冉熙水彩画

出版者:上海人民美术出版社

作者:陈白云

页数:99 页

出版时间:2006年4月1日

价格:88.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532247479

具体描述

冉熙先生毕生致力于水彩画，在技法的运用上有其独到之处，早在学生时代他就很喜爱法国的弗拉芒克，模仿过不少酷似他的作品，素有中国的弗拉芒克之称，像林风眠先生被誉之为中国的卢奥，刘海粟为中国的凡高，但他们并不在乎以此为荣，而是在怎样努力提高和发扬中国民族艺术风格上下功夫，他勤奋苦练，在长期的实践中，摸索出他自己的画风，一改西方的“水”与“色”渗化的“湿画”理念，将中国传统水墨画与西方的“湿画”技法相揉合，开创了“墨”与“色”渗化的技法，在湿纸上调色、运笔挥洒自如。从“造型”走向“写意”，缔造了国画和西画相结合的表现方法，别开生面，为水彩画坛的开拓作出了重要贡献。 冉熙的画，崇尚大气，不饰雕琢，水分滋润流畅、色彩单纯沉着，用笔豪放潇洒，画中洋溢着浑厚遒劲的力，诗一般的意境给观者以无限遐思和愉悦的快感。解放前多次举办个人画展，深得徐悲鸿、林风眠、刘海粟、张充仁等大家的推崇。后学的借鉴与效仿，形成冉派风格。

用户评价

这本书带给我的震撼，更多是源于其构图上的大胆与巧妙。很多看似简单的日常场景，经过画家的重新编排，立刻焕发出了全新的生命力。我注意到，作者似乎非常擅长利用“留白”来营造意境，这在许多东方艺术中是常见的处理手法，但在这里与西方的水彩技法融合得天衣无缝。例如，在一组关于城市街景的速写中，画家只是寥寥几笔勾勒出建筑的轮廓和行人的动态，但通过地面上湿漉漉的反光和远处模糊的光源，成功地营造出一种身处喧嚣却又保持距离的观察者视角。这种“有与无”的张力处理得非常高级。我甚至一度暂停翻阅，对着其中一幅咖啡馆的室内场景琢磨了许久，那杯已经凉透的咖啡，旁边摊开的书页，光线从窗户斜射进来，形成的光束都被描绘得极有质感。它不是那种流水账式的记录，而是经过提炼后的精华，每一个元素都像是经过了精心的位置挑选，共同服务于画面的情绪表达。这种对画面节奏感的掌控力，让人由衷钦佩。

作为一名非专业人士，我更看重的是作品能否在情感层面与我产生共鸣，而这本画册在这方面表现得尤为出色。它没有刻意去追求宏大叙事或者复杂的象征意义，而是专注于捕捉那些稍纵即逝的、充满人情味的瞬间。我记得有一组关于老旧物件的描绘，比如一个磨损严重的木椅，或者一束插在旧花瓶里的野花。这些本应是黯淡无光的主题，在画家的笔下却洋溢着温暖的光芒。那木椅的纹理里似乎藏着岁月的痕迹，而花朵的色彩饱和度虽然不高，却带着一种历经风霜后的坚韧与柔和。这让我联想到自己家里的旧物，突然间，那些被时间遗忘的小物件也仿佛有了故事。这种将“平凡”提升至“诗意”的能力，是很多学院派作品所欠缺的灵气。阅读过程中，我常常会停下来，深深吸一口气，试图将那种画面带来的安宁感刻在脑子里，这感觉，比任何心灵鸡汤都来得有效。

初拿到这本画集时，就被那种扑面而来的清新感所吸引。装帧设计得非常考究，厚实的纸张，细腻的纹理，让人忍不住想用指尖去触碰那些画面。我一直对水彩这种媒介情有独钟，它自带的朦胧感和流动性，总能捕捉到转瞬即逝的光影和情绪。而这本画集里的作品，恰恰将这种特质发挥到了极致。尤其是那些描绘自然景色的篇章，无论是清晨带着薄雾的湖面，还是午后阳光穿透树叶的斑驳光影，都被画家处理得极为灵动。色彩的过渡自然得像是呼吸，没有丝毫的刻意堆砌。比如其中一幅海边的落日，不是那种浓烈的红黄交织，而是用近乎透明的蓝色和浅紫色轻轻晕染开来，远处的船只只留下了几笔简洁的剪影，那种宁静而又略带苍凉的美感，瞬间就能将读者的心绪拉入画中，让人仿佛能听到海浪轻拍沙滩的声音。这种功力，绝非一朝一夕可得，看得出背后是长年累月对光线、对色彩、对生活细微之处的敏锐捕捉和深刻理解。它不仅仅是技巧的展示，更像是一场心灵的独白。

深入品味这册画集后，我感受到了一种非常独特的、冷静的观察视角。它不是那种充满戏剧性的情感爆发，而更像是一位沉思者在世界一隅静静地记录。画作的整体基调偏向于内敛和沉静，即使描绘的是热闹的场景，也总有一股抽离感让人保持清醒。我尤其欣赏作者对“冷色调”的运用，蓝、灰、墨绿这些看似不易出彩的颜色，被调和得层次丰富，既保持了水彩的清透，又赋予了画面重量感。比如几幅雨后庭院的景象，那雨水的味道仿佛能透过纸面散发出来，湿润而清新，带着泥土和青苔的混合气息。这种“在场感”的营造，体现了艺术家极高的写生能力和对氛围的精准捕捉。整本书看完后，我没有感到疲惫，反而有一种洗涤心灵后的空旷和宁静，仿佛自己也跟着画家的笔触，完成了一次漫长而宁静的冥想之旅，非常值得反复品味。

这本书的装帧和印刷质量，必须给予高度评价。在数字时代，实体书的质感变得尤为重要，它决定了我们与艺术品之间“触觉”上的连接。这本画集在色彩还原度上达到了惊人的水准。我曾尝试过在不同的光线下观察同一幅画，发现它对于不同色温的光线有着很好的适应性，水彩特有的透明感被最大限度地保留了下来，没有出现任何死板的、油腻的覆盖感。尤其是那些大面积的水色渲染部分，色彩的边缘过渡自然流畅，没有出现“脏”点。纸张的选择也非常明智，它似乎既能承载水彩的湿润感，又能给予颜料足够的“呼吸空间”。对于我们这些热爱艺术，但可能不常直接接触原作的读者来说，一本高质量的印刷品，就是一次近距离接触大师手法的机会。这本画集，无疑是目前市场上能找到的，在工艺制作上最顶尖的一批艺术书籍之一。