舞蹈创作思维

作者:何群

页数:258

出版时间:2013-1

价格:54.00元

isbn号码:9787506831093

丛书系列:中国书籍文库

具体描述

《舞蹈创作思维》是“中国书籍文库”系列之一。舞蹈创作思维是舞蹈家在艺术创作思维活动中心、肌、力、神等要素合而为一获得的感悟及伴随的情感反应，它是一个心路历程。每一次舞蹈创作思维都是创作者对某种客观现实存在的心灵触及。反思舞蹈创作思维，我们应当进入舞蹈中，让舞蹈说话。只有这样，舞蹈才能召唤着我们进入那光彩耀人的辉煌中，并把它的本质交给我们。编导把表现留给舞者，舞者把舞蹈归还给观众。这，就是舞蹈创作思维的辩证法。

作者简介

何群，毕业于北京舞蹈学院编导系，现为北京舞蹈学院副教授。 创作多部舞蹈作品参加中央电视台“为了这片金土地”、“送你一片绿”、“飞向太空的歌”、“春节联欢晚会”等综艺晚会演出。曾担任大型音乐舞蹈诗画《国旗下的士兵》舞蹈编导；中央电视台大型历史纪录片《寻找失落的年表——夏商周断代工程》舞蹈总监、编导；中央电视台“2004年春节联欢晚会”舞蹈编导；中央电视台“手挽手2008年新春公益晚会”舞蹈总监、编导；中央电视台“2012年‘祖国惦念你’亲情中华春节联欢晚会”舞蹈总监、编导；中央电视台电视文艺专题片《追日的舞者》撰稿；北京舞蹈学院第一部舞蹈编导统编教材《中国舞蹈编导教程》编委；丛书《中学美育·课外美育》编委；《艺术硕士入学资格考试考点精讲与真题解析》编委；《艺术硕士（MFA）应试考点精讲》编委。已出版专著《校园舞蹈教学与创编实践》、《舞蹈动作与创作思维》两部。已在国家级刊物发表论文四十余篇。

用户评价

《舞蹈创作思维》这本书，我敢说，它真正触及到了舞蹈创作的“灵魂”之处。我常常在想，为什么有些舞蹈作品看一眼就让人久久不能忘怀，而有些作品则看过就忘，甚至连一点印象都没有？这本书，就像是为我揭开了这层神秘的面纱。它没有教你如何去模仿某个明星的舞步，也没有给你一套死板的训练体系，而是教你如何去“思考”舞蹈。它强调了“关联性”的重要性，也就是如何将看似无关的事物联系起来，并赋予它们舞蹈的生命。书中提到一个例子，一个编舞者从“云的形态”中汲取灵感，创作了一支关于“自由与束缚”的舞蹈。这个联系本身就充满了诗意。他并没有去模仿云的飘动，而是通过演员身体的柔软度和变化，以及舞台上流动的光影，来营造出一种轻盈、自由的氛围，同时又通过演员之间的互动和舞台空间的限制，来暗示“束缚”的存在。这种“由物及情，由形传神”的创作思路，让我豁然开朗。我之前总以为创作就是“我有什么想法，就直接用肢体表达出来”，结果往往是“想法很丰满，表达很骨感”。这本书则告诉我，创作是一个“炼金术”的过程，你需要将各种元素放入“思想的熔炉”中，通过“创意的火花”进行锤炼，最终才能提炼出纯粹的舞蹈艺术。它让我明白了，好的舞蹈作品，不仅仅是身体的运动，更是思想的升华，是情感的共鸣，是与观众精神层面的深度对话。

