Amy Beach Piano Music 比奇夫人钢琴曲谱

作者:Amy Beach

页数:64

出版时间:2001-4

价格:80.91元

isbn号码:9780486416809

具体描述

American composer Amy Beach (1867–1944) was largely self-taught, but her musical talent blossomed into a remarkable career. This volume of her piano music includes a selection of the elegant, stylish miniatures for which she is known.Includes Valse-Caprice, Op. 4, Four Sketches, Op. 15, Three Compositions, Op. 28, Children's Album, Op. 36, and more.

用户评价

这本书的排版和装帧简直是艺术品级别的享受，拿在手上就感觉分量十足，绝对是那种可以珍藏一辈子的精装本。我主要关注的是它对不同乐器组别作品的划分和介绍，作者在处理“室内乐”这一章节时展现出了惊人的细腻度。他不仅仅是介绍了曲子的结构，还详细分析了不同演奏家群体对作品首演版本的影响，甚至引用了当时报纸的乐评片段，使得阅读体验非常立体和生动。比如，对于某个三重奏的评论，作者竟然能找到两位不同演奏家的不同演奏速度记录，并推测这可能反映了当时演出实践的变化趋势。这种细致入微的考据工作，让我对那些逝去的音乐现场产生了无限的遐想。而且，这本书的注释系统做得极其完善，每一个引用的文献都标注得清清楚楚，使得深入研究变得非常便捷。虽然有些段落的文字略显密集，需要集中精神去阅读，但一旦沉浸进去，就会被那种严谨的学术氛围所感染，让人忍不住想立刻去寻找书中所提及的那些老唱片来听一听。

我对这本书的“跨界影响”部分的评价是“惊喜连连”。我本来以为它会紧紧围绕音乐本身打转，但没想到作者花了很大篇幅去探讨这些音乐是如何被应用于当时的舞台剧、早期电影配乐，甚至是广告配乐中的。作者通过比对不同版本录音中对同一首曲子处理的细微差异，揭示了音乐在商业化过程中所经历的“蜕变”。这种将高雅艺术与大众文化并置的分析角度，非常新颖。我尤其对书中提到的一位作曲家如何巧妙地将当时流行的“通俗小调”旋律融入到严肃的艺术作品中，以求获得更广泛听众的描述印象深刻。这种“阳春白雪”与“下里巴人”之间的张力，是这本书最迷人的地方之一。如果说有什么可以改进，那就是在探讨数字时代对这些作品的“再诠释”方面，可以增加一个前瞻性的章节，但就目前涵盖的深度和广度而言，它无疑是一部极具启发性的音乐研究佳作，成功地打破了我对音乐史研究的刻板印象。

这本书的叙事风格极其流畅自然，完全不像传统的学术专著那样枯燥乏味，读起来更像是在听一位经验丰富的音乐史学家在娓娓道来。我尤其喜欢其中穿插的那些关于作曲家个人生活与创作灵感的轶事。例如，作者通过分析某位作曲家在游历欧洲时期的信件，推断出他某部钢琴协奏曲中异域风情的灵感来源，这个过程的推理逻辑非常具有说服力，让人读后对作品的理解瞬间变得丰满起来。这本书并没有拘泥于作品本身，而是将音乐放在更广阔的社会文化背景下去审视，比如对城市化进程、新的科技（如留声机）对音乐传播的影响等都有涉及，这使得整部作品的视野非常开阔。我发现，正是这些“边角料”式的背景知识，极大地丰富了我对那个时代音乐生态的感知。虽然我期望能有更多的曲目分析实例，但现有的内容已经足够精彩，成功地将严肃的历史研究变得通俗易懂，非常适合在旅途中慢慢品味。

哇，我刚读完了一本关于“二十世纪早期美国音乐”的选集，简直是打开了新世界的大门！这本书的编排非常精妙，它不仅仅是罗列了一堆作品，而是通过这些作品，构建起了一幅清晰的时代图景。作者在引言部分对当时美国音乐界与欧洲传统之间的张力进行了深入的探讨，这一点让我印象非常深刻。我特别欣赏作者对于一些相对小众作曲家作品的挖掘和分析，比如对早期爵士乐元素如何悄然渗透进学院派音乐的考察，提供了许多教科书上看不到的独特视角。书中的配图质量也很高，很多都是首次公开的乐谱手稿片段，这对于音乐学者和严肃的演奏者来说，简直是无价之宝。不过，如果说有什么遗憾，那就是在讨论女性作曲家在当时社会环境下所面临的挑战时，篇幅略显单薄，感觉可以再深入挖掘一些。总的来说，这本书的学术水准非常高，阅读过程充满了发现的乐趣，强烈推荐给所有对美国音乐史有浓厚兴趣的朋友们。它真正做到了以小见大，透过音符看到了一个时代的挣扎与创新。

我最近一直在努力提升自己的音乐欣赏水平，尤其对那些结构复杂的奏鸣曲式情有独钟。这本书里关于“大型器乐作品的结构革新”那一章，简直就是为我量身定做的“武功秘籍”。作者没有满足于停留在表层的形式分析，而是深入到和声语言的演变脉络中去探究，比如他是如何一步步从传统的调性体系中挣脱出来，转而使用那些大胆的和弦进行来表达情感的。最让我拍案叫绝的是，他居然将不同作曲家的“高潮段落”进行了对比分析，用非常形象的比喻来描述不同作曲家在处理乐曲情感爆发点时的不同“手法”——有的像火山喷发，有的则像潮水般层层递进。这对于我这种想从演奏层面理解音乐的爱好者来说，提供了极大的启发。不过，说实话，这本书的理论深度对于纯粹的入门读者可能有点门槛，很多术语需要查阅其他资料才能完全理解，但对于有一定基础的人来说，它提供的深度绝对物超所值，绝对能让你对这些经典作品产生全新的认识。