What Was Contemporary Art?

出版者:The MIT Press

作者:Richard Meyer

页数:376

出版时间:2013-2-15

价格:USD 39.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780262135085

具体描述

Contemporary art in the early twenty-first century is often discussed as though it were a radically new phenomenon unmoored from history. Yet all works of art were once contemporary to the artist and culture that produced them. In What Was Contemporary Art? Richard Meyer reclaims the contemporary from historical amnesia, exploring episodes in the study, exhibition, and reception of early twentieth-century art and visual culture. Meyer analyzes an undergraduate course taught by Alfred Barr at Wellesley College in 1927 as a key moment in the introduction of works by living artists into the discipline of art history, then turns to a series of exhibitions from the 1930s that put contemporary art in dialogue with premodern works ranging from prehistoric cave pictures to Italian Renaissance paintings. Meyer also treats the controversy that arose in 1948 over the decision by Boston's Institute of Modern Art to change its name to the Institute of Contemporary Art. By retrieving moments in the history of once-current art, Meyer redefines "the contemporary" as a condition of being alive to and alongside other moments, artists, and objects. A generous selection of images, many in color -- from works of fine art to museum brochures and magazine covers -- support and extend Meyer's narrative. These works were contemporary to their own moment. Now, in Meyer's account, they become contemporary to ours as well.

读后感

偶然看到关于 Glenn 的文章然后试着翻了一下这本书的编后记，英语一般，翻的肯定不好，有些句子我也不理解，只是其中有些观点很有意思。 我第一次看沃霍尔那一段的时候，会觉得更倾向沃霍尔那种自然和随性，相比之下的布赫洛显得酸腐学究，然而事后想想，布赫洛身上确实有一些...

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用户评价

这本书的另一大亮点在于其跨学科的视角。作者显然不是一个孤立的艺术研究者，他敏锐地将当代艺术置于更广阔的社会、政治、文化背景中进行审视。有那么一篇，他深入探讨了某个特定艺术运动与当时的技术革新之间的密切联系，以及后者如何深刻地改变了艺术家的创作工具和表现形式。他还会提及哲学思潮、社会运动、甚至大众传媒的变化，是如何潜移默化地影响着艺术的走向。这种宏观的视野让我意识到，当代艺术并非空中楼阁，它与我们所处的时代息息相关，是这个时代情绪、焦虑、希望和反思的具象化表达。作者的论述严谨而富有洞察力，他能够将看似毫不相关的领域巧妙地联系起来，从而揭示出隐藏在艺术现象背后的深层逻辑。读到这里，我感觉自己不仅仅是在了解艺术，更是在了解我们所生活的这个世界。

这本书最让我印象深刻的部分，在于它对于“过程”的强调。与许多传统艺术史著作不同，它似乎并不止步于对最终呈现的作品进行静态分析，而是花费了大量的篇幅去探讨艺术家在创作过程中的实验、挣扎，甚至是失败。有那么一段，作者详细描述了一位雕塑家如何在一次大型装置创作中，面对材料的不可控性，以及由此带来的情绪波动和艺术理念上的调整。这种对“未完成”状态的关注，以及对艺术生产过程中那些充满偶然性和不确定性的环节的细致描绘，让我重新审视了“完成”的意义。它不再是一个终点，而更像是一个阶段性的节点，甚至是无数可能性中的一种。作者的分析极具穿透力，他能够捕捉到那些隐藏在作品表面之下的驱动力，那些艺术家们在创作中反复推敲、自我质疑的痕迹。这让我觉得，理解当代艺术，不仅仅是欣赏它的视觉效果，更是要走进艺术家的内心世界，去体会他们是如何在现实的约束与理想的追求之间寻找平衡，如何将抽象的概念转化为具象的表达。

整本书给我的感觉是，它并没有试图为“当代艺术”下一个绝对的、永恒的定义，而是提供了一种观察和理解当代艺术的“方法论”。作者通过大量的例子，向我们展示了当代艺术是如何在不断地自我否定、自我超越中前进的。他并没有回避那些“令人不适”或者“难以理解”的作品，而是鼓励我们去拥抱这种不确定性，去接受艺术的多元化和实验性。我特别欣赏他在书的结尾部分，并没有给出任何总结性的论断，而是留下了一些开放性的问题，引导读者继续思考。这让我觉得，这本书的价值不仅仅在于它提供了多少信息，更在于它激发了我多少好奇心，以及在我心中播下了多少关于艺术的种子。它不是一本读完就束之高阁的书，而更像是一位引路人，让我开始踏上一条探索当代艺术的精彩旅程。

当我翻阅到关于“观念”的部分时，我感到一阵醍醐灌顶。这本书并没有回避那些让初学者感到困惑的“概念化”艺术作品，反而将它们置于聚光灯下，并尝试用一种清晰易懂的方式去解读。作者似乎是一位极具同理心的导师，他知道哪些地方容易让人产生误解，哪些地方需要更深入的解释。他以一个非常著名且极具争议性的行为艺术为例，详细阐述了艺术家为什么要选择这种极致的、甚至带有牺牲性的方式来表达他的观点。读完这段，我才恍然大悟，原来很多时候，当代艺术的“意义”并不在于其视觉的美学价值，而在于它所引发的思考，在于它所挑战的社会规范，在于它所提出的问题。作者并没有强迫读者去“接受”这些观念，而是提供了一个理解的框架，鼓励读者用自己的逻辑去审视和评判。这种开放性的讨论方式，让我觉得这本书并非一本简单的教科书，而更像是一场与艺术的深度对话。

这本书的开篇就成功地抓住了我的注意力，它并没有直接抛出“什么是当代艺术”这样的宏大问题，而是娓娓道来，仿佛一位资深的艺术史学家在咖啡馆里，一边悠闲地啜饮着拿铁，一边对我讲述他眼中那些“不按常理出牌”的艺术现象。作者的叙事方式非常巧妙，他似乎并不急于给出明确的定义，而是通过一系列生动鲜活的案例，引导读者自己去感受、去思考。我特别喜欢他对某个特定时期艺术展览的描述，那种身临其境的感觉，让我仿佛能闻到展厅里混合着颜料、尘埃和人群的气息，看到了艺术家们如何用最前卫的材料和观念颠覆着人们的认知。他并没有简单地罗列作品，而是深入剖析了每一件作品背后的创作语境、社会思潮以及艺术家个人的探索。读到这里，我开始觉得，当代艺术或许并没有一个固定的答案，它更像是一种不断涌现、不断变化、不断挑战我们固有思维模式的“现场”。作者的笔触充满了热情，字里行间透露出他对艺术深深的迷恋，这种热情很容易感染读者，让我迫不及待地想继续探寻下去。