坦白说，一开始我抱着非常怀疑的态度翻开《舞蹈创作思维》的。作为一个已经在这个行业摸爬滚打多年的舞者兼编舞，我总觉得那些所谓的“理论”或者“思维模式”对于实际创作来说，可能过于空泛，甚至有些不切实际。然而，这本书用它极具说服力的论证和案例，彻底打消了我的顾虑。书中对于“意象抽取”和“空间构建”的分析，尤其令我印象深刻。作者并没有停留于表面的“美感”，而是深入挖掘了艺术家在创作过程中如何从日常生活中、从文学作品中、甚至从科学概念中提取出能够转化为舞蹈语言的“意象”。我记得书中举了一个关于“茧”的舞蹈创作案例，编舞者并没有去模仿蚕吐丝的动作，而是通过演员身体的包裹、伸展、以及与舞台装置的互动，来表达一种“孕育”、“蜕变”以及最终“破茧而出”的生命力。这种跳跃性的思维，从一个具象的“茧”到一种抽象的生命体验，让我看到了舞蹈创作的无限可能性。而且，这本书还非常注重“非线性叙事”的运用，它教导我们如何打破传统的故事情节，通过情感的递进、节奏的变化、以及空间的转换，来构建一种更加自由、更加个人化的表达方式。我之前一直苦于如何让我的作品在情感上更加打动人，总是感觉缺少了一种“连接感”。这本书为我提供了许多切实可行的方法，让我重新审视了我在空间利用、节奏把握以及情感传递上的不足，并为我指明了改进的方向。

这部《舞蹈创作思维》真是一本让我颠覆以往认知的作品！我一直以为舞蹈创作无非就是一些肢体技巧的堆砌，或者灵光一闪的即兴表演，但这本书却为我打开了一个全新的维度。它不仅仅是教授如何“跳”出优美的舞姿，更是深入探讨了“如何思考”舞蹈。我特别欣赏书中对“概念化”的阐述，它引导我去思考舞蹈背后的意义、想要传达的情感，甚至是抽象的哲学理念。举个例子，书中提到一个关于“时间流逝”的舞蹈构思，作者并没有直接用模仿时间流动的动作，而是通过一系列看似毫不相干的元素——比如一个反复出现的静止动作、一段突如其来的快速转场、以及舞台灯光微妙的变化——来共同营造出一种时间在悄然溜走的感知。这种“间接表达”的艺术手法，让我惊叹不已。我之前创作时，总喜欢把自己的想法直接“翻译”成肢体语言，结果往往显得生硬而缺乏层次。这本书的出现，就像是在我脑海中点亮了一盏灯，让我明白，真正的舞蹈创作，是关于如何巧妙地引导观众的感知，让他们在欣赏中自己去体会、去解读。它提供的不仅仅是方法，更是一种全新的创作哲学。读完之后，我感觉自己不再只是一个肢体动作的执行者，而是一个思想的传递者，一个能够通过身体与世界进行对话的艺术家。这本书的篇幅虽然不算短，但每一页都充满了干货，让我恨不得立刻拿出纸笔，将那些灵感付诸实践。

不得不说，《舞蹈创作思维》这本书，给我带来了前所未有的启发。我一直认为，舞蹈创作是一种非常“个人化”的艺术，很多时候只能依靠“灵感”来驱动，但这本书记载的思考方式，却让我看到了“系统化”创作的可能性。它不仅仅是关于如何“表达”一个想法，更是关于如何“构思”一个想法，并将其转化为具有生命力的舞蹈作品。书中对“非语言符号的转化”的解析，对我影响尤为深刻。它教导我们如何将文字、音乐、色彩甚至情绪，转化为身体的语言，而且这种转化并非简单的“翻译”，而是深度的“意境再现”。我记得书中有一个关于“聆听”的舞蹈创作，编舞者让舞者们在舞台上，以一种非常专注、且略带笨拙的方式去“回应”那些看不见的“声音”。他们时而身体紧绷，时而舒展，时而做出一些奇怪的停顿，仿佛在接收和处理来自不同方向的信号。这种“对抽象概念的具象化”的尝试，让我看到了舞蹈艺术的巨大潜力。它让我明白了，舞蹈不仅仅是肢体运动的视觉呈现，更是对人类感知、情绪和思想的深度探索。这本书为我提供了丰富的理论支持和实践指导，让我能够更有信心地去探索属于自己的舞蹈语言。

