞭一種久遠手稿的韻味。更值得稱道的是字體排版，主文采用的是一種我從未見過的襯綫體，字距和行距拿捏得恰到好處，即便是冗長的段落，閱讀起來也毫無壓迫感，仿佛作者的文字就是為這種特定的版式而生的。側邊書脊上的燙金書名處理得極其低調，隻用極小的、幾乎要融入背景的字體鎸刻，這份對自身內容自信到無需高聲喧嘩的姿態，讓我對內部的文本內容充滿瞭無盡的好奇與敬畏。拿到它，我首先做的不是打開，而是反復摩挲、審視，它已然超越瞭一本書的物理屬性，成為瞭一件值得收藏的藝術品。

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我必須承認，這本書對讀者的知識背景有相當高的要求，它似乎默認讀者對古典音樂理論、早期現代哲學，以及至少一種非主流宗教體係有所涉獵。在涉及對某一特定藝術作品的分析時，作者並未提供詳盡的背景介紹，而是直接進入瞭對該作品“內在結構”的拆解，大量使用瞭專業術語，如“迴鏇麯式中的反位主題再現”或“康德式先驗演繹的謬誤性”。這使得初次接觸這些領域的讀者可能會感到明顯的閱讀障礙，仿佛在聽一場隻有內行纔能完全理解的深度研討會。我個人因為對其中部分領域有基礎瞭解，所以能從中體會到作者論證的精妙之處，特彆是他如何將音樂中的“不和諧音程”與哲學中的“認知失調”巧妙地縫閤起來，構建瞭一個自洽的批判框架。然而，這種高門檻也意味著它可能無法成為一本“大眾暢銷書”，它更像是一封寫給特定群體、精心打磨的“密信”，它並不在乎是否人人都懂，它隻在乎是否被“對的人”所理解和珍視。

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