壁画创作教程

出版者:黑龙江哈尔滨地图

作者:杨恭胜编著

页数:0

价格:48.0

isbn号码:9787805296050

用户评价

这本厚重的《壁画创作教程》一拿到手，我就被那种扑面而来的历史感和厚重的艺术气息给镇住了。翻开扉页，首先映入眼帘的不是那些枯燥的技法解析，而是对壁画艺术发展脉络的精妙梳理。作者似乎是一位资深的艺术史学家，他用非常流畅且富有文学色彩的笔触，将古代洞窟壁画的宗教寓意、中世纪教堂壁画的光影处理，乃至文艺复兴时期湿壁画（Fresco）的复兴，描绘得如同史诗般壮阔。书中对不同时期壁画的地域风格差异，比如敦煌的飞天形象与意大利乔托笔下人物的动态对比，分析得入木三分，让我这个初学者也立刻领悟到，壁画绝不仅仅是“画在墙上的画”，它承载着文明的重量和时代的精神。特别是对壁画颜料的古代配方和制作工艺的介绍，简直像打开了一个失落的宝库，让我对那些斑驳古老的墙体背后所蕴含的匠心有了全新的敬畏。

读完这本书，我最直观的感受是它对“耐心”的强调，这几乎贯穿了全书的每一个技法环节。无论是准备墙面的打磨，还是颜料研磨到肉眼难以分辨的程度，亦或是湿壁画要求在石灰浆干燥前完成所有工作的高压状态，作者都在反复提醒我们，壁画创作是一种与时间、与材料的长期博弈。它不是快餐式的数字绘画，而是一种需要沉淀和敬畏的慢艺术。书中有一个关于色彩层叠和透明度处理的章节，作者没有给出标准配方，而是鼓励读者通过大量的实验去建立自己的“色彩记忆库”。这种不提供标准答案，而是激发读者自我探索的教学方法，非常高明，它真正培养的不是模仿者，而是有独立思考能力的创作者。读完之后，我立刻被激发出了想去尝试那种在墙面上“抢时间”作画的冲动，虽然过程必然充满挫折，但过程本身已然成为学习的一部分。

我本来是冲着“教程”两个字来的，希望赶紧学会怎么调色、怎么起稿，但这本书给我的震撼是，它首先教会了我“如何思考”壁画。它花了相当大的篇幅去探讨壁画在特定空间中的“语境化”问题。比如，在讲解如何设计一幅大型壁画时，作者并非直接给出模板，而是引导读者去观察建筑的结构、光线的走向，以及观众的视线落点。书中提供了大量剖析经典壁画构图的案例，不是简单地指出“这个地方用对称”，而是深入剖析了对称背后所要达到的心理效果——是庄严肃穆，还是动态平衡。阅读这些章节时，我感觉自己像是在一位大师身边接受学徒训练，他不断地问我：“这幅画，你想让它‘说’什么？”这种从宏观艺术理念入手，再逐步收束到具体执行层面的叙事方式，让我对“创作”二字有了更深层次的理解，远超出了我对一本“教程”的期待。

这本书的装帧和印刷质量简直令人赞叹，这对于一本视觉艺术书籍来说太重要了。那些高清放大的局部细节图，尤其是在讲解复杂晕染和肌理表现时，简直是教科书级别的示范。我特别留意了关于“耐久性与材料科学”的那一章，里面详细对比了湿壁画、干壁画（Secco）、以及后世发展的蛋彩、油画转印等不同技法的优劣和适用性。作者甚至引用了现代文物保护专家对古壁画褪色原因的研究数据，这使得这本书的内容不仅仅停留在艺术表达层面，更具备了技术档案的严谨性。对我来说，那些关于如何处理墙面基层吸水性、如何选择合适的石灰砂比例的描述，虽然听起来技术性很强，但正是这些硬核知识，让我确信自己手中的是一本真正实用的工具书，而不是泛泛而谈的艺术评论集。

坦白讲，这本书的语言风格变化多端，有时候非常学院派，充满术语，但有时候又突然变得非常接地气，充满了老画师们互相传授的“秘诀”。比如在谈到人体动态和透视时，它并没有直接套用几何学的公式，而是用了一种非常形象的比喻——“把你的身体想象成一个被拉长的橡皮泥，找到它最自然的受力点”。这种将复杂问题简单化的表达方式，极大缓解了阅读的枯燥感。更让我惊喜的是，书中穿插了几位当代著名壁画家的访谈片段，他们分享了自己为了完成大型公共艺术项目所经历的行政审批、材料运输以及与甲方沟通的“幕后故事”。这部分内容让我看到了壁画创作从工作室到最终落成的完整生命周期，充满了现实的挑战和艺术家的坚持，让我觉得这门艺术是活生生、与我们息息相关的。