壁畫創作教程 pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版者:黑龍江哈爾濱地圖

作者:楊恭勝編著

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價格:48.0

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isbn號碼:9787805296050

叢書系列:

圖書標籤:

• 壁畫
• 繪畫
• 藝術
• 創作
• 教程
• 繪畫技巧
• 裝飾畫
• 手繪
• 藝術設計
• DIY

奇妙的幾何變換：從二維到三維的視覺魔術 一、 探索空間的無限可能 本書旨在帶領讀者深入探索幾何變換在視覺藝術中的應用，特彆是如何通過精確的數學原理，將平麵上的二維圖像“拉伸”、“扭麯”和“投影”到三維空間，從而創造齣既具深度感又充滿想象力的視覺效果。我們不會涉及任何關於繪畫技巧、顔料調配或傳統壁畫曆史的內容，而是專注於數字圖像處理和計算機圖形學領域中的核心概念。 二、 核心內容：綫性代數與透視 本書的基石建立在紮實的綫性代數基礎之上。我們將詳細解析矩陣運算在圖形變換中的作用。讀者將學習如何使用矩陣來執行平移（Translation）、鏇轉（Rotation）和縮放（Scaling）。這些操作是構建任何復雜三維場景的基礎。我們不僅會展示如何計算這些矩陣，還會深入探討它們如何影響物體的坐標係統，從模型空間到世界空間，再到攝像機空間（觀察空間）的轉換過程。 透視投影是本書的重中之重。我們將剖析中央投影和平行投影之間的區彆，並著重講解如何構建一個精確的透視投影矩陣。這部分內容將大量涉及焦點（Focus Point）、視錐體（Frustum）的概念，以及如何利用這些工具來模擬人眼對景深的感知。我們將通過一係列數學推導，展示如何將三維世界中的點準確地映射到二維屏幕坐標上，這是所有三維渲染的基礎。 三、 仿射變換與非綫性形變 在掌握瞭基礎的綫性變換之後，我們將進一步探討仿射變換（Affine Transformations）及其在圖像形變中的應用。仿射變換保留瞭直綫和平行性，但允許我們進行更復雜的“傾斜”（Shearing）。我們將探討如何利用剪切矩陣來模擬運動模糊或特定角度的觀察效果。 隨後，我們將進入非綫性變換的領域，重點關注“形變場”（Deformation Fields）。本書將介紹如何利用徑嚮基函數（RBFs）或其他插值技術來實現平滑、局部的非剛體變換。例如，如何創建一個“漩渦”效果，或者如何對一個二維網格施加一個基於距離的非綫性拉伸，這些技巧在創建動態的、有機的視覺效果時至關重要，完全脫離瞭傳統繪畫的範疇。 四、 參數化建模與麯麵幾何 本書將部分內容緻力於參數化麯麵理論，特彆是貝塞爾麯綫（Bézier Curves）和NURBS（Non-Uniform Rational B-Splines）在定義復雜三維形狀中的作用。我們將展示如何通過控製點來精確定義和操縱麯麵的張力與走嚮。內容將側重於這些數學描述符如何轉化為計算機可以理解和渲染的幾何數據，例如，如何通過麯率分析來優化網格的拓撲結構。 我們將深入探討微分幾何的基礎知識，例如法嚮量（Normal Vectors）的計算及其在光照模型中的重要性。法嚮量的精確計算是實現逼真錶麵反射和陰影效果的關鍵，這完全是一個數學和算法問題，與顔料和筆觸無關。 五、 紋理映射與坐標係統 紋理映射的原理，即如何將二維圖像數據附著到三維錶麵上，是本書的另一大闆塊。我們將詳細介紹紋理坐標（UV 坐標）的概念，以及如何定義和計算紋理映射的類型，包括環境貼圖（Environment Mapping）和立方體貼圖（Cube Mapping），後者用於模擬反射和天空盒。 我們將分析紋理坐標在不同拓撲結構（如球體、圓柱體）上展開時可能産生的失真問題，並介紹正交投影紋理映射和球形映射等解決策略，這些都依賴於幾何投影的數學模型。 六、 算法實現與性能考量 最後，本書將討論如何將上述理論轉化為實際可運行的算法。我們將簡要介紹圖形渲染管綫（Rendering Pipeline）的簡化模型，重點關注變換階段的執行順序和效率。對於大規模的幾何數據，如何優化矩陣乘法和避免不必要的計算，以提高實時渲染的性能，將是實踐環節的重點。 本書的讀者群是那些對底層數學原理、計算機圖形學算法和幾何邏輯有濃厚興趣的人士，旨在構建一個堅實的、基於數學的視覺構建框架，完全聚焦於空間關係的抽象和計算。

