中国评剧名家名段荟萃(4VCD) [套装]

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出版者:中国文联音像出版社
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价格:37.0
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isbn号码:9787880772890
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  • 评剧
  • 戏曲
  • 传统戏曲
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  • 中国戏曲
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具体描述

翰墨流芳:中国戏曲艺术的瑰宝与传承 本书系一套集结了中国传统戏曲艺术精髓的珍贵文献汇编,旨在系统梳理和展现自古至今,中国戏曲在不同历史时期、地域流派中涌现出的杰出代表作、理论探讨及艺术实践的深刻洞察。此套文献并非单一剧种的记录,而是一部宏大的戏曲艺术发展史的缩影,涵盖了京剧、昆曲、越剧、黄梅戏、川剧等多个主要剧种的经典剧目赏析、剧作家创作心路、表演艺术家技艺剖析,以及对戏曲美学、声腔特色、舞台调度等核心议题的深入研究。 第一辑:声腔艺术的千面风采 本辑重点聚焦于中国戏曲赖以生存和发展的核心——声腔系统。它详细考辨了不同剧种的音乐基础,如京剧的西皮二黄板式结构、昆曲的“水磨腔”的婉转幽微、越剧的板腔体在江南水乡的柔美演绎,以及秦腔的刚健奔放。 京剧声腔的结构与变奏: 深入剖析了老生、小生、花脸等行当在“哭板”“流水板”“快板”等不同节拍下的气息运用与情感表达。书中收录了大量对早期谭(鑫培)、余(叔岩)等大师演唱录音的乐理分析,探讨了他们如何将传统民间音乐元素融入规范化的戏曲唱腔体系之中,形成独树一帜的流派风格。 地方戏的地域性特征: 重点介绍了如徽州的徽剧、河北的梆子、四川的地方声腔如何扎根于本土方言和民间歌谣,形成了独具地方色彩的韵味。例如,对某些剧种中独特的“颤音”“滑音”技法的乐谱化记录和解析,力求还原其在舞台上的现场听感,而非仅仅是文字描述。 唱腔与叙事的关系: 本辑的另一重要篇幅在于探讨“唱”如何承载“做”的叙事功能。分析了通过拖腔的长度、换气的节点、以及对特定字眼的发音处理,如何微妙地传达人物的内心矛盾、处境的突变,以及情绪的高潮与低谷。这部分内容对戏曲音乐理论研究者具有极高的参考价值。 第二辑:剧目典藏与文本解读 本辑致力于收录和解析中国戏曲舞台上经久不衰的经典剧目,涵盖历史演义、神话传说、民间故事及现代改良戏等多个题材类别。 经典剧目深度剖析: 选取了如《空城计》、《牡丹亭》、《天仙配》、《搜孤救孤》等数十部代表作。但与一般剧本汇编不同,本书更侧重于文本的“流变史”和“舞台实践”。例如,分析了同一剧目(如《搜孤救孤》)在不同历史时期、不同表演者手中,其唱词、道白、甚至情节侧重的细微变化,揭示了戏曲艺术在传承过程中所展现的生命力与适应性。 文学价值与美学思想: 探讨了这些剧目背后的儒释道思想影响、民间伦理观念的投射,以及对封建社会弊病的影射。特别是对昆曲中那些意境深远、语言精炼的“过场”“曲牌”的文学性进行细致的品鉴,揭示其诗词化的美学追求。 剧作家创作手记: 辑录了部分著名戏曲作家(如清代的李玉、民国时期的田汉等)的创作手记、信件往来,从源头上还原剧本的诞生背景、对现实的关怀,以及他们对传统戏曲程式的继承与革新构想。 第三辑:表演艺术的程式与创新 本辑将焦点对准了戏曲舞台上演员的“做”与“念”,即表演技巧与程式规范的研究。 “行当”体系的规范化研究: 系统梳理了生、旦、净、丑四大行当的基本功训练方法与表演规范。详细描述了“圆场”“出手”“亮相”等核心程式动作的精确度要求和审美标准。书中配有大量对老一辈艺术家表演瞬间的精确线描图,用以辅助说明其身段、手眼步法的微妙差异。 “做功”与人物塑造: 深入探讨了如何通过眼神(“眼法”)、面部表情(“做相”)来完成复杂的心理刻画。例如,分析了花脸在表现“威猛”与“奸诈”时,如何通过眼眶的张合、髯口的处理来实现对角色的多维度塑造。 虚拟化表演的理论基础: 探讨了戏曲中“马上”、“饮酒”、“开门”等行为的虚拟性表达,并非简单模仿生活,而是提炼生活,符号化的艺术处理。书中引述了多位戏曲理论家对这种“非写实主义”表演哲学的论述,强调其在空间、时间、情感表达上的高度凝练性。 第四辑:戏曲艺术的传承与发展(理论与现状) 本辑关注的是戏曲艺术在近现代所面临的挑战、理论体系的建立,以及跨界交流的实践。 戏曲理论体系的建构: 汇集了二十世纪以来,关于戏曲音乐学、美学、导演学等领域的重要论文、学术研讨会记录。这些文献共同构建了一个多角度审视戏曲艺术的理论框架,包括对“程式化”的辩护与反思、对“写意”美学核心的坚守等。 教育传承的路径探索: 记录了传统戏校的教学大纲、科班训练的课程设置,以及名师“口传心授”的片段记录。特别关注了如何将老艺术家的口述经验转化为可供系统学习的教材,以应对口传心授模式在现代社会面临的断层风险。 国际视野下的交流与反响: 探讨了中国戏曲(特别是京剧和昆曲)走向世界舞台的历程,分析了西方评论界和观众对这种高度符号化艺术的接受度与误解点。收录了翻译中的难点分析,例如某些中国特有的文化意象(如“忠孝节义”)在翻译成西方语言时所产生的语义流失问题。 综合总结: 这套文献汇编,以其广博的覆盖面和深刻的剖析力,构建了一座中国传统戏曲艺术的数字与纸质的纪念碑。它不仅仅是剧本的堆砌,更是对一个民族审美情趣、道德观念、以及艺术创造力长久不衰的深度考察。它以严谨的学术态度,记录了舞台上转瞬即逝的辉煌,力图让后世的研究者和爱好者能够跨越时空,直抵中国戏曲艺术的灵魂深处。

