中外名曲赏析

出版者:华南理工大学出版社

作者:李茵

页数:273

出版时间:1998-4

价格:13.80元

isbn号码:9787562312420

具体描述

《中外名曲赏析》以年代的远近为序阐述对中国作品的赏析，以音乐历史依次发展的时期为序阐述对外国作品的赏析。其题材、体裁多样，形式、风格各异，小至歌曲，大至奏鸣交响套曲，皆为颇具美学价值的精品。

用户评价

这本书，说实话，拿到手里沉甸甸的，光是封面设计就透着一股子老派的、值得信赖的庄重感。装帧精良，纸张的质感也相当不错，翻起来有一种沙沙的、仿佛穿越时空的回响。我本来以为这只是一本普通的乐谱汇编或者枯燥的历史梳理，但翻开目录才发现，它的野心显然不止于此。它并没有直接切入某一部具体的作品进行技术分析，而是采用了那种宏大叙事的视角，从古典时期的音乐哲学基础讲起，然后逐步过渡到浪漫主义时期的情感爆发，甚至还花了相当大的篇幅去探讨二十世纪以来音乐在社会变迁中的角色。 更让我惊喜的是，作者在阐述理论时，总能巧妙地穿插一些生动的历史轶事。比如，他描述贝多芬在耳聋后创作《第九交响曲》时的心路历程，那种挣扎与超越，简直能让人在脑海中构建出一幅波澜壮阔的画面。文字的笔触时而如涓涓细流般细腻地描绘乐曲结构，时而又像磅礴的交响乐那样，一气呵成，充满了激情和洞察力。阅读过程中，我感觉自己不是在“学习”音乐，而是在与那些伟大作曲家进行一场跨越时空的对话。这本书的价值就在于，它成功地将那些高高在上的古典艺术，用一种极其人性化和亲切的方式呈现给了大众，让即便是音乐理论初学者也能从中获得极大的启发和乐趣。

这本书的叙事风格，用当代话说，就是“反套路”。它拒绝用那种教科书式的、公式化的语言来定义“美”。作者仿佛是一位经验丰富的老船长，带着读者扬帆起航，去探索音乐海洋中那些尚未被完全标记的海域。他大胆地引入了许多哲学思辨，比如讨论“噪音”如何被纳入音乐语境，以及在数字时代，音乐的“物质性”是否正在消亡等尖锐议题。 很多章节的论证过程，更像是法庭上的辩论，充满了严密的逻辑推演，但同时又夹杂着作者个人强烈的、近乎诗意的判断。这种强烈的个人风格，使得阅读过程充满张力，让人时不时会停下来，跟书中的观点进行激烈的内心交锋。我甚至怀疑，作者可能是一位深谙文学修辞的音乐家，因为他对某些乐句的描述，已经超越了单纯的技术分析，达到了文学批评的高度。这本书的阅读门槛可能稍高，需要读者对音乐的历史背景有一定的了解，但一旦进入状态，那种思想被激发的感觉，是其他任何音乐普及读物都无法比拟的。

这本书的篇幅虽然可观，但整体的阅读节奏却控制得非常精准，仿佛作者对读者的注意力曲线有着精密的计算。开篇的几章如同一个精心编排的序曲，层层递进，为后续复杂的论述铺设了坚实的基础。最让我感到震撼的是，作者在探讨“不和谐音”的演变时，将之视为人类社会焦虑的晴雨表。他没有将之简单归类为“错误”或“前卫”，而是将其置于文明发展的脉络中进行考察，探讨了从早期教会音乐的纯净到现代派音乐的破碎感，这种对“声音的心理学”的挖掘，是非常罕见的。 全书的行文风格非常流畅，几乎没有那种让人感到晦涩难懂的学术术语堆砌。即便是涉及复杂的对位法或和声进行分析，作者也总能找到一个恰到好处的例子或类比来解释清楚。这本书最大的魅力在于它的“启发性”，它不会告诉你“什么是标准答案”，而是会引导你建立自己的判断体系。读完后，我发现自己对音乐的欣赏角度变得更加多元和宽容，不再固守于过去的经验，而是乐于去探索那些看似陌生或难以理解的声音世界。这是一本真正能提升鉴赏层次的宝藏之书。

这本书的结构组织方式，简直是一场精妙的迷宫探险，每走一步都充满了意想不到的惊喜和挑战。它避开了传统音乐书籍那种僵硬的“年代排序”或“体裁分类”，而是构建了一个围绕“人类情感表达的演变”的主线。举个例子，它没有简单地把巴赫和莫扎特放在一起，而是通过分析巴赫作品中的“神性秩序感”与莫扎特作品中的“优雅人性光辉”之间的微妙张力，来阐释不同时代背景下艺术家对世界的理解差异。 我尤其欣赏作者在处理不同文化音乐时的那种平衡感。它并非仅仅聚焦于德奥体系，而是花了相当大的篇幅去解析东方音乐的精髓，比如对中国传统戏曲中“板眼”的结构分析，以及日本雅乐的音阶特征。这种跨文化视野，让整本书的格局瞬间被拉高，不再局限于某一地域的审美范畴。阅读体验是高度互动的，作者抛出的问题常常引人深思，迫使读者停下来，关上书本，去聆听自己熟悉的那些旋律，试图在新的框架下重新解读它们。对于有一定音乐基础，但渴望拓宽思维边界的听众来说，这本书无疑是一剂强效的催化剂。

我花了很长时间才啃完这本书，因为我习惯性地在读到一些精彩的论断时，就必须停下来，找来对应的作品试听和反复琢磨。这本书的厉害之处在于，它成功地打破了听觉和视觉的界限。它不是在“描述”音乐，而是在“翻译”音乐的内涵。作者使用了大量的类比和隐喻，将抽象的音符运动转化为可感知的空间结构或情感轨迹。 比如，他描述德彪西的作品时，用到了“水彩画在光影中的晕染”这种描述，一下子就把那种朦胧、流动的听感具象化了。再比如，在谈论严肃音乐如何被大众接受时，作者并没有采取批判或谄媚的态度，而是客观地分析了媒介技术对音乐接受度的影响，这种冷静的社会学视角，让这本书的讨论维度一下子拓宽了。它让我开始思考，我日常听的那些“流行音乐”和古典音乐之间，在深层结构上是否共享了某种人类共通的叙事模式。这是一本能够重塑你听觉习惯的著作，读完之后，再听任何音乐都会带着一层新的、被解码的滤镜。