《舞蹈创作思维》这本书，对我来说，是一场关于“如何创造”的革命。它打破了我对舞蹈创作的固有认知，让我看到了一个更广阔、更自由的艺术空间。我一直以为，创作就是“想”然后“做”，但这本书让我明白，创作更是一种“思考”的过程，是一种“构建”的过程，是一种“连接”的过程。它强调了“观念先行”的重要性，也就是在动手之前，需要对想要表达的概念进行深入的思考和提炼。书中对“概念的视觉化”的解析，给了我极大的启发。它教导我们如何将抽象的观念，转化为具体的视觉元素，并通过这些视觉元素来传达作品的内涵。我记得书中有一个关于“成长”的舞蹈创作，编舞者并没有去模仿孩子成长的过程，而是通过舞者身体的“变形”和“重塑”，以及舞台上“空间”的不断变化，来象征着一个人在成长过程中所经历的蜕变、迷茫和最终的坚定。这种“象征性”的表达方式，让我看到了舞蹈艺术的强大魅力。它让我明白了，真正的舞蹈创作，是关于如何用身体去“说故事”，去“抒情”，去“思考”。这本书为我提供了丰富的创作方法和理论框架，让我能够更有针对性地去思考我的创作，并创作出更具思想性和艺术性的作品。

我必须说，《舞蹈创作思维》这本书，是一次极其愉快的阅读体验，更是一次深刻的思想洗礼。我一直以来都对舞蹈创作充满热情，但却常常感到力不从心，找不到真正的灵感源泉。这本书，为我打开了一扇通往内在世界的门。它不仅仅是关于外部的技术技巧，更是关于如何挖掘和释放内在的情感和思想。书中对“个人化表达”的强调，尤其令我触动。它教导我们如何从自身的经历、感受和思考出发，去创作真正属于自己的舞蹈作品。我记得书中有一个关于“童年记忆”的舞蹈创作，编舞者并没有去模仿童年的游戏，而是通过舞者身体的各种“小动作”，比如突然的停顿、快速的闪避、以及对周围空间的某种“探索”般的触碰，来唤起观众内心深处的童年共鸣。这种“情感的共振”效应，让我看到了舞蹈作品的强大力量。它让我明白，最动人的舞蹈，往往源于最真挚的情感表达，而这种表达，需要经过精心的构思和提炼。这本书为我提供了丰富的创作方法和理论指导，让我能够更有信心地去探索自己的内心世界，并将这份独一无二的体验转化为艺术。

我必须承认，《舞蹈创作思维》这本书在我心中占据了非常重要的位置。作为一名有多年舞蹈经验的人，我一直觉得自己在创作上遇到了一些瓶颈，总是难以突破，难以找到新的突破口。这本书，就像是一位经验丰富的导师，耐心地引导我一步一步地探索舞蹈创作的深层奥秘。我特别赞赏书中对于“情感驱动”的强调。它不仅仅是让你去“感受”一种情感，而是教你如何将抽象的情感转化为具体的动作、空间和节奏。比如，书中讲述了一个关于“孤独”的主题舞蹈创作。编舞者并没有让舞者们做出孤单的肢体动作，而是通过让舞者们在巨大的空旷舞台上，以一种缓慢、沉重、且相互疏离的方式移动，同时配合着极简的配乐和冷色的灯光，来营造出一种令人窒息的孤独感。这种“情境营造”的艺术手法，远比直接的表达更加震撼人心。它让我明白，舞蹈创作的关键在于“如何让观众感受到”，而不是“如何让观众看到”。这本书也深刻地阐述了“多感官体验”在舞蹈中的重要性，它不仅仅是视觉的盛宴，更是听觉、甚至触觉的延伸。它提供的不仅仅是理论，更是大量的实践案例和思考框架，让我能够将这些理论融会贯通，并运用到我自己的创作实践中。

