艺术中的精神

出版者:云南人民出版社

作者:[俄] 瓦西里·康定斯基

页数:0

译者:李政文

出版时间:1999-02-01

价格:16.80元

isbn号码:9787222025318

丛书系列:俄罗斯思想文库

作者简介

康定斯基，1866年生于莫斯科，早年从事法律工作，后移居德国慕尼黑致力于绘画艺术。曾组织思想前卫的“青骑士”社团，出版《青骑士年鉴》。他先后发表了《艺术中的精神》、《形式问题》、《具体艺术》、《点・线・面》等著作，宣扬抽象艺术思想理论。因此他被视为抽象艺术的开山鼻祖。

读后感

“依赖于对艺术单个的精神考察，这种元素分析是通向作品内在律动的桥梁。” 艺术作品基本都会遵循对位构成法则，以此展现色彩和形式的和谐、对比和韵律，这样能使画面富含生气和趣味。不过仅有艺术法则，是不够的。悟性、创意、童真都是艺术家不可缺少的素质。 艺术家感知大自...  

看完此书后我终于有些明白了为什么我看不懂抽象主义绘事了，并且那种有些古怪的感觉是什么了。记得以前在电视剧中听到：一个好的设计师（不管是发型还是衣服），每一个细节都有着数百年乃至上千年的历史渊源。而抽象主义的渊源则是神秘主义。无怪乎看其中的作品有些古怪。 可问...

在写完《艺术中的精神》十数年后，康定斯基又写出了此书。前部是艺术的初始时期，作者可能还没有在艺术上成熟完美，而此书已经算是作者最重要最主要的艺术理论作品。 康定斯基通过对点、线、画的详细的技术性的阐述，表现出其自身以及抽象派绘画的艺术理论，对于我来说很是形而...  

康定斯基在其《艺术中的精神》中提出了这样一个核心的概念即所谓“内在必需的原则”。他认为所有绘画中色彩与形式的和谐都只能建立在相应的震颤人的精神这个原则的基础之上，而这个基础就称之为“内在必需的原则”。以此他还做了一个很恰当的比喻：一般一幅画面上的色彩与形式...  

用户评价

这部作品的笔触细腻入微，仿佛能触摸到作者对色彩和光影的痴迷。它不像是一本单纯的理论著作，更像是一场深入灵魂的对话，引领我重新审视那些耳熟能详的画作。书中对伦勃朗光线处理的分析，简直是教科书级别的精彩，每一个细节都被剖析得入木三分，让我看到了隐藏在画框背后的巨大能量。尤其是关于“阴影的语言”那一章，简直是醍醐灌顶，作者成功地将晦涩的美学概念转化为人人都能理解的感性体验。我花了很长时间去品味那些关于雕塑体积感的论述，那种对物质与非物质界限的探讨，极其引人入胜。读完之后，我感觉自己对博物馆里那些静默的艺术品有了一种全新的敬畏感，仿佛它们不再是冰冷的石头或画布，而是蕴含着生命脉搏的活物。作者的叙事节奏把握得极好，时而如涓涓细流般温柔，时而又如磅礴的交响乐般激昂，让人完全沉浸其中，忘记了时间的流逝。

坦白说，我通常对这类严肃的艺术评论抱持着审慎的态度，总担心会陷入术语的泥潭。然而，这部作品完全打破了我的预期。它以一种极其克制却又充满洞察力的口吻，探讨了艺术形式与人类情感共鸣的本质。作者在论述文艺复兴时期人体比例的科学性时，展现了扎实的学识背景，但更难得的是，他没有止步于此，而是将其提升到了对人类理想追求的哲学层面。书中对色彩心理学的探讨非常具有启发性，它不是简单地罗列颜色象征，而是深入剖析了特定色调如何潜移默化地影响观者的潜意识结构。我特别喜欢作者在穿插历史轶事时的那种幽默感和适度的人性化处理，这让那些遥远的大师形象变得鲜活可亲，不再是高高在上的神祇。这本书的阅读体验是渐进式的，每一次重读都会有新的感悟浮现。

这本书的文字功力简直让人叹为观止，它不是在“讲解”艺术，而是在“编织”艺术。我尤其欣赏作者那种近乎诗意的表达方式，尤其是在描述巴洛克时期的戏剧性冲突时，那种强烈的画面感和情感张力，让人仿佛置身于宏伟的大教堂内部，被壁画的叙事所震撼。书中对不同时代艺术流派之间微妙的张力与继承关系的梳理，逻辑清晰却又绝不枯燥，它提供了一个理解艺术史的全新坐标系。我过去总是觉得抽象表现主义难以捉摸，但作者通过对艺术家创作心境的深层挖掘，使得那些看似混乱的笔触突然找到了清晰的脉络和存在的理由。这种由内而外的解读方式，极大地提升了阅读的层次感。读罢此书，我感觉自己仿佛获得了一副新的眼镜，看世界万物都带上了一层审美的滤镜，连日常的街景都变得富有层次和韵味了。

这本书的行文风格非常具有批判性和挑战性，它敢于直面艺术史中那些被刻意美化或忽略的领域。作者对图像学和权力的关系进行了大胆的假设和论证，提出了许多令人不安但又极具说服力的观点，迫使读者跳出舒适区进行深度思考。他对摄影术诞生后，绘画媒介如何自我革新的分析，精准地把握住了艺术史的关键转折点。文字的密度非常高，但由于作者的逻辑推演极其严密，所以阅读起来虽然需要全神贯注，却很少感到疲惫。书中对某个特定时期艺术作品中“缺失的元素”的追问，充满了侦探小说般的吸引力。总而言之，这是一本需要被“消化”而非仅仅“阅读”的书籍，它所提供的思考工具远比它提供的现成答案要宝贵得多。

这是一部充满思辨力量的作品，它不满足于描述“是什么”，更执着于探究“为什么”和“如何成为”。作者对建筑空间的叙事方式尤其独到，他不仅仅在谈论结构，更是在讨论人类在特定空间中的存在状态和心理感受。书中关于装饰艺术的章节，为我打开了一个全新的视野，让我认识到“实用性”与“审美性”之间并非对立，而是一种精妙的共舞。我过去对后现代主义艺术的解构倾向感到困惑，但通过本书对符号学和文化背景关联的拆解分析，我终于有了一个相对稳固的立足点去理解那种颠覆性的创造力。这本书的结构编排极为精巧，每章之间既有独立的完整性，又相互勾连，形成了一个宏大的知识网络。阅读过程中，我常常需要停下来，合上书本，去脑海中构建作者所描绘的那些复杂的视觉和概念图景。

我也不知道自己为什么要去读一本艺术家写的艺术理论，完全抓不住书中表达内容的上下文。如果你也是个像我一样的小白，还是先读一下导论之类吧。总不能想了解海德格尔就直接上手《存在与时间》，这样会死的很惨的。

再来几遍，一遍读不明白

物质只是蒙在真实世界上的一层面纱

赞同"内在必需原则"。

在这样的时代里，艺术只满足低级的需要，满足物质的需要。它在粗俗的材料中寻找内容，因为它不知道还有更好的东西。客观对象总是那样，而人们认为艺术的目的便是把它复制出来。从此，是‘什么’的问题消失了，唯独剩下‘怎样表现’这个问题，即用什么方法来复制这些物质对象。方法变成了基础，艺术也就失去了它的灵魂。