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這本書的裝幀和印刷質量簡直令人贊嘆，這對於一本視覺藝術書籍來說太重要瞭。那些高清放大的局部細節圖，尤其是在講解復雜暈染和肌理錶現時，簡直是教科書級彆的示範。我特彆留意瞭關於“耐久性與材料科學”的那一章，裏麵詳細對比瞭濕壁畫、乾壁畫（Secco）、以及後世發展的蛋彩、油畫轉印等不同技法的優劣和適用性。作者甚至引用瞭現代文物保護專傢對古壁畫褪色原因的研究數據，這使得這本書的內容不僅僅停留在藝術錶達層麵，更具備瞭技術檔案的嚴謹性。對我來說，那些關於如何處理牆麵基層吸水性、如何選擇閤適的石灰砂比例的描述，雖然聽起來技術性很強，但正是這些硬核知識，讓我確信自己手中的是一本真正實用的工具書，而不是泛泛而談的藝術評論集。

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我本來是衝著“教程”兩個字來的，希望趕緊學會怎麼調色、怎麼起稿，但這本書給我的震撼是，它首先教會瞭我“如何思考”壁畫。它花瞭相當大的篇幅去探討壁畫在特定空間中的“語境化”問題。比如，在講解如何設計一幅大型壁畫時，作者並非直接給齣模闆，而是引導讀者去觀察建築的結構、光綫的走嚮，以及觀眾的視綫落點。書中提供瞭大量剖析經典壁畫構圖的案例，不是簡單地指齣“這個地方用對稱”，而是深入剖析瞭對稱背後所要達到的心理效果——是莊嚴肅穆，還是動態平衡。閱讀這些章節時，我感覺自己像是在一位大師身邊接受學徒訓練，他不斷地問我：“這幅畫，你想讓它‘說’什麼？”這種從宏觀藝術理念入手，再逐步收束到具體執行層麵的敘事方式，讓我對“創作”二字有瞭更深層次的理解，遠超齣瞭我對一本“教程”的期待。

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這本厚重的《壁畫創作教程》一拿到手，我就被那種撲麵而來的曆史感和厚重的藝術氣息給鎮住瞭。翻開扉頁，首先映入眼簾的不是那些枯燥的技法解析，而是對壁畫藝術發展脈絡的精妙梳理。作者似乎是一位資深的藝術史學傢，他用非常流暢且富有文學色彩的筆觸，將古代洞窟壁畫的宗教寓意、中世紀教堂壁畫的光影處理，乃至文藝復興時期濕壁畫（Fresco）的復興，描繪得如同史詩般壯闊。書中對不同時期壁畫的地域風格差異，比如敦煌的飛天形象與意大利喬托筆下人物的動態對比，分析得入木三分，讓我這個初學者也立刻領悟到，壁畫絕不僅僅是“畫在牆上的畫”，它承載著文明的重量和時代的精神。特彆是對壁畫顔料的古代配方和製作工藝的介紹，簡直像打開瞭一個失落的寶庫，讓我對那些斑駁古老的牆體背後所蘊含的匠心有瞭全新的敬畏。

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讀完這本書，我最直觀的感受是它對“耐心”的強調，這幾乎貫穿瞭全書的每一個技法環節。無論是準備牆麵的打磨，還是顔料研磨到肉眼難以分辨的程度，亦或是濕壁畫要求在石灰漿乾燥前完成所有工作的高壓狀態，作者都在反復提醒我們，壁畫創作是一種與時間、與材料的長期博弈。它不是快餐式的數字繪畫，而是一種需要沉澱和敬畏的慢藝術。書中有一個關於色彩層疊和透明度處理的章節，作者沒有給齣標準配方，而是鼓勵讀者通過大量的實驗去建立自己的“色彩記憶庫”。這種不提供標準答案，而是激發讀者自我探索的教學方法，非常高明，它真正培養的不是模仿者，而是有獨立思考能力的創作者。讀完之後，我立刻被激發齣瞭想去嘗試那種在牆麵上“搶時間”作畫的衝動，雖然過程必然充滿挫摺，但過程本身已然成為學習的一部分。

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坦白講，這本書的語言風格變化多端，有時候非常學院派，充滿術語，但有時候又突然變得非常接地氣，充滿瞭老畫師們互相傳授的“秘訣”。比如在談到人體動態和透視時，它並沒有直接套用幾何學的公式，而是用瞭一種非常形象的比喻——“把你的身體想象成一個被拉長的橡皮泥，找到它最自然的受力點”。這種將復雜問題簡單化的錶達方式，極大緩解瞭閱讀的枯燥感。更讓我驚喜的是，書中穿插瞭幾位當代著名壁畫傢的訪談片段，他們分享瞭自己為瞭完成大型公共藝術項目所經曆的行政審批、材料運輸以及與甲方溝通的“幕後故事”。這部分內容讓我看到瞭壁畫創作從工作室到最終落成的完整生命周期，充滿瞭現實的挑戰和藝術傢的堅持，讓我覺得這門藝術是活生生、與我們息息相關的。

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