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坦白讲,我购买这套《中国评剧名家名段荟萃(4VCD) [套装]》的目的性很强,就是为了寻找那些已经谢幕舞台的艺术家的“声音档案”。评剧的精髓,往往藏在那些看似不经意的轻吟浅唱之中,是唱腔中的气息处理和腔调的起伏转折。这套碟片做到了这一点,它收录的段落选得非常精妙,基本上涵盖了评剧的几个关键时期和重要流派的代表作。每当我感到生活压力大,心情烦躁的时候,我会随机抽取一张碟片播放,那特有的京韵和地方特色交融的唱腔,总能起到极好的舒缓作用。我体会到,艺术的生命力不在于画质有多高清,而在于它能否触动人心。尽管画质确实有时代局限,但这些大师们倾注一生的心血所凝练出的艺术精华,是任何现代技术都无法替代的。这套碟片,绝对是评剧艺术爱好者书架上不可或缺的镇宅之宝。

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这套《中国评剧名家名段荟萃(4VCD) [套装]》,真是让人看得如痴如醉啊!我特地找来欣赏的,是因为我对传统戏曲,尤其是评剧这门艺术怀有深厚的感情。说实话,我对这套碟片的期待值是相当高的,毕竟它打着“名家名段荟萃”的旗号,自然要拿出点真本事才行。看完之后,我的感受是复杂的,一方面,那些老艺术家的风采确实是宝贵的遗产,一招一式,一板一眼,唱腔的韵味醇厚得像是陈年的老酒,让人回味无穷。特别是几位大家在舞台上那种气场,即便隔着屏幕,那种穿透人心的力量依然能感受到。然而,从制作的角度来看,或许是年代久远的关系,画质和音质上难免有些遗憾,偶尔的杂音和模糊的画面,确实会稍微拉低观感体验。不过,瑕不掩瑜,能将这些经典瞬间记录下来,本身就是功德一件。我更倾向于把这看作是珍贵的历史影像资料,而非追求极致视听享受的现代产品。希望未来能有更清晰的版本面世,让更多年轻人有机会领略评剧艺术的魅力所在。

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从一个纯粹的戏迷角度来看,这套VCD的价值在于“原汁原味”。我一直觉得,戏曲艺术最怕的就是过度包装和现代化改编,那样会冲淡掉原有的韵味。这套碟片恰恰保留了那个年代舞台演出的真实风貌,包括早期的舞台布景、服装设计,甚至是一些现场的调度,都非常具有研究价值。我特别留意了不同代际艺术家的演唱风格变化,能清晰地看到评剧艺术是如何在传承中不断发展和适应时代的。当我看到那些久违的经典扮相和唱腔再次出现在眼前时,那种情怀是无法用金钱衡量的。当然,我们必须客观地看待VCD的局限性,画面的颗粒感和色彩的失真,在某些场景下确实会让人分神,但这种“历史的痕迹”也恰恰是它的独特魅力所在。它迫使我们把注意力从视觉的完美转移到听觉和情感的共鸣上,这或许也是一种返璞归真的艺术体验。

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当我打开这套评剧的VCD,首先吸引我的是那种扑面而来的年代感,它仿佛一把钥匙,瞬间把我带回了那个戏曲鼎盛的年代。我是一个对艺术细节比较挑剔的人,尤其欣赏那种炉火纯青的表演技巧。这套碟片里收录的选段,无疑是评剧历史上的瑰宝,每一段都堪称教科书级别的示范。我尤其喜欢看老一辈艺术家处理情感的细腻之处,比如一个眼神、一个水袖的摆动,都蕴含着深刻的故事情节和人物内心世界的挣扎与喜悦。说句实在话,现在的舞台上很少能看到这种“精雕细琢”的表演了。当然,作为VCD格式,清晰度的局限性是无法避免的,有些远景的细节处理,确实需要观众调动想象力去弥补。但对我来说,这种“粗粝感”反而增添了一种历史的厚重感,仿佛在翻阅一本泛黄的老相册,虽然不完美,却无比真实和珍贵。我建议初次接触评剧的朋友,可以先从这套碟片里最著名的几个选段开始听起,那绝对是直击灵魂的入门之选。

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这套《名家名段荟萃》带给我的震撼,主要来自于曲目的跨度之大和艺术家的代表性之强。我花了整整一个周末的时间,才勉强将四张碟片过了一遍。说实话,评剧的流派众多,风格各异,但在这套碟片里,我能清晰地感受到不同艺术家对同一段唱腔所注入的独特生命力。比如,有些名家的唱腔刚劲有力,如同山洪暴发,将人物的悲愤之情宣泄得淋漓尽致;而另一些艺术家的演绎则婉转悠扬,如春风拂柳,将女性的柔美和内心的矛盾展现得丝丝入扣。这种对比欣赏,是单独听某一出戏无法获得的宝贵体验。唯一的遗憾在于,由于是VCD载体,传输的码率有限,某些高音部分的声音细节丢失得比较明显,如果能用更高清的数字格式重新制作和发行,那将是评剧爱好者的一大福音。总体来说,它更像是一份详尽的“评剧艺术成就清单”,非常适合戏曲研究者和深度爱好者收藏。

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