中学音乐十七

出版者:人民音乐出版社

作者:吴斌 编

页数:50

出版时间:2004-7

价格:4.9

装帧:平装

isbn号码:9787103027417

具体描述

《义务教育课程标准实验教科书•音乐(五线谱版)(9年级)(第17册)》按照课程改革的理念，依据课程标准编写的，运用较为广泛，简单、易学，如果再通过系统化的讲解，由浅入深，用循序渐进的原则，一定会达到事半功倍的效果，从而顺利地掌握《义务教育课程标准实验教科书•音乐(五线谱版)(9年级)(第17册)》知识，最终达到独立运用的目的。

用户评价

这部名为《管弦乐配器法高级教程》的鸿篇巨制，厚度足以当枕头，但分量十足。作为一位对交响乐痴迷了二十多年的发烧友，我一直渴望能更深入地了解那些“看不见”的乐器组合是如何发出如此丰富多彩的声音的。这本书的讲解风格极其严谨，完全是学院派的教科书标准，但它的伟大之处在于其详尽的“音色图谱”。它不仅罗列了各种乐器在高低把位上的音域和音量，更细致到描述了不同乐器组合时产生的“泛音叠加效应”。例如，书中对长号与圆号在低音区交织时的“铜质的厚度”的描述，让我立即联想到马勒某段落的史诗感。作者并未回避复杂的乐器法规则，反而以一种近乎工程师的精确度，来展示如何通过精准的配器来构建声音的层次感和空间感。我特别关注了对木管乐器色彩的描述，书中对双簧管的“穿透力”与英国管的“忧郁鼻音”的区分，以及如何巧妙地运用单簧管的三个“换气区”来创造流畅的旋律线，讲解得入木三分。虽然阅读过程需要高度集中注意力，需要查阅大量乐器实例才能完全消化，但对于任何想深入理解管弦乐配器艺术的人来说，这本书是绕不开的“圣经”。它让我对未来听任何一场交响音乐会时，都会带着一种全新的、更具洞察力的耳朵去聆听。

我本来是个对理论书籍敬而远之的乐迷，总觉得那些密密麻麻的五线谱和复杂的术语离我的耳朵太远。但《和声学与曲式分析：古典主义视角》这本书，完全颠覆了我的偏见。它摒弃了传统和声学那种冰冷的公式推导，而是把每一个和弦的出现都放置在特定的情感语境下进行讨论。比如，书中对于莫扎特奏鸣曲中，如何利用导七和弦的色彩变化来制造“悬念”与“释放”的描述，简直是神来之笔。作者仿佛是一位经验丰富的剧作家，把音乐的结构比喻成剧情的高潮迭起。我以前听贝多芬的交响乐，总觉得宏大但有些难以捉摸其内在逻辑，但通过阅读本书对奏鸣曲式的深入解析——特别是其呈示部、展开部和再现部的心理功能划分——我终于明白了为何那些古典大师的结构如此坚固而又充满张力。书中的图表制作得极其精美，色彩编码清晰地标示了功能和声的进行路径，即便是不具备专业乐理基础的人，也能通过视觉辅助理解其精妙之处。更让我惊喜的是，它并非仅仅停留在分析层面，最后几章还探讨了如何将这些分析技巧反哺到我们自己的创作（尽管我只是业余爱好）和欣赏中，极大地提升了听音乐时的“参与感”。我感觉自己不再是单纯地“听”音乐，而是真正进入了作曲家构思世界的现场。

坦白说，我本来以为《民间音乐采集与田野调查方法论》会是一本枯燥的、充斥着方法论术语的学术专著，但这本书的实际体验却出乎意料的“有温度”。作者的叙述方式非常人性化，他没有把采集民间音乐描绘成一种冰冷的“数据收集”，而是将其塑造成一次深入另一个文化灵魂的对话。书中详细描述了田野调查初期如何与当地社区建立信任关系，如何运用非正式访谈来获取那些不轻易写在乐谱上的“口传知识”——比如，某个旋律在特定祭祀场合中的特定情感意义。关于录音技术的应用，作者提供了非常实用的建议，比如如何应对现场环境噪音，以及如何利用不同的录音设备来捕捉声音在特定空间中的反射特性。我尤其喜欢其中关于“音乐的生命周期”的讨论，即一段旋律如何在代际传承中被“修改”、“适应”和“重生”的过程。这使得我对那些看似简单的民间小调，产生了前所未有的敬意。它让我意识到，我们今天听到的每一个音符，都承载着一个家族或一个村落的历史记忆。对于民族音乐学的新手来说，这本书提供了最扎实、最富有人文关怀的入门指南，它教会的不仅是“如何记录”，更是“如何尊重和理解”。

这本书，名为《现代钢琴演奏技巧探索》，拿到手的时候，就被它那厚重的封面和严谨的排版吸引住了。作为一名多年来在琴房里摸爬滚打的琴童家长，我深知基本功的重要性，但市面上很多教材往往过于注重枯燥的指法练习，而忽略了如何真正将技巧融入音乐表现之中。这本书则完全不同。它以一种近乎解剖学的细致，剖析了巴赫到德彪西各个时期对钢琴触键要求的微妙差异。书中详细讲解了如何通过调整手腕、手臂的重量分配，来控制音色的颗粒感和延展性，特别是对于肖邦夜曲中那种“歌唱性”的线条处理，书中给出了非常具体且富有洞察力的指导。我尤其欣赏作者在讲解“非连奏”时所采用的“微小停顿”理论，这比传统教材上简单粗暴地强调“断开”要来得更具音乐性。随书附赠的在线视频资源也非常到位，演奏者的示范清晰、准确，让人仿佛置身于大师课现场。虽然内容深度要求较高，初学者可能需要老师的引导，但对于有一定基础，希望突破技术瓶颈的进阶学习者来说，这本书无疑是一剂强心针。它不仅仅是一本“如何弹得快弹得稳”的工具书，更是一本关于“如何弹得有灵魂”的哲学指南。读完前几章，我立刻让孩子调整了练习方法，效果立竿见影，那种僵硬的“机械感”正在慢慢被更流畅的音乐呼吸所取代，这对于我们家庭音乐教育而言，是巨大的收获。

《20世纪欧洲合唱艺术的演变》这本书的视角非常独特和聚焦。它没有像很多音乐史著作那样大谈特谈宏大的历史背景，而是像一个显微镜，对准了欧洲合唱音乐从浪漫主义晚期向现代转型的关键一百年。作者的论述脉络清晰，紧紧围绕着“人声表现力的解放”这一核心线索展开。我最欣赏的是，书中对拉威尔、德彪西以及后来的舍恩伯格等作曲家在人声处理上的创新进行了细致的对比分析。比如，拉威尔对母语（尤其是法语）发音重音的尊重，如何影响了他作品中旋律线的起伏，与传统意大利美声唱法的“拉长圆润”形成了鲜明的对比。此外，书中对无伴奏合唱（A cappella）中，如何运用“非功能性”和声来创造出类似“音景”或“声波”效果的分析，非常引人入胜。它让我理解了为什么有些现代合唱作品听起来像“空气”或“雾气”，而不是传统的“旋律线条”。阅读这本书，我仿佛走进了各个合唱团的排练室，亲眼目睹了歌唱家们如何适应新的发声技巧和对音准的挑战。对于合唱指挥和理论研究者来说，这是一本极具启发性的、专注于声学美学与语言张力的佳作。