中国当代美术家

出版者:中国美术（人民美术）

作者:冯则义

页数:0

出版时间:2006-9

价格:56.00元

isbn号码:9787102036960

用户评价

这本书的语言风格真是让人耳目一新，它充满了动态的、流动的画面感，读起来完全没有一般艺术评论那种晦涩难懂的距离感。作者似乎有一种天赋，能够用最直白、甚至略带戏谑的口吻，去切入那些极其严肃的艺术命题。我尤其欣赏他对“观念艺术”的梳理部分，很多评论家谈到观念艺术时，往往会陷入对逻辑严谨性的过度推崇，但这本书却把重点放在了观念如何在转化为实体作品的过程中，被“人的温度”所修正、甚至扭曲的过程。它描绘了艺术家在面对审查、市场、以及自我怀疑时的挣扎，这些“幕后”的故事，让那些冰冷的观念作品瞬间变得有血有肉。书中对某位行为艺术家的记录尤其精彩，描述了他在一次关键表演前夜，如何因为一个突如其来的生活琐事而彻底改变了表演的走向，这种对“偶然性”的捕捉和尊重，体现了作者极高的观察敏度和人文关怀。这本书读起来让人感觉轻松，但其内核却无比深刻。

坦白讲，我很少能一口气读完一本艺术评论集，通常需要查阅大量的背景资料才能跟上作者的思路，但这本《中国当代美术家》却出乎意料地具有强烈的连贯性和吸引力。它最大的成功之处在于构建了一种“问题意识”而非“答案陈述”。作者似乎总是在引导读者进入一个充满悖论的场域：一方面是前所未有的全球化机遇，另一方面是根深蒂固的文化传统和现实的复杂性。他没有试图将所有艺术家的创作都纳入一个统一的“主义”之下，而是非常尊重个体经验的独特性。书中对几位女性艺术家的专题分析尤为深刻，没有落入仅仅关注“性别身份”的窠臼，而是探讨了她们如何巧妙地利用媒介的模糊性，来解构长期以来由男性主导的凝视体系。这种细腻而有力的分析，让我对当下中国艺术的活力有了更深层次的理解。这本书与其说是一本书，不如说是一次深度田野调查的成果汇编，充满了现场感和生命力。

这本书真是让人眼前一亮！我原本以为这又是一本老生常谈、充斥着学院派术语的艺术史解读，但翻开之后才发现，它像是一扇通往当下中国艺术现场的任意门。作者没有沉溺于对已故大师的缅怀，而是将聚光灯毫不留情地对准了那些正在创作、正在与时代激烈碰撞的艺术家们。我尤其欣赏他对“新水墨”这一概念的解构。以往我们总是在一个很宏大的、近乎神圣化的框架下去审视水墨的演变，但这本书的切入点非常“接地气”，它探讨了当代艺术家如何处理传统笔墨与现代媒介之间的张力，那些关于“留白”的哲学思辨如何被转化为对城市空间、数字景观的视觉回应。文字的节奏感很强，读起来像是在听一场高水平的圆桌对话，时而尖锐，时而又流露出对艺术创作本身的深切关怀。它让我开始重新审视那些我曾经匆匆略过的展览作品，理解了它们背后蕴含的文化焦虑与身份认同的挣扎。这本书不仅仅是介绍艺术家，更是在描绘一个正在重塑自身的文化生态。

说实话，这本书的叙事手法非常大胆，它摒弃了传统艺术评论那种自上而下的权威姿态，更像是一个敏锐的文化观察者在现场的速写记录。我特别留意了其中关于“身体政治”和“媒介转换”的章节，那部分写得酣畅淋漓。作者似乎拥有非常敏锐的嗅觉，能够捕捉到那些尚未被主流媒体充分聚焦的边缘声音和实验性实践。比如，他对南方某个集体在废弃工厂进行的互动装置艺术的描述，细节丰富到我仿佛亲身站在了那个潮湿、充满工业锈迹的空间里。他的笔触不是冰冷的分析，而是带着一种近乎“在场”的激情，将艺术家的创作动机、材料选择、以及作品与特定社会环境的互动关系描绘得入木三分。这本书的好处在于，它没有给我标准答案，而是提供了一系列高质量的问题和视角，逼着我——一个普通的艺术爱好者——去进行更深层次的思考。读完后，我立刻去搜索了书里提到的几位年轻艺术家的个人网站，他们的作品在没有了作者解读的“光环”下，依然展现出强大的生命力，这才是好书的价值所在。

我得说，这本书在装帧和排版上就透露出一种与众不同的气质，它避开了那种沉闷的学术风格，反而有一种当代杂志的先锋感。内容上，它最吸引我的地方是对地域文化差异性的细致梳理。我们常常笼统地谈论“中国艺术”，但这本书很巧妙地划分了几个重要的艺术“极点”——比如东北的集体记忆主题，沿海城市对全球资本流动的反应，以及西南地区对身份考古的迷恋。作者在论述这些区域性特征时，引用的个案研究非常扎实，绝不是泛泛而谈。他没有简单地将地方性等同于民间性或落后性，而是将其视为一种独特的创作张力和语言资源。当我读到关于那位来自西北的摄影师如何利用本土的泥土和光线来探讨“时间性”的段落时，那种被深刻触动的感觉是久违的，它让我意识到，真正的当代艺术是深深扎根于土壤、呼吸着时代气息的。这本书提供了一个理解中国艺术复杂性的地图，远比那些只聚焦于北京上海核心圈的作品集要丰富得多。