武満徹対談集

出版者:芸術現代社

作者:武満 徹

页数:319

出版时间:1997/02

价格:0

装帧:単行本

isbn号码:9784874631362

具体描述

天才作曲家が逝って1年たったいま、あらためてその言葉をきく。小沢征爾、浅利慶太、谷川俊太郎、五木寛之らとの対談をとおして、音楽を、そして日本を語る。1976年刊の上下本を元に構成。〈ソフトカバー〉

用户评价

从出版风格和装帧来看，这本书显然是为深度思考者准备的。纸张的质感，排版的留白，都透露出一种克制而优雅的美学态度，这本身就是对武満徹艺术精神的一种致敬。内容上，我最着迷于他对“声音的颗粒感”的描述。他用极其生动的比喻，将声波的微小震动，描绘成可以触摸、可以分解的实体。他会详细分析一个音符从产生、传播到消散的全过程，关注的不仅是频率和响度，更是声音内部的结构层次，比如泛音列是如何构建起一个声音的“性格”。这让我重新审视了我日常接触的所有声音，无论是音乐厅里的交响乐，还是窗外的风声，都仿佛被重新赋予了复杂的内在结构。这本书的价值，就在于它提供了这样一套全新的听觉“解码器”，让普通的听者也能窥见声音世界更深层的构造，极大地丰富了我对声音艺术的鉴赏维度。

我记得其中有几段关于电影配乐的讨论，简直是揭示了“为影像赋色”的奥秘。武満徹先生并非简单地为画面配上应景的旋律，他更像是用声音在构建一个平行的、感性的空间维度。比如他提到与某个导演合作时，为了表现角色内心的迷茫，他故意在关键场景使用了极简的、近乎于环境噪音的音色组合，而非传统的交响乐高潮，这反而制造了一种更具侵入性的不安感。这种“减法美学”在东方艺术中非常常见，但在西方音乐体系中应用得如此成熟且富有个人特色，着实令人赞叹。他对于乐器法（Orchestration）的运用也十分独特，常常能从不被重视的乐器中榨取出前所未有的音色潜力。这让我回想起他的一些室内乐作品，那些低沉的大提琴拨弦和长笛的呼吸声，似乎都在诉说着那些语言无法触及的、潜藏在日常生活之下的情绪暗流。对于任何一个对声音设计感兴趣的创作者来说，这本书都是一本宝贵的工具书，它教导的不是“怎么写”，而是“为什么要这样写”。

这本《武満徹対談集》读起来，最直观的感受就是这位音乐大师的思维跨度和对艺术的深刻洞察力。我原以为，这种级别的作曲家，谈话内容无非就是对古典乐理的精妙解析，或者对特定作品创作心境的复盘，但事实远比我想象的要丰富得多。书中穿插着他对战后日本文化思潮的关注，对西方先锋派音乐（比如梅西安、斯托科夫斯基）的吸收与批判，更令人惊叹的是，他能将声音的抽象概念，与禅宗哲学中的“空”与“间”进行对话。例如，他谈及他如何处理作品中的“寂静”，那种寂静并非真的无声，而是一种经过精心编排、充满张力的留白，让听众的内心活动成为乐章的一部分。这种对听觉体验深层心理学的挖掘，让我对音乐的理解上升到了哲学层面。读完后，我感觉自己不只是在阅读一个音乐家的访谈录，更像是在参与一场关于如何感知世界的对话。他的语言既有学者的严谨，又不乏诗人的浪漫，尤其在描述他对自然界声音的捕捉时，那种细腻入微的观察力简直令人屏息。

这本书的魅力还在于它对“地域性”与“普世性”之间张力的探讨。武満徹并非一个闭门造车的学院派，他深知西方现代音乐的理论优势，但同时又坚决抵制盲目地模仿和移植。他多次强调，真正的创新必须根植于自己所处的文化土壤。他讲述了自己如何从日本的传统祭典音乐、能剧的唱腔中汲取灵感，并将这些“异质”的元素，巧妙地熔铸进他对位法和序列主义的结构之中，最终形成一种既现代又具有强烈个人地域印记的风格。这种既面向世界前沿，又忠于本土精神的姿态，在如今全球化背景下显得尤为珍贵。它提醒我们，艺术的生命力不在于追逐最新的潮流，而在于如何真诚地回答“我是谁，我来自哪里”这个问题。书中对这种文化身份认同的挣扎与构建，描写得极其坦诚和深刻，没有丝毫矫饰。

阅读过程有一种非常奇特的体验，那就是感觉自己正在与一位健谈的智者在深夜的咖啡馆里交谈，气氛是放松的，但思想的火花却是密集的。这本书的结构似乎并不完全遵循时间顺序，更像是围绕几个核心主题（如时间、自然、声音的物质性）进行的放射状发散。这使得讨论充满了灵活性和意外性。例如，从对特定打击乐器的探讨，突然就能跳转到对战争创伤记忆的追溯，再过渡到对当代都市噪音污染的批判。这种思维的跳跃性，恰恰是天才思维的体现——他们总能看到事物之间隐藏的共振点。我尤其欣赏他对“失败”和“不完美”的接纳。他坦言某些作品的尝试并未完全成功，但正是这些不完美的探索，构成了他艺术历程中不可或缺的脚注。这种坦诚，极大地拉近了读者与这位大师的距离，让人感到亲切而非高不可攀。