《舞蹈创作思维》这本书，我真的可以用“醍醐灌顶”来形容。在我看来，它是一本真正能够“唤醒”舞者创作潜能的书籍。我之前创作时，常常会陷入一种“模仿”的怪圈，要么模仿别人的作品，要么模仿现实生活中的某个场景，总觉得很难走出自己的风格。这本书，则为我提供了“原创”的思维蓝图。它强调了“概念提炼”的重要性，也就是如何从一个模糊的想法，或者一个简单的意象，提炼出核心的“概念”，并以此为基础进行创作。书中有一个关于“破碎”的舞蹈创作案例，编舞者并没有去模仿玻璃破碎的瞬间，而是通过演员身体的每一次断裂、每一次重组，以及舞台上散落的碎片，来表达一种“精神上的破碎”和“重生的希望”。这种“概念化”的创作过程，让我意识到，舞蹈创作的起点，往往不是具体的动作，而是抽象的“意义”和“概念”。它还深入探讨了“结构性思维”在舞蹈中的应用，教会我如何构建一个具有逻辑性、层次感和戏剧张力的舞蹈作品。它让我明白，舞蹈的每一个元素——动作、空间、时间、音乐、灯光——都应该服务于最终想要传达的“概念”和“情感”。这本书为我打开了新的创作视角，让我不再拘泥于表面的技巧，而是更加注重作品的内涵和思想深度。

《舞蹈创作思维》这本书，我愿意称之为“舞蹈创作的教科书”。它没有给我提供现成的答案，而是教会了我如何去“提问”，如何在创作的过程中不断地思考和探索。我尤其欣赏书中关于“打破常规”的论调。它鼓励我们去挑战传统的舞蹈观念，去尝试新的表现形式，去质疑一切看似理所当然的东西。书中提到的一个关于“无序中的秩序”的舞蹈创作，就让我大开眼界。编舞者让一群舞者在舞台上自由地移动，他们没有明确的队形，动作也似乎没有关联，但通过精妙的音乐编排和舞台灯光的配合，观众却能够感受到一种潜在的“秩序”和“节奏”。这种“化繁为简”、“寓繁于简”的创作手法，展现了编舞者对舞蹈结构和逻辑的深刻理解。它让我明白，伟大的舞蹈作品，往往不是因为有多么复杂的动作，而是因为它们能够以一种最简洁、最有力的方式触动观众的心灵。这本书为我提供了一套系统的创作思维框架，让我能够更清晰地认识到自己在创作过程中可能存在的误区，并为我指明了前进的方向。

《舞蹈创作思维》这本书，我毫不犹豫地推荐给所有热爱舞蹈、并渴望在创作上有所突破的人。它不仅仅是一本关于舞蹈的书，更是一本关于“如何看待世界”的书。它拓展了我对艺术创作的认知边界，让我明白了舞蹈不仅仅是身体的运动，更是思想的载体，是情感的表达，是与世界对话的方式。书中对“多维度思考”的阐释，让我印象深刻。它鼓励我们从不同的角度去审视一个主题，去发现那些隐藏在表面之下的联系和意义。我记得书中有一个关于“城市生活”的舞蹈创作，编舞者并没有去模仿城市里的交通、人群，而是通过舞者之间错综复杂的“纠缠”和“疏离”，以及舞台上不断变换的“光影”来暗示都市生活的快节奏、人与人之间的疏离感，以及在混沌中寻找秩序的努力。这种“隐喻式”的创作手法，让作品充满了想象空间和解读的深度。它让我明白，伟大的舞蹈作品，往往能够以最简洁的语言，传达最深刻的含义。这本书为我提供了丰富的创作工具和思考模式，让我能够更自信地去探索舞蹈的无限可能，并创作出更具深度和感染